#FOTOGRAFÍA - La teta y la mano por DHECCA + #PHOTOGRAPHY - The Breast and the Hand by DHECCA + #PHOTOGRAPHIE - Le sein et la main par DHECCA + #摄影 - DHECCA作品：乳房与手

DHECCA encarna la figura del artista efímero, un espectro creativo que emerge y se desvanece en los márgenes del espacio público. Su identidad es un enigma: no se sabe si tras este nombre late un colectivo o una voluntad individual, lo que dota a su obra de una mística casi inalcanzable. Sus piezas son actos de resistencia contra el archivo digital; aparecen en la red de redes solo para ser devoradas por la instantaneidad. Poseer un registro visual de su obra es, por tanto, un privilegio estético, un hallazgo que hoy comparto para la posteridad, aun desafiando la naturaleza fugaz de su propia filosofía.

En esta captura nos enfrentamos a un desnudo femenino que dialoga con el mito de la creación. La imagen evoca la idea de una unidad primigenia: ese momento en que lo masculino y lo femenino coexistían en un solo cuerpo, antes de que la costilla diera paso a la dualidad.

La obra, que he decidido titular como La teta y la mano, funciona como un manifiesto sobre la nutrición y el amparo. La mano no es solo un elemento anatómico; es un símbolo de protección ancestral. Su robustez sugiere una personalidad poderosa, quizás incluso inconsciente de su propia fuerza. Al rodear el pecho, la mano crea un recinto sagrado: protege el alimento, protege la infancia y, en última instancia, custodia el milagro de la vida. Es una dualidad entre la firmeza del sostén y la delicadeza de la entrega.

Si el destino os permite cruzaros con la obra de DHECCA, no dudéis en capturarla. Estaréis ante un fragmento de arte que se niega a permanecer, pero que merece ser recordado.

DHECCA embodies the figure of the ephemeral artist—a creative specter that emerges and vanishes within the fringes of public space. Their identity remains an enigma: it is unknown whether a collective or a single individual will beats behind the name, a mystery that endows the work with an almost unattainable mystique. These pieces are acts of resistance against the digital archive; they appear on the web only to be devoured by instantaneity. To possess a visual record of this work is, therefore, an aesthetic privilege—a discovery I share today for posterity, even while defying the fleeting nature of the artist's own philosophy.

In this capture, we face a female nude that dialogues with the myth of creation. The image evokes the idea of a primordial unity: that moment when the masculine and the feminine coexisted within a single body, before the "rib" gave way to duality.

The work, which I have titled The Breast and the Hand, functions as a manifesto on nourishment and shelter. The hand is not merely an anatomical element; it is a symbol of ancestral protection. Its robustness suggests a powerful personality, perhaps even one unconscious of its own strength. By encircling the breast, the hand creates a sacred enclosure: it protects sustenance, it protects childhood, and ultimately, it guards the miracle of life. It is a duality between the firmness of support and the delicacy of surrender.

If destiny allows you to come across the work of DHECCA, do not hesitate to capture it. You will be standing before a fragment of art that refuses to remain, yet deserves to be remembered.

DHECCA incarne la figure de l'artiste éphémère, un spectre créatif qui émerge et s'évanouit dans los marges de l'espace public. Son identité demeure une énigme : on ignore si derrière ce nom palpite un collectif ou une volonté individuelle, un mystère qui dote son œuvre d'une mystique presque inatteignable. Ses pièces sont des actes de résistance contre l'archive numérique ; elles apparaissent sur la toile pour être aussitôt dévorées par l'instantanéité. Posséder une trace visuelle de son œuvre est donc un privilège esthétique, une trouvaille que je partage aujourd'hui pour la postérité, quitte à braver la nature fugitive de sa propre philosophie.

Dans cette capture, nous sommes confrontés à un nu féminin qui dialogue avec le mythe de la création. L'image évoque l'idée d'une unité primordiale : ce moment où le masculin et le féminin coexistaient dans un seul corps, avant que la « côte » ne laisse place à la dualité.

L'œuvre, que j'ai choisi d'intituler Le sein et la main, fonctionne comme un manifeste sur la nutrition et la protection. La main n'est pas seulement un élément anatomique ; elle est un symbole de protection ancestrale. Sa robustesse suggère une personnalité puissante, peut-être même inconsciente de sa propre force. En enserrant le sein, la main crée une enceinte sacrée : elle protège la subsistance, elle protège l'enfance et, en fin de compte, elle garde le miracle de la vie. C'est une dualité entre la fermeté du soutien et la délicatesse du don.

Si le destin vous permet de croiser l'œuvre de DHECCA, n'hésitez pas à la capturer. Vous serez face à un fragment d'art qui refuse de demeurer, mais qui mérite d'être gardé en mémoire.

DHECCA 体现了瞬时艺术家的形象：一个在公共空间边缘浮现又随即消逝的创作幽灵。其身份始终是一个谜：无人知晓这个名字背后是一个集体还是一种个人意志，这为作品赋予了一种近乎遥不可及的神秘感。其创作是对数字存档的一种反抗；作品出现在互联网中，仅仅是为了被瞬时性所吞噬。因此，拥有其作品的视觉记录是一种审美特权，是我今日为后世分享的一项发现，哪怕这挑战了其自身哲学中转瞬即逝的本质。

在这张捕捉到的影像中，我们面对的是一场与创作神话对话的女性人体。画面唤起了一种原始统一性的构思：在肋骨演变为二元对立之前，阴阳两性共存于同一个身体的那个时刻。

这件我决定命名为《乳房与手》（La teta y la mano）的作品，充当了一份关于滋养与庇护的宣言。手不仅是一个解剖学元素，更是祖辈传承的保护象征。它的浑厚暗示着一种强大的性格，甚至可能对其自身的力量毫无察觉。通过环绕胸部，这只手创造了一个神圣的场域：它守护着食粮，守护着童年，并最终看护着生命的奇迹。这是支持的坚定与奉献的细腻之间的一种二元性。

如果命运让你与 DHECCA 的作品不期而遇，请毫不犹豫地记录下来。你将面对的是一段拒绝留存、却值得被铭记的艺术碎片

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192 - #FOTOGRAFÍA - Abstracción lumínica número 1 por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Luminous Abstraction No. 1 by Dosmilcien

 

  

 No hay nada como el bokeh —ese desenfoque artístico de la luz— para sumergirnos en interpretaciones abstractas y emocionales. Aquí lo encontramos en su estado más puro.

Habrá quien se pregunte: «¿Qué necesidad tengo de reflexionar ante una obra así?». Muchos dirían que ninguna. Sin embargo, al detener la mirada, resulta imposible que esta fotografía no nos interpele, forzándonos a descifrar un significado o por lo menos a intuir que intenciones tiene  su autor.

Bien podría representar la visión de la luz que filtran sus hojas mientras descanso a la sombra de un árbol, absorto en mis pensamientos o intentando, por qué no, dar forma a cualquier poesía. Es un instante preciso de mi propia historia, moldeado por el influjo de mi estado de ánimo. Es la misma pulsión que debió sentir Franco Battiato en uno de sus versos más luminosos: «Los eucaliptos crecen muy bien este año. Frutos y tamarindos dan luz a mis ávidas pupilas. Me preparan un lecho de hierbas para nuevos sueños» (vuelvo a utilizar este recurso otra vez). Sus palabras capturan a la perfección esas epifanías que, de vez en cuando, nos asaltan a los seres humanos.

Ese lecho de hierbas y esa estampa que se despliega sobre mí en una calurosa tarde de verano son, al igual que para el maestro italiano, un momento de éxtasis creativo. Una experiencia nacida de mi forma de estar en el mundo y de ese estado de ánimo concreto que hoy me conmueve. 

There is nothing quite like bokeh—that artistic blurring of light—to immerse us in abstract and emotional interpretations. Here, we find it in its purest form.

Some might ask: "What need is there to reflect upon a work like this?" Many would say none at all. However, as we pause to look, it becomes impossible for this photograph not to challenge us, forcing us to decipher a meaning or, at the very least, to sense the author’s intentions.

It could well represent the vision of light filtering through leaves while I rest in the shade of a tree, lost in thought or attempting, why not, to give shape to a poem. It is a precise moment in my own history, molded by the influence of my state of mind. It is the same impulse that Franco Battiato must have felt in one of his most luminous verses: "The eucalyptus trees are growing well this year. Fruits and tamarinds bring light to my eager pupils. They prepare a bed of grass for me for new dreams." His words perfectly capture those epiphanies that, from time to time, overtake us as human beings.

That bed of grass and the scene unfolding above me on a warm summer afternoon are, just as they were for the Italian maestro, a moment of unprecedented creative ecstasy. It is an experience born of my way of being in the world and of that specific state of mind that dwells within me today.

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Museo de Arte Contemporáneo Helga Alvear de Cáceres + Helga de Alvear Museum of Contemporary Art in Cáceres

El Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear es una joya dentro de la ciudad de Cáceres, de la cual dicen que es una maravilla, pero que personalmente no me gusta. Seguramente recibiré muchas críticas por ir contracorriente, pero de las tres veces en las que he estado, no me ha enamorado nada como ciudad. Pero, como he dicho antes, la verdadera joya es este museo —gratuito, por cierto—, donde uno hace un viaje al arte contemporáneo imprescindible para los que aman el arte. No os lo podéis perder; es visita obligada.

De todo lo que disfruté viendo, destaco estas grandes obras:

The Helga de Alvear Museum of Contemporary Art is a gem within the city of Cáceres—a city people rave about, but one that personally doesn't do much for me. I’ll probably get a lot of flak for going against the grain, but after visiting three times, the city itself just hasn't won me over. However, as I mentioned, the real treasure is this museum (which is free, by the way). It offers an essential journey through contemporary art for anyone who loves the medium. You can't miss it; it’s a must-see.

Of everything I enjoyed seeing, I’d like to highlight these great works:

 Siete de agosto de Eugenio Merino

Tony Ousler 

Vik Muñiz

Esta imagen la fotografié yo, y es de un espejo de una de las escaleras del museo. 

José Pedro Costigliolo

Rígido y curvado por 

Wassily Kandinsky

Microcosmos por Remedios Varo

Haegue Yang

De la serie Gritos por Isaac Cordal

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191 - #FOTOGRAFÍA - ¿Subimos? por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Shall we go up? by Dosmilcien

Vivir es el acto de ascender; una metáfora de nuestra propia existencia. En este trayecto encontramos descansillos y pasamanos: los primeros nos permiten pausar y contemplar el camino recorrido; los segundos representan el apoyo necesario para afrontar el tramo que aún nos queda. Desconozco si aguarda un premio al final de la escalera o si la recompensa es, simplemente, haber llegado con la esencia intacta pese al desgaste. Al final, vivir exige un esfuerzo constante, pero, con todos sus matices, la vida es maravillosa.

Living is the act of ascending; a metaphor for our own existence. On this journey, we find landings and handrails: the former allow us to pause and contemplate the path we have traveled, while the latter represent the support needed to face the stretch that lies ahead. I do not know if a prize awaits at the top of the stairs, or if the reward is simply having arrived with one's essence intact despite the wear and tear. In the end, living demands constant effort, but with all its nuances, life is wonderful.

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#MUROS - El tiempo no existe, existen los relojes + #WALLS - Time does not exist, clocks do

 

Existen sentencias tan precisas como el mecanismo de un reloj; estamos ante una de ellas. No provienen de libros académicos ni de la pluma de grandes literatos; son destellos que aparecen en nuestros muros, a veces de forma anónima, otras no. Curiosamente, el sello de este pensamiento es el mismo triángulo que integra el logotipo de arte2.

La máxima «el tiempo no existe, existen los relojes» nos enfrenta a una realidad lapidaria: la medición del tiempo  es un artificio humano y, por ende, una imposición ajena a nuestra naturaleza. Si bien medir el tiempo pudo tener un matiz romántico en su origen, la frenética sociedad actual lo ha convertido en una fuente de velocidad asfixiante. El tiempo es hoy la moneda de cambio de nuestra fuerza de trabajo y una disciplina, tanto impuesta como autoimpuesta, que encorseta el libre albedrío.

En un universo que tiende inevitablemente a la entropía, el tiempo actúa como un dique de orden; un rigor físico del que, paradójicamente, ya no podemos prescindir.

Certain statements are as precise as the inner workings of a clock; we are standing before one of them. They do not emerge from academic books or the pens of great literati; they are flashes of insight that appear on our walls, sometimes anonymously, sometimes not. Interestingly, the seal of this thought is the same triangle that forms the Arte2 logo.

The maxim “time does not exist, clocks do” confronts us with a stark reality: the measurement of time is a human artifice and, therefore, an imposition foreign to our nature. While measuring time may have had a romantic nuance in its origin, today’s frenetic society has turned it into a source of suffocating speed. Today, time is the currency of our labor power and a discipline—both imposed and self-imposed—that shackles free will.

In a universe that inevitably drifts toward entropy, time acts as a dam of order; a physical rigor that, paradoxically, we can no longer live without.

Dosmilcien

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190 #FOTOGRAFÍA - Marrones de Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Browns by Dosmilcien

El color es caprichoso y el marrón, a menudo, un incomprendido. Sin embargo, me aventuro a presentaros una paleta de tierras en todo su esplendor —o, al menos, el que mis manos alcanzan a capturar—. Al proyectarse sobre un lienzo rugoso, las fronteras de cada tonalidad se desdibujan hasta volverse permeables. He decidido no imponer límites a estas formas geométricas; el color, en su esencia, se resiste a las barreras. Es, sencillamente, un intercambio vital de información, tal como sucede en el latido de cualquier célula.

Color is fickle, and brown is often misunderstood. Nevertheless, I venture to present a palette of earth tones in all their splendor—or at least, the splendor my hands are able to capture. Projected onto a textured canvas, the boundaries of each shade blur until they become permeable. I have chosen not to impose limits on these geometric forms; color, in its essence, resists barriers. It is, quite simply, a vital exchange of information, much like the pulse of a cell.

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189 - #FOTOGRAFÍA - EN UNA CALLE CUALQUIERA DE JAPÓN DE RODRIGO MONTERDE + #PHOTOGRAPHY - ON AN ORDINARY STREET IN JAPAN BY RODRIGO MONTERDE

 

El Extremo Oriente es un crisol donde convergen tradiciones ancestrales y profundas costumbres. A pesar de sus vertiginosas modernidades, algunas fascinantes y otras espantosas, perdura siempre un sedimento de sabiduría práctica que emana de un pasado no tan distante.

En una calle anónima de Japón, bajo una llovizna persistente, un hombre pedalea con tenaz concentración, escudándose con un paraguas. Resulta sorprendente encontrar tal soledad en medio de una arteria populosa en algunos tramos del día, pero absorto en su esfuerzo personal, él avanza imperturbable hacia su meta. Nada parece desviarle; nada le importa excepto ese destino final que, para nosotros, simples observadores silenciosos, permanece envuelto en la incertidumbre. Y, ¿quién sabe si la mera acción de observar está, de hecho, alterando su resultado?

The Far East is a crucible where ancient traditions and profound customs converge. Despite its vertiginous modernities—some fascinating and others appalling—there always persists a sediment of practical wisdom that emanates from a past not so distant.

On an anonymous street in Japan, beneath a persistent drizzle, a man pedals with tenacious concentration, shielding himself with an umbrella. It is surprising to find such solitude in the middle of a populous thoroughfare during certain times of the day, yet, absorbed in his personal effort, he advances imperturbably toward his goal. Nothing seems to divert him; nothing matters to him except that final destination which, for us, simple, silent observers, remains shrouded in uncertainty. And who knows if the mere act of observation is, in fact, altering its outcome?

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188 - #FOTOGRAFÍA - PALMERAL POR DOSMILCIEN + #PHOTOGRAPHY - PALM GROVE BY DOSMILCIEN

 

 Es tan nítida esta fotografía que a pesar de ser eso, parece una pintura hiperrealista. Estas palmeras que adornan cada vez más nuestros lugares comunes, se asemejan a fuegos artificiales de carácter natural.

Este árbol lo asociamos con lugares de costa, con las vacaciones y, por lo tanto, es un símbolo de nuestro bienestar personal que añoramos, que deseamos y que anhelamos: que nuestra vida sea así de manera permanente.

Por decirlo de alguna manera, estáis ante un bodegón arbóreo, quizás dicho así por primera vez en la historia del arte.

The clarity of this photograph is such that, despite being a mere picture, it looks like a hyperrealistic painting. These palm trees, which increasingly adorn our public spaces, resemble natural fireworks.

We associate this tree with coastal locations, with vacations, and it is therefore a symbol of our personal well-being that we long for, desire, and yearn for: that our life may be this way permanently.

To put it one way, you are looking at an arboreal still life, a phrase perhaps used for the first time in art history.

Dosmilcien

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#CARTELES - Hoteles en la antigua Yugoslavia + #POSTERS - Hotels in the former Yugoslavia

  

Me atrae profundamente la estética de estas etiquetas y carteles de hotel, concebidos como publicidad directa para las maletas o para ser expuestos en las agencias de viaje. Evocan una era de viajes más romántica y audaz, un periodo en el que soñar con el mundo era la esencia misma del trayecto. El uso de colores primarios y atrayentes es característico y fundamental para reflejar el optimismo y el espíritu vacacional de la época. Estilísticamente, nos remiten claramente a las artes decorativas, y más concretamente, al Art Decó. Si bien su autoría a menudo se pierde en el tiempo, su calidad artística atestigua la maestría de sus diseñadores en el ámbito de la publicidad gráfica.

I am deeply drawn to the aesthetic of these hotel labels and posters, originally conceived as direct advertising for luggage or for display in travel agencies. They evoke an era of travel that was more romantic and bold, a period in which dreaming of the world was the very essence of the journey. The use of primary, alluring colors is characteristic and fundamental, reflecting the optimism and holiday spirit of the time. Stylistically, they clearly reference the decorative arts and, more specifically, Art Deco. While their authorship is often lost to time, their artistic quality attests to the mastery of their designers in the field of graphic advertising.

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#PINTURA - El minimalismo de Miguel Ángel Rodríguez Silva + #PAINTING - The Minimalism of Miguel Ángel Rodríguez Silva

 Miguel Ángel Rodríguez Silva se erige como un fervoroso militante del minimalismo más esencial y combativo. Su compromiso no es otro que una defensa rigurosa de esta corriente como vía para alcanzar la máxima capacidad plástica con el mínimo de recursos materiales, lo cual incluye, de manera crucial, la contención en el uso del color.

La obra de Rodríguez Silva se presenta desnuda de artificios; es lo que el espectador ve, libre de fuegos artificiales o cualquier tipo de barroquismo. Esta austeridad lo sitúa, legítimamente, en la estela del suprematismo y de los pioneros de la abstracción geométrica.

Al contemplar estas dos piezas, surge la pregunta: ¿qué observamos realmente? Es, a mi juicio, el eco de una escultura de hierro llevada al lienzo en su expresión más mínima. Si bien la sencillez formal puede inducir a pensar que su ejecución es trivial, esta percepción es errónea. La aparente facilidad desmiente la necesidad de una profunda intención, un dominio técnico preciso y una clara conceptualización. El resultado es arte en estado puro, un ejercicio de contemplación que no busca narrar ni proponer una tesis explícita.

La primera pintura ejemplifica un encaje perfecto de módulos pintados, cuya precisión geométrica evoca la labor de un fresador experto en metal. La segunda, por su parte, sugiere unas ranuras o hendiduras colocadas con exactitud matemática sobre una superficie. En efecto, tanto el suprematismo como la abstracción geométrica se fundamentan en el orden, siendo un arte matemático, casi una ciencia pura.

Ambas obras convergen en su enfoque, destacando la sencillez cromática. Sus paletas, sin ser estrictamente básicas, se aproximan a la esencialidad. En esencia, estamos ante la armonía, ante un monocorde pictórico destinado al disfrute estético de la sensibilidad humana.

Miguel Ángel Rodríguez Silva stands as an ardent militant of the most essential and combative minimalism. His commitment is none other than a rigorous defense of this movement as a path to achieve the maximum plastic capacity with the minimum of material resources, which crucially includes restraint in the use of color.

Rodríguez Silva’s work is presented stripped bare of artifice; it is simply what the viewer sees, free from fireworks or any type of Baroque excess. This austerity places him, quite legitimately, in the tradition of Suprematism and the pioneers of geometric abstraction.

Upon contemplating these two pieces, the question arises: what are we truly observing? It is, in my judgment, the echo of an iron sculpture brought to the canvas in its most minimal expression. Although the formal simplicity might lead one to believe its execution is trivial, this perception is misleading. The apparent ease belies the need for a profound intention, precise technical mastery, and clear conceptualization. The result is art in its purest state, an exercise in contemplation that seeks neither to narrate nor to propose an explicit thesis.

The first painting exemplifies a perfect interlocking of painted modules, whose geometric precision evokes the work of an expert metal miller. The second, for its part, suggests grooves or indentations placed with mathematical exactitude upon a surface. Indeed, both Suprematism and geometric abstraction are fundamentally based on order, being a mathematical art, almost a pure science.

Both works converge in their approach, highlighting the chromatic simplicity. Their palettes, while not strictly basic, approach essentiality. In essence, we are before harmony, before a pictorial monochord intended for the aesthetic enjoyment of human sensibility.

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