205 - #FOTOGRAFÍA - Ecos de danzas Sufí por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Echoes of Sufi Dances by Dosmilcien + #摄影 - 《苏菲舞的回声》 Dosmilcien 著 + #PHOTOGRAPHIE - Échos de danses soufies par Dosmilcien

"Ecos de danzas sufí" no es solo  el  título de un álbum  del recordado maestro Franco Battiato; es la génesis de esta obra. Inspirada en el misticismo de los derviches giróvagos, quienes persiguen la conexión divina a través del giro y la meditación, esta imagen busca capturar esa unión con lo absoluto.

En esta fotografía nos situamos en el umbral. Siempre me han fascinado las zonas fronterizas: ese espacio liminal donde colisionan lo terrenal y lo divino, la luz y la penumbra. La composición nos adentra en una cavidad que funciona como envoltorio del alma, un refugio al que solo accedemos mediante el movimiento consciente y el silencio interior. Es un tránsito extrasensorial, un viaje entre nuestra materia y nuestra inmaterialidad, impulsado por la búsqueda de la verdad.

La obra juega con nuestras dualidades inherentes —cuerpo y alma, fe y razón, el orden y el caos—, trazando un camino hacia la sabiduría divina. Esta representación me sobrecoge por su honestidad; en ella, la penumbra no es un vacío aterrador, sino unos brazos abiertos que ofrecen protección contra todo mal. En definitiva, esta fotografía actúa como un silencio a voces: un grito visual que nos insta a ir más allá y nos asegura que, en la profundidad de ese viaje, nada tenemos que temer.

 

"Echos of Sufi Dances" is not merely a song title by the late maestro Franco Battiato; it is the genesis of this work. Inspired by the mysticism of the whirling dervishes, who pursue a divine connection through rotation and meditation, this image seeks to capture that union with the absolute.

In this photograph, we stand at the threshold. I have always been fascinated by border zones: that liminal space where the earthly and the divine, light and twilight, collide. The composition draws us into a cavity that serves as the soul’s envelope, a sanctuary reached only through conscious movement and inner silence. It is an extrasensory transit, a journey between our physical and immaterial selves, driven by the search for truth.

The work plays with our inherent dualities —body and soul, faith and reason, order and chaos— tracing a path toward divine wisdom. This representation overwhelms me with its honesty; in it, the shadows are not a terrifying void, but open arms offering protection against all evil. Ultimately, this photograph acts as a "vocal silence": a visual cry urging us to go further and assuring us that, in the depths of that journey, we have nothing to fear.

《苏菲舞的回声》（Ecos de danzas sufí）不仅是已故大师佛朗哥·巴提亚托（Franco Battiato）的一首歌名，更是这部作品的起源。受到苏菲派旋转舞者神秘主义的启发——他们通过旋转与冥想追求与神圣的连接——这幅图像旨在捕捉那种与绝对本体的融合。

在这张照片中，我们置身于门槛之上。我一直对边界地带着迷：那是尘世与神圣、光明与幽暗碰撞的阈限空间。构图将我们带入一个如同灵魂外壳的空腔，一个只有通过自觉的律动与内在的寂静才能抵达的避难所。这是一种超感官的过渡，是一场在我们物质性与非物质性之间的旅行，由对真理的追寻所驱动。

作品博弈于我们内在的双重性——身体与灵魂、信仰与理性、秩序与混沌——勾勒出通往神圣智慧之路。这种表达以其坦诚震撼了我；在这里，幽暗并非令人恐惧的虚无，而是张开的双臂，保护我们免受一切伤害。总之，这张照片如同“发声的沉默”：一种视觉上的呐喊，敦促我们走向远方，并向我们保证，在那场旅程的深处，我们无所畏惧。

« Échos de danses soufies » n'est pas seulement le titre d'une chanson du regretté maestro Franco Battiato ; c'est la genèse de cette œuvre. Inspirée par le mysticisme des derviches tourneurs, qui recherchent la connexion divine à travers le tournoiement et la méditation, cette image cherche à capturer cette union avec l'absolu.

Dans cette photographie, nous nous situons au seuil. J'ai toujours été fasciné par les zones frontalières : cet espace liminal où entrent en collision le terrestre et le divin, la lumière et la pénombre. La composition nous introduit dans une cavité qui sert d'enveloppe à l'âme, un refuge auquel nous n'accédons que par le mouvement conscient et le silence intérieur. C'est un transit extrasensoriel, un voyage entre notre matière et notre immatérialité, porté par la quête de la vérité.

L'œuvre joue avec nos dualités inhérentes —corps et âme, foi et raison, ordre et chaos—, traçant un chemin vers la sagesse divine. Cette représentation me bouleverse par son honnêteté ; ici, la pénombre n'est pas un vide terrifiant, mais des bras ouverts offrant une protection contre tout mal. En définitive, cette photographie agit comme un « silence à voix haute » : un cri visuel qui nous exhorte à aller au-delà et nous assure que, dans la profondeur de ce voyage, nous n'avons rien à craindre.

Dosmilcien, "!==, MMC, 2100

@dosmilcien.bsky.social

https://music.apple.com/mx/album/ecos-de-danzas-sufi-remastered/1522272934

204 - #FOTOGRAFÍA - Homenaje a Aldred Hitchcock sobre una obra de Wolf Vostell + #PHOTOGRAPHY - Homage to Alfred Hitchcock based on a work by Wolf Vostell +#摄影 - 在沃尔夫·福斯特尔作品基础上向阿尔弗雷德·希区柯克致敬 + #PHOTOGRAPHIE - Hommage à Alfred Hitchcock sur une œuvre de Wolf Vostell

 

Esta pieza es mi punto de partida en el universo de Wolf Vostell, figura fundamental del movimiento Fluxus. Sobre el lienzo  de una cascada en perpetuo movimiento, emerge mi silueta: una sombra desplazada a la izquierda que observa, con una mezcla de ironía y distanciamiento, a las figuras que pueblan la escena. Es un guiño deliberado al lenguaje visual de Alfred Hitchcock, una mirada que se sitúa, no sin cierta superioridad crítica, por encima de los líderes que definieron una era: desde la aterradora  Margaret Thatcher hasta el belicista  Ronald Reagan y la figura de Mijaíl Gorbachov, quien vendió la URSS al mejor postor.

La obra original de Vostell habita (o habitaba) los espacios del Museo Helga de Alvear en Cáceres. Proyectada en la penumbra de una sala donde el fluir del agua dicta el ritmo del tiempo, la pieza invita a un recogimiento casi meditativo. Es un espacio que nos obliga a confrontar nuestro pensamiento político, un lugar para analizar las cicatrices del pasado y los rumbos del presente. Es, precisamente ahí, donde el espectador debe detenerse; permitir que la mirada "inquisidora" —propia de quien se enfrenta al arte contemporáneo— descanse, dejando que la mente se vuelva porosa y receptiva ante los desafíos estéticos que están por venir.

En esta reinterpretación, me asumo como una distorsión. Actúo como un usurpador que propone una nueva lectura de esta creación magistral. Mi intención no es la vana pretensión de mejorar lo inmejorable, sino la de rendir un tributo híbrido: un homenaje al genio cinematográfico y, al mismo tiempo, un gesto de rebeldía. Es la voz de quienes habitamos la periferia del poder, de los que estamos "abajo", reafirmando nuestra existencia frente a la hegemonía omnipresente de la política y el capital.

This piece is my starting point within the universe of Wolf Vostell, a fundamental figure of the Fluxus movement. Upon the canvas of a perpetually moving waterfall, my silhouette emerges: a shadow displaced to the left, observing the figures that populate the scene with a blend of irony and detachment. It is a deliberate nod to the visual language of Alfred Hitchcock—a gaze positioned, not without a certain critical superiority, above the leaders who defined an era: from the terrifying Margaret Thatcher to the bellicose Ronald Reagan and the figure of Mikhail Gorbachev, who sold the USSR to the highest bidder.

Vostell’s original work inhabits (or used to inhabit) the spaces of the Helga de Alvear Museum in Cáceres. Projected in the twilight of a room where the flow of water dictates the rhythm of time, the piece invites an almost meditative introspection. It is a space that forces us to confront our political thought, a place to analyze the scars of the past and the directions of the present. It is precisely there where the spectator must pause; allowing the "inquisitive" gaze—typical of those confronting contemporary art—to rest, letting the mind become porous and receptive to the aesthetic challenges yet to come.

In this reinterpretation, I assume the role of a distortion. I act as a usurper proposing a new reading of this masterful creation. My intention is not the vain pretension of improving the unimprovable, but to render a hybrid tribute: an homage to cinematic genius and, simultaneously, a gesture of rebellion. It is the voice of those of us who inhabit the periphery of power, those of us "at the bottom," reaffirming our existence against the omnipresent hegemony of politics and capital.

这件作品是我进入 激浪派 (Fluxus) 运动核心人物 沃尔夫·福斯特尔 (Wolf Vostell) 世界的起点。在永恒运动的瀑布画布上，我的剪影浮现出来：一个向左偏移的阴影，带着讽刺与疏离感，观察着画面中的人物。这是对 阿尔弗雷德·希区柯克 (Alfred Hitchcock) 视觉语言的刻意致敬——一种带着某种批判性优越感的目光，审视着那些定义了一个时代的领导者：从令人畏惧的玛格丽特·撒切尔到好战的罗纳德·里根，再到将苏联卖给出价最高者的米哈伊尔·戈尔巴乔夫。

福斯特尔的原作曾陈列于卡塞雷斯的 赫尔加·德·阿尔维亚尔博物馆 (Museo Helga de Alvear)。作品投射在昏暗的展厅内，流水的节奏即是时间的节奏，引导人们进入一种近乎冥想的静思。这是一个强迫我们面对政治思考的空间，一个分析过去伤痕与现在走向的场所。正是在那里，观众必须驻足，让面对当代艺术时特有的“审视”目光稍作休息，让思想变得通透，去迎接未来的审美挑战。

在这种重新诠释中，我将自己视为一种扭曲。我以一个“篡位者”的身份，为这一杰作提出了新的解读。我的意图并非狂妄地试图改进那无法改进的作品，而是献上一份混合的致敬：既是对电影天才的纪念，同时也是一种反叛的姿态。这是我们这些生活在权力边缘、处于“底层”的人的声音，在无处不在的政治与资本霸权面前，重申我们的存在。

Cette pièce est mon point de départ dans l'univers de Wolf Vostell, figure fondamentale du mouvement Fluxus. Sur la toile d'une cascade en perpétuel mouvement, ma silhouette émerge : une ombre décalée vers la gauche qui observe, avec un mélange d'ironie et de distanciation, les figures qui peuplent la scène. C'est un clin d'œil délibéré au langage visuel d'Alfred Hitchcock, un regard qui se place, non sans une certaine supériorité critique, au-dessus des dirigeants qui ont défini une époque : de la terrifiante Margaret Thatcher au belliciste Ronald Reagan, en passant par la figure de Mikhaïl Gorbatchev, qui a vendu l'URSS au plus offrant.

L'œuvre originale de Vostell habite (ou habitait) les espaces du Musée Helga de Alvear à Cáceres. Projetée dans la pénombre d'une salle où le ruissellement de l'eau dicte le rythme du temps, la pièce invite à un recueillement presque méditatif. C'est un espace qui nous oblige à confronter notre pensée politique, un lieu pour analyser les cicatrices du passé et les trajectoires du présent. C'est précisément là que le spectateur doit s'arrêter ; permettre au regard « inquisiteur » — propre à celui qui affronte l'art contemporain — de se reposer, laissant l'esprit devenir poreux et réceptif aux défis esthétiques à venir.

Dans cette réinterprétation, je m'assume comme une distorsion. J'agis comme un usurpateur qui propose une nouvelle lecture de cette création magistrale. Mon intention n'est pas la vaine prétention d'améliorer l'indépassable, mais de rendre un hommage hybride : un tribut au génie cinématographique et, en même temps, un geste de rébellion. C'est la voix de ceux qui habitent la périphérie du pouvoir, de ceux d'entre nous qui sont « en bas », réaffirmant notre existence face à l'hégémonie omniprésente de la politique et du capital.

Dosmilcien, "!==, 2100, MMC

@dosmilcien.bsky.social

@iarte.bsky.social

203 - #FOTOGRAFÍA - Órgano por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Organ by Dosmilcien + #摄影 - 《风琴》Dosmilcien 词作 + #PHOTOGRAPHIE - Orgue par Dosmilcien

 

   

 Esta tenue luminiscencia que emerge de esta fotografía no es solo un fenómeno óptico; bien podría representar el órgano de luz de una nueva liturgia moderna en las catedrales del futuro, proyectadas por el hombre del mañana. En este escenario, nos enfrentamos a un instrumento digital capaz de reescribir la historia, donde las partituras de nuevos compositores dialogarían con los ecos de maestros como Antonio de Cabezón, cuyas obras serían reinterpretadas bajo una arquitectura sonora y tecnológica radicalmente nueva. Esta visión, lejos de ser un mero producto de la imaginación, encuentra su eco en la vanguardia explorada por figuras como Jean-Michel Jarre, quien ya materializó la música a través de órganos de luz, transformando los fotones en una experiencia sensorial tangible.

El arte contemporáneo nos enseña que la obra nunca es unívoca, y las sombras proyectadas en esta pieza ofrecen mil y una lecturas posibles. Sin embargo, su juego de contrastes ya nos sugiere una dirección; la intencionalidad de la instantánea traza un mapa interpretativo que nos sitúa ante un órgano de tubos lumínico. En este espacio, el futuro no se narra con palabras, sino que se explica mediante notas musicales que emanan de elementos inexistentes, de una materia etérea que, aunque hoy nos resulte casi incomprensible, constituye el lenguaje del mañana.

This faint luminescence emerging from this photograph is not merely an optical phenomenon; it could well represent the light organ of a new modern liturgy within the cathedrals of the future, designed by the humanity of tomorrow. In this setting, we encounter a digital instrument capable of rewriting history, where the scores of contemporary composers engage in a dialogue with the echoes of masters such as Antonio de Cabezón, whose works would be reinterpreted under a radically new sonic and technological architecture. This vision, far from being a mere figment of the imagination, finds its resonance in the avant-garde explored by figures like Jean-Michel Jarre, who previously materialized music through light organs, transforming photons into a tangible sensory experience.

Contemporary art teaches us that a work is never univocal, and the shadows projected in this piece offer a thousand and one possible readings. However, their interplay of contrasts already suggests a direction; the intentionality of the snapshot traces an interpretive map that places us before an organ of light-pipes. In this space, the future is not narrated through words, but explained through musical notes emanating from non-existent elements—an ethereal matter that, although nearly incomprehensible to us today, constitutes the language of tomorrow.

这张照片中所浮现的微弱荧光不仅是一种光学现象；它极有可能代表了由未来人类所设计的未来大教堂中，一场现代新礼拜仪式里的“灯光风琴”。在这种情境下，我们面对的是一种能够重写历史的数字乐器：在这里，新锐作曲家的乐谱将与安东尼奥·德·卡韦松（Antonio de Cabezón）等大师的回响展开对话，其作品将在一种全新的声音与技术架构下被重新诠释。这一愿景并非纯粹的臆想，它与让-米歇尔·雅尔（Jean-Michel Jarre）等先锋人物所探索的前卫艺术遥相呼应——他曾通过灯光风琴使音乐具象化，将光子转化为可感知的感官体验。

当代艺术教导我们，作品绝非只有单一的含义，而此件作品中所投射的阴影提供了千变万化的解读可能。然而，这种光影交错的博弈已然暗示了一个方向；这张快照的意图勾勒出一幅解读蓝图，将我们置于一座光管风琴面前。在这个空间里，未来不再用言语叙述，而是通过源自虚幻元素的音符来阐释——这是一种空灵的物质，尽管今天对我们来说几乎无法理解，却构成了明天的语言。

Cette ténue luminescence qui émerge de cette photographie n'est pas seulement un phénomène optique ; elle pourrait bien représenter l'orgue de lumière d'une nouvelle liturgie moderne dans les cathédrales du futur, projetées par l'homme de demain. Dans ce scénario, nous sommes face à un instrument numérique capable de réécrire l'histoire, où les partitions de nouveaux compositeurs dialogueraient avec les échos de maîtres tels qu'Antonio de Cabezón, dont les œuvres seraient réinterprétées sous une architecture sonore et technologique radicalement nouvelle. Cette vision, loin d'être un simple produit de l'imagination, trouve son écho dans l'avant-garde explorée par des figures comme Jean-Michel Jarre, qui a déjà matérialisé la musique à travers des orgues de lumière, transformant les photons en une expérience sensorielle tangible.

L'art contemporain nous enseigne que l'œuvre n'est jamais univoque, et les ombres projetées dans cette pièce offrent mille et une lectures possibles. Pourtant, leur jeu de contrastes suggère déjà une direction ; l'intentionnalité de l'instantané trace une carte interprétative qui nous place devant un orgue de tubes lumineux. Dans cet espace, le futur ne se raconte pas avec des mots, mais s'explique par des notes musicales émanant d'éléments inexistants, d'une matière éthérée qui, bien qu'elle nous soit presque incompréhensible aujourd'hui, constitue le langage de demain.

Dosmilcien, "!==, 2100, MMC 

@Dosmilcien.bsky.social

@iarte.bsky.social

#ESCULTURA - Laberíntia III por Martín Chirino, 1978 + #SCULPTURE - Laberíntia III by Martín Chirino, 1978 + #雕塑 - 《迷宫三号》(Laberíntia III)，马丁·奇里诺，1978年 +#SCULPTURE - Laberíntia III par Martín Chirino, 1978

 

 Martín Chirino es un gran artista del volumen que ocupa el espacio no como una agresión, sino como una caricia musical. Su afición es el hierro, pero no el fundido en  un molde, sino el de yunque y cincel; un homenaje a esos trabajadores que forjaban el metal con sangre, sudor y muchas lágrimas. 

Este gran abstraccionista era capaz de conectar la pesadez del hierro con la levedad de la naturaleza en sus elementos más frágiles, como una flor o una hoja de sus queridas Islas Canarias. ¿Qué nos quería decir con esto? Pues no solo mostraba su respeto por la citada naturaleza, sino por los ancestros canarios, como los guanches, quienes cuidaban su entorno con esmero y pasión. Precisamente, este acto de valentía metalúrgica es una representación de la cultura de la tribu autóctona de las islas.

La escultura Laberintía III es simplemente eso: aquello que acaricia el viento entre los espacios carentes del preciado material ya domesticado. Hay dos posibilidades sobre esta escultura: o es una voluta clásica y poética del viento al soplar —que lo mismo mueve el cabello de una linda mujer o arranca del regazo de la madre tierra (mujer también) un árbol—, o es una vuelta a nosotros mismos, a nuestro pasado más íntimo y auténtico, en consonancia (y quien dice consonancia dice conexión) con el resto de seres, animados o no, que como nosotros ocupamos el sagrado espacio común en armonía. 

En fin, observar semejante "agresión" a nuestros sentidos es hipnótico, a la vez que algo religioso.

Martín Chirino is a great artist of volume who occupies space not as an aggression, but as a musical caress. His passion is iron, yet not the kind cast in a mold, but that of the anvil and chisel; a tribute to those workers who forged metal with blood, sweat, and many tears. 

This great abstractionist was capable of connecting the heaviness of iron with the lightness of nature in its most fragile elements, such as a flower or a leaf from his beloved Canary Islands. What did he want to tell us with this? Well, he showed not only his respect for the aforementioned nature, but also for the Canarian ancestors, such as the Guanches, who cared for their environment with dedication and passion. Precisely, this act of metallurgical bravery is a representation of the culture of the islands' indigenous tribe.

The sculpture Laberintía III is simply that: that which caresses the wind among the spaces lacking the precious, now-tamed material. There are two possibilities regarding this sculpture: either it is a classic and poetic volute of the wind as it blows—which might move the hair of a beautiful woman or uproot a tree from the lap of Mother Earth (also a woman)—or it is a return to ourselves, to our most intimate and authentic past, in consonance (and whoever says consonance says connection) with all other beings, animate or not, who like us occupy the sacred common space in harmony. In short, observing such an "aggression" to our senses is hypnotic, and at the same time, somewhat religious.

Martín Chirino est un grand artiste du volume qui occupe l'espace non pas comme une agression, mais comme une caresse musicale. Sa passion est le fer, mais pas celui coulé dans un moule, sinon celui de l'enclume et du ciseau ; un hommage à ces travailleurs qui forgeaient le métal avec du sang, de la sueur et beaucoup de larmes. 

Ce grand abstractionniste était capable de relier la lourdeur du fer à la légèreté de la nature dans ses éléments les plus fragiles, comme une fleur ou une feuille de ses chères îles Canaries. Que voulait-il nous dire par là ? Eh bien, il ne montrait pas seulement son respect pour ladite nature, mais aussi pour les ancêtres canariens, comme les Guanches, qui soignaient leur environnement avec dévouement et passion. Précisément, cet acte de bravoure métallurgique est une représentation de la culture de la tribu autochtone des îles.

La sculpture Laberintía III est simplement cela : ce qui caresse le vent entre les espaces dépourvus du précieux matériau déjà domestiqué. Il y a deux possibilités concernant cette sculpture : soit c'est une volute classique et poétique du vent lorsqu'il souffle — qui peut aussi bien faire bouger les cheveux d'une belle femme qu'arracher un arbre du giron de la Terre Mère (femme elle aussi) —, soit c'est un retour à nous-mêmes, à notre passé le plus intime et authentique, en consonance (et qui dit consonance dit connexion) avec le reste des êtres, animés ou non, qui comme nous occupent l'espace sacré commun en harmonie. En somme, observer une telle « agression » de nos sens est hypnotique, en même tiempo que quelque chose de religieux.

马丁·奇里诺（Martín Chirino）是一位伟大的体积艺术家，他占据空间的方式并非侵略，而是一种音乐般的抚摸。他钟情于铁，但并非模具铸造的铁，而是铁砧与凿子打造的铁；这是对那些用鲜血、汗水和泪水锻造金属的劳动者的致敬。这位伟大的抽象主义者能够将铁的沉重与自然界最脆弱元素（如他挚爱的加那利群岛的一朵花或一片叶子）的轻盈联系起来。他想通过这些告诉我们什么呢？这不仅展现了他对自然的尊重，也体现了对加那利先祖——关切人（Guanches）的敬意，他们曾以极大的用心和热情守护环境。准确地说，这种冶金领域的英勇行为，正是海岛土著部落文化的象征。

雕塑《迷宫三号》（Laberintía III）正是如此：是在已被驯服的珍贵材质所缺失的缝隙间，抚摸微风的存在。关于这座雕塑有两种可能：它要么是风吹过时古典而诗意的漩涡——既能拂动美女的发丝，也能从大地母亲（同样是女性）的怀抱中拔起树木；要么是向我们自身的回归，回归到我们最私密、最真实的过去，与所有生命（无论是否有灵）和谐共鸣（或者说连接），共同占据这片神圣的公共空间。总之，观察这种对感官的“侵略”是催眠般的体验，同时也带有一种宗教色彩。

Texto de Dosmilcien, "!==, MMC, 2100

@Dosmilcien.bsky.social

#PINTURA - Silencio azul por Diego Vallejo + #PAINTING - Blue Silence by Diego Vallejo + #PEINTURE - Silence bleu par Diego Vallejo + #绘画 - 《蓝色沉静》 迭戈·巴列霍 著

Esta obra se inscribe en el realismo, pero no como un mero ejercicio de mimesis - representación de la realidad de la naturaleza o de la acción humana -, sino como un retrato generacional. Aunque no pertenezco a la cronología que retrata, es imposible no reconocer esa función social que todos, en algún momento, hemos acabado asumiendo.

Personalmente, me atrevería a bautizarlo como un "realismo fantasmagórico". Hay algo en la nitidez difusa de la escena que cautiva: una cotidianidad juvenil que irrumpe con una fuerza inusitada en el tejido artístico actual. Diego Vallejo nos sitúa en esa frontera porosa donde la realidad y la ficción dejan de excluirse. Es un juego de escondite con nuestra percepción; un pulso constante en el que nos preguntamos, casi con angustia, si estamos ante una fotografía o una pintura.

En este "juego infernal", el autor utiliza el desenfoque y una saturación vibrante para manipular nuestra subjetividad. ¿Estamos ante un trampantojo contemporáneo? Sin duda. No es el fotograma de una película, pero posee esa misma carga narrativa: toma un fragmento de la normalidad y lo eleva a la categoría de arte puro, dejándonos la sensación de estar ante un fotograma inacabado, un recuerdo en pausa.

Llevando mis reflexiones a un terreno más audaz, percibo en su obra un homenaje velado a Velázquez. Con una valentía casi malévola, Vallejo traslada la esencia del maestro sevillano al siglo XXI. Al igual que en La rendición de Breda, el autor se atreve con lo más difícil: pintar la atmósfera. Desacraliza el canon clásico para recordarnos que el aire y la luz siguen siendo los verdaderos protagonistas de nuestra mirada.

This work is rooted in realism, yet not as a mere exercise in mimesis—the representation of nature or human action—but as a generational portrait. Although I do not belong to the timeline it portrays, it is impossible not to recognize the social function that we all, at some point, end up assuming.

Personally, I would venture to call it "phantasmagorical realism." There is something in the diffuse sharpness of the scene that captivates: a youthful everydayness that bursts with unusual force into today’s artistic fabric. Diego Vallejo places us on that porous border where reality and fiction cease to be mutually exclusive. It is a game of hide-and-seek with our perception; a constant pulse where we ask ourselves, almost with anguish, whether we are facing a photograph or a painting.

In this "infernal game," the author uses blur and vibrant saturation to manipulate our subjectivity. Are we looking at a contemporary trompe-l'œil? Undoubtedly. It is not a film still, yet it possesses that same narrative weight: it takes a fragment of normality and elevates it to the status of pure art, leaving us with the sensation of an unfinished frame, a memory on pause.

Taking my reflections to bolder ground, I perceive in his work a veiled homage to Velázquez. With an almost malevolent bravery, Vallejo translates the essence of the Sevillian master into the 21st century. Much like in The Surrender of Breda, the author dares to do the most difficult thing: to paint the atmosphere. He desacralizes the classic canon to remind us that air and light remain the true protagonists of our gaze.

Cette œuvre s'inscrit dans le réalisme, non pas comme un simple exercice de mimesis — représentation de la nature ou de l'action humaine —, mais comme un portrait générationnel. Bien que je n'appartienne pas à la chronologie qu'elle dépeint, il est impossible de ne pas reconnaître cette fonction sociale que nous avons tous, à un moment donné, fini par assumer.

Personnellement, j'oserais le baptiser « réalisme phantasmagorique ». Il y a quelque chose dans la netteté diffuse de la scène qui captive : un quotidien juvénile qui fait irruption avec une force inhabituelle dans le tissu artistique actuel. Diego Vallejo nous place sur cette frontière poreuse où la réalité et la fiction cessent de s'exclure. C'est un jeu de cache-cache avec notre perception ; une tension constante où l'on se demande, presque avec angoisse, si nous sommes face à une photographie ou à une peinture.

Dans ce « jeu infernal », l'auteur utilise le flou et une saturation vibrante pour manipuler notre subjectivité. Sommes-nous devant un trompe-l'œil contemporain ? Sans aucun doute. Ce n'est pas le photogramme d'un film, mais il possède cette même charge narrative : il saisit un fragment de normalité pour l'élever au rang d'art pur, nous laissant la sensation d'un photogramme inachevé, d'un souvenir en pause.

En poussant mes réflexions sur un terrain plus audacieux, je perçois dans son œuvre un hommage voilé à Velázquez. Avec une bravoure presque malveillante, Vallejo transpose l'essence du maître sévillan au XXIe siècle. Tout comme dans La Reddition de Breda, l'auteur s'attaque au plus difficile : peindre l'atmosphère. Il désacralise le canon classique pour nous rappeler que l'air et la lumière demeurent les véritables protagonistes de notre regard.

这部作品被归类为现实主义，但它不仅仅是简单的“摹仿”（mimesis）——即对自然或人类活动的再现——而是一幅世代的肖像。虽然我不属于它所描绘的那个时代，但不可否认，我们每个人在某个时刻最终都会承担起那种社会功能。

就个人而言，我大胆地将其称之为**“幻影现实主义”**（realismo fantasmagórico）。画面中那种模糊的清晰感令人着迷：一种青春的日常性以不同寻常的力量闯入当下的艺术织理。迭戈·巴列霍（Diego Vallejo）将我们置于现实与虚构不再互斥的渗透边界。这是一场与我们感知的捉迷藏；一种持续的脉动，让我们几乎带着焦虑自问：这究竟是摄影还是绘画？

在这场“地狱般的游戏”中，作者利用模糊感和充满活力的饱和度来操纵我们的主观性。我们面对的是当代的“错视画”（trampantojo）吗？毫无疑问。它虽不是电影胶片的剪影，却拥有同样的叙事张力：它捕捉平凡生活的碎片并将其升华为纯粹的艺术，给我们留下一种未完成的定格画面、一段暂停的记忆之感。

若将我的反思引向更深处，我在他的作品中察觉到对委拉斯开兹（Velázquez）隐晦的致敬。巴列霍以一种近乎“邪恶”的勇敢，将这位塞维利亚大师的精髓带入21世纪。正如同在《布列达的投降》中那样，作者挑战了最难的部分：描绘大气感。他将古典准则“去神圣化”，以此提醒我们：空气与光影始终是我们目光中真正的主角。

Texto de Dosmilcien "!==  2100 @dosmilcien.bsky.social

#PINTURA - La cultura de occidente del Equipo Crónica + #PAINTING - Western Culture by Equipo Crónica + #PEINTURE - La culture de l'Occident par l'Equipo Crónica + #绘画 - 纪事小组：西方文化

Sopa explosiva, collage de realidades, reportaje visual y estética de cómic. Resulta un desafío encuadrar la producción del Equipo Crónica en una sola etiqueta; su práctica artística se basa en el solapamiento, en la acción de "pisar" imágenes y en esa esquizofrenia creativa que nos sacude con una violencia visual necesaria. Al observar sus lienzos, uno tiene la sensación de asistir a un proceso revolucionario latente, el embrión de la misma lucha de clases diseñada para enterrar ese occidentalismo hegemónico que ha definido nuestra perdición como sociedad.

En el universo del Equipo Crónica casi todo es lícito. Incluso la falta de nitidez se convierte en una herramienta narrativa, presentándonos un mercadillo de iconos históricos descontextualizados pero unidos por una voluntad férrea. La composición es un ejercicio de anacronismo crítico: bajo la arquitectura de un arco del triunfo romano, símbolo del poder imperial clásico, irrumpe un helicóptero Chinook norteamericano en plena acción bélica, recordándonos que el imperialismo solo cambia de uniforme, pero no de métodos.

En este relato condensado en una sola viñeta, conviven un antiaéreo moderno con los fantasmas de La rendición de Breda de Velazquez, eco de un imperio español desaparecido que hoy habita en los museos. Como eje central, la Nike de Samotracia —la victoria alada griega— parece observar el caos, flanqueada por figuras como el monarca a caballo o El caballero de la mano en el pecho de El Greco, quienes actúan como un contrapunto sosegado, un breve respiro melancólico frente a la brutalidad de las hazañas bélicas que nos obliga a pausar. Estamos ante una crítica feroz, un artefacto cultural que disecciona la sociedad de su tiempo a través del reciclaje de imágenes.

Ante esta lucidez pictórica, mi admiración es absoluta.

Explosive soup, a collage of realities, visual reportage, and comic-strip aesthetics. It is a challenge to pin the production of Equipo Crónica under a single label; their artistic practice is rooted in overlapping, in the act of "stepping on" images, and in that creative schizophrenia that shakes us with a necessary visual violence. Observing their canvases, one feels as if attending a latent revolutionary process—the embryo of the very class struggle designed to bury the hegemonic Westernism that has defined our downfall as a society.

In the universe of Equipo Crónica, almost everything is licit. Even a lack of sharpness becomes a narrative tool, presenting us with a flea market of decontextualized historical icons, yet bound together by an iron will. The composition is an exercise in critical anachronism: beneath the architecture of a Roman triumphal arch—the symbol of classical imperial power—an American Chinook helicopter bursts in mid-combat, reminding us that imperialism only changes its uniform, but never its methods.

In this narrative condensed into a single panel, a modern anti-aircraft gun coexists with the ghosts of The Surrender of Breda, an echo of a vanished Spanish Empire that now dwells in museums. At the center, the Winged Victory of Samothrace appears to observe the chaos, flanked by figures such as the monarch on horseback or El Greco’s The Nobleman with his Hand on his Chest. These figures act as a quiet counterpoint, a brief melancholic respite from the brutality of war that forces us to pause. We are witnessing a fierce critique, a cultural artifact that dissects the society of its time through the recycling of images. Faced with such pictorial lucidity, my admiration is absolute.

Soupe explosive, collage de réalités, reportage visuel et esthétique de bande dessinée. Il est difficile de ranger la production d'Equipo Crónica sous une seule étiquette ; leur pratique artistique repose sur le chevauchement, sur l'action de « piétiner » les images et sur cette schizophrénie créative qui nous bouscule avec une violence visuelle nécessaire. En observant leurs toiles, on a la sensation d'assister à un processus révolutionnaire latent, l'embryon d'une lutte des classes conçue pour enterrer cet occidentalisme hégémonique qui a défini notre perte en tant que société.

Dans l'univers d'Equipo Crónica, presque tout est licite. Même le manque de netteté devient un outil narratif, nous présentant un marché aux puces d'icônes historiques décontextualisées, mais unies par une volonté de fer. La composition est un exercice d'anachronisme critique : sous l'architecture d'un arc de triomphe romain, symbole du pouvoir impérial classique, surgit un hélicoptère Chinook américain en pleine action de combat, nous rappelant que l'impérialisme ne change que d'uniforme, mais pas de méthodes.

Dans ce récit condensé en une seule vignette, une batterie antiaérienne moderne coexiste avec les fantômes de La Reddition de Bréda, écho d'un empire espagnol disparu qui habite aujourd'hui les musées. Au centre, la Victoire de Samothrace semble observer le chaos, flanquée de figures telles que le monarque à cheval ou Le Chevalier à la main sur la poitrine d'El Greco, qui agissent comme un contrepoint apaisé, un bref répit mélancolique face à la brutalité des exploits guerriers qui nous oblige à marquer une pause. Nous sommes devant une critique féroce, un artefact culturel qui dissèque la société de son temps à travers le recyclage d'images. Face à cette lucidité picturale, mon admiration est absolue.

爆炸性的浓汤、现实的拼贴、视觉新闻纪实与漫画美学。要将 “纪事小组” (Equipo Crónica) 的创作归入单一标签实属挑战；其艺术实践基于意象的重叠、对图像的“践踏”，以及那以必要的视觉暴力震撼我们的创造性分裂。凝视其画布，人们会感到仿佛正参与一场潜在的革命进程——那是旨在埋葬定义了我们社会堕落的“霸权西方主义”的阶级斗争萌芽。

在“纪事小组”的宇宙中，几乎一切都是被允许的。甚至画面的模糊也演变成一种叙事工具，为我们呈现出一个去语境化的历史符号集市，却又被钢铁般的意志凝聚在一起。这种构图是一种批判性时代错乱的练习：在古典帝国权力的象征——罗马凯旋门之下，一架正在战斗中的美国契努克 (Chinook) 直升机赫然闯入，提醒着我们帝国主义只是更换了制服，而手段从未改变。

在这段浓缩于单一画格的叙事中，现代高射炮与《布列达的投降》的幽灵共存，那是如今深居博物馆的已逝西班牙帝国的回响。作为核心，希腊的萨莫色雷斯的胜利女神仿佛在审视这场混乱，身侧簇拥着骑马的君主或格列柯的《手抚胸膛的贵族》，这些人物构成了宁静的对比，在迫使我们停下脚步的残酷战争功绩面前，提供了一抹转瞬即逝的忧郁喘息。我们面对的是一场激烈的批判，一件通过图像回收来解剖其时代社会的文化器物。面对这种绘画上的洞察力，我的景仰无以复加。

Texto de Dosmilcien

@dosmilcien.bsky.social

200 - #ARQUITECTURA - Iglesia de Santa Genoveva en Majadahonda: Donde la arquitectura se hace oración por Dosmilcien + #ARCHITECTURE - Santa Genoveva Church in Majadahonda: Where architecture becomes prayer, by Dosmilcien +#ARCHITECTURE - Église de Santa Genoveva à Majadahonda : Là où l’architecture se fait prière, par Dosmilcien + #建筑 - 马哈达翁达圣赫诺韦娃教堂：建筑化为祷告之地，作者：Dosmilcien

+

Hablar de la trascendencia —si es que la hay— después de la muerte es adentrarse en un terreno pantanoso. Sin embargo, frente a la finitud, el arte y la arquitectura tienen la capacidad mística de recordarnos que la esperanza siempre encuentra un lugar donde anclar. Hoy os traigo un espacio que visito con frecuencia, como un necesario "reseteo" del alma: la Parroquia de Santa Genoveva, en Majadahonda (Madrid). Si este templo me cautiva es, precisamente, por su audaz lenguaje contemporáneo y su honestidad constructiva.

Diseñada por los arquitectos Ignacio Capapé y Justo Orgaz, del estudio Trasbordo Arquitectura, la iglesia logra una síntesis magistral de materiales nobles donde la madera, el vidrio, la piedra, el acero y la cerámica conviven en una armonía casi tectónica. Desde el exterior, el edificio se presenta con una volumetría rotunda, casi como un sarcófago pétreo, escoltado por un campanile independiente del edifico principal que evoca la tradición italiana desde una limpieza formal puramente moderna.

Pero el verdadero viaje comienza al cruzar el umbral, donde lo interesante se despliega ante los sentidos. Es inevitable no recogerse al percibir el intenso aroma dulzón a madera que lo inunda todo; una invitación olfativa directa a la introspección y la oración. Desde mi perspectiva, la propuesta es deliciosamente ortodoxa: aquí el "retablo" renuncia al relieve tradicional para integrarse en la arquitectura, cediendo el protagonismo a una Virgen, en su lateral izquierdo y a un Cristo de estética orientalizante que parece levitar, suspendido por sutiles cables detrás del  altar, presidiendo el templo a modo de rey de reyes.

Pese a su vanguardia, el templo no olvida su raíz y se inspira en la tipología basilical, organizándose en tres naves con su correspondiente ábside. El broche de oro lo ponen sus vidrieras geométricas, que circundan los laterales a modo de abrazo fraternal, bañando el espacio de colores vibrantes durante los días soleados. En definitiva, una maravilla de la arquitectura actual que no os podéis perder si buscáis un refugio de belleza y silencio.

To speak of transcendence—if such a thing exists—after death is to enter murky waters. However, in the face of finitude, art and architecture possess the mystical capacity to remind us that hope always finds a place to anchor. Today, I bring you a space I visit frequently as a necessary "reset" for the soul: the Parish of Santa Genoveva, in Majadahonda (Madrid). If this temple captivates me, it is precisely because of its bold contemporary language and its constructive honesty.

Designed by architects Ignacio Capapé and Justo Orgaz (Trasbordo Arquitectura), the church achieves a masterful synthesis of noble materials where wood, glass, stone, steel, and ceramics coexist in an almost tectonic harmony. From the outside, the building presents a robust volumetry, resembling a stone sarcophagus, escorted by a campanile independent of the main structure that evokes Italian tradition through purely modern formal clarity.

But the true journey begins upon crossing the threshold, where the most compelling elements unfold before the senses. It is impossible not to feel a sense of withdrawal when perceiving the intense, sweet aroma of wood that fills the space—a direct olfactory invitation to introspection and prayer. From my perspective, the proposal is delightfully orthodox: here, the "altarpiece" renounces traditional relief to integrate into the architecture, ceding the spotlight to a Virgin on the left and an orientalizing Christ that seems to levitate, suspended by subtle cables over the altar, presiding over the temple as King of Kings.

Despite its avant-garde nature, the temple does not forget its roots and is inspired by the basilical typology, organized into three naves and its corresponding apse. The finishing touch is provided by the geometric stained-glass windows that encircle the sides like a fraternal embrace, bathing the space in vibrant colors on sunny days. Ultimately, it is a marvel of contemporary architecture that you cannot miss if you seek a refuge of beauty and silence.

Parler de transcendance — si tant est qu'elle existe — après la mort, c'est s'aventurer sur un terrain glissant. Pourtant, face à la finitude, l'art et l'architecture ont cette capacité mystique de nous rappeler que l'espoir trouve toujours un point d'ancrage. Aujourd'hui, je vous présente un lieu que je visite fréquemment, comme une nécessaire "réinitialisation" de l'âme : la Paroisse de Santa Genoveva, à Majadahonda (Madrid). Si ce temple me captive, c'est précisément pour son langage contemporain audacieux et son honnêteté constructive.

Conçue par les architectes Ignacio Capapé et Justo Orgaz (Trasbordo Arquitectura), l'église réalise une synthèse magistrale de matériaux nobles où le bois, le verre, la pierre, l'acier et la céramique cohabitent dans une harmonie presque tectonique. De l'extérieur, l'édifice présente une volumétrie robuste, évoquant un sarcophage de pierre, escorté par un campanile indépendant du bâtiment principal qui rappelle la tradition italienne avec une pureté formelle moderne.

Mais le véritable voyage commence en franchissant le seuil, là où l'essentiel se déploie devant les sens. Il est inévitable de se recueillir en percevant l'intense parfum boisé qui envahit tout ; une invitation olfactive directe à l'introspection et à la prière. De mon point de vue, la proposition est délicieusement orthodoxe : ici, le "retable" renonce au relief traditionnel pour s'intégrer à l'architecture, laissant la place à une Vierge sur le côté gauche et à un Christ à l'esthétique orientalisante qui semble léviter, suspendu par de subtils câbles au-dessus de l'autel, présidant le temple tel un Roi des Rois.

Malgré son avant-garde, le temple n'oublie pas ses racines et s'inspire de la typologie basilicale, s'organisant en trois nefs avec son abside correspondante. La touche finale est apportée par les vitraux géométriques qui entourent les côtés comme une étreinte fraternelle, baignant l'espace de couleurs vibrantes les jours de soleil. En somme, une merveille de l'architecture actuelle à ne pas manquer si vous cherchez un refuge de beauté et de silence.

谈论死后的超越——如果真的存在的话——无异于踏入一片泥泞之地。然而，面对生命的有限，艺术和建筑拥有一种神秘的力量，提醒我们希望总能找到栖息之所。今天，我要向大家介绍一个我经常造访的空间，作为灵魂必要的“重启”：位于马德里马哈达翁达（Majadahonda）的圣赫诺韦娃教区教堂（Santa Genoveva）。这座圣殿之所以吸引我，正是因为它大胆的现代语言和建筑设计的诚实性。

由 Ignacio Capapé 和 Justo Orgaz（Trasbordo Arquitectura 工作室）设计的这座教堂，实现了高贵材料的杰出融合：木材、玻璃、石材、钢铁和陶瓷在近乎地质构造般的和谐中共存。从外部看，建筑呈现出浑厚的体量感，宛如一座石棺，旁边矗立着一座独立于主建筑的钟楼（campanile），以纯粹的现代形式向意大利传统致敬。

但真正的旅程始于跨入门槛的那一刻，感官在此全方位开启。当木头那浓郁甜美的香气弥漫开来，人们不禁肃然起敬；这是一种直接的嗅觉邀请，引导人进入反思与祈祷。在我看来，这一方案极具正统美感：这里的“祭坛画”放弃了传统的浮雕，转而融入建筑本身，将主角地位让给了左侧的圣母像和一座具有**东方风格（orientalizante）**的基督像。基督像仿佛漂浮在空中，由细电缆悬挂在祭坛上方，以“万王之王”的姿态主宰着圣殿。

尽管风格前卫，这座教堂并未忘记其根源，它从巴西利卡式建筑中汲取灵感，设有三层中殿及相应的后殿。点睛之笔在于其几何形状的花窗玻璃，它们像兄弟般的拥抱一样环绕两侧，在晴朗的日子里让空间沐浴在绚丽的色彩中。总之，如果你在寻找一个美丽与宁静的避难所，这座当代建筑瑰宝绝对不容错过。

Dosmilcien

@dosmilcien.bsky.social

@iarte.bsky.social

 

ARTE CONTEMPORÁNEO - Puerta metálica y violín por Antonio Tapies + CONTEMPORARY ART – Metal Door and Violin by Antoni Tàpies + ART CONTEMPORAIN – Porte métallique et violon par Antoni Tàpies + 当代艺术 – 安东尼·塔皮埃斯：金属门与小提琴

 

Que no me cuenten historias: el arte contemporáneo es una fuerza explosiva, única y, por encima de todo, universal. A menudo, quienes se limitan a una mirada superficial —aquellos incapaces de ver más allá de sus propias narices— no logran conectar con la verdadera magnitud de la obra de Antoni Tàpies. Para la mayoría, lo que tienen delante es simplemente una puerta vieja con un grafiti en forma de "X", un objeto mudo y desgastado; pero para quienes saben mirar, es un umbral que nos conecta directamente con otro universo.

Es cierto que junto a la puerta reposa un violín, y alguien podría decir que el artista bien podría haber colocado una lechuga en su lugar, pero en el arte de Tàpies nada es azar. Estamos ante una pieza magistral, y no lo digo por el prestigio de su firma, sino por la comunicación visceral que se establece entre la materia y el espectador. Esta obra funciona como un espejo del ser humano, un mapa de nuestras luces y sombras, de nuestras fortalezas y nuestras debilidades. La puerta simboliza nuestra capacidad de resistencia, el muro que erigimos y nuestro posicionamiento firme ante la sociedad; mientras tanto, un viejo violín representa la belleza, la matemática y la armonía que nos acompañan desde el nacimiento, esa pureza original que, con el tiempo, acaba moldeada por nuestros miedos y las influencias del exterior.

Recordando aquella mítica frase de una de las películas de Indiana Jones, "la X  marca el lugar", aquí sucede todo lo mismo. En esta obra, la X señala el énfasis y nos indica dónde reside lo realmente importante. Nos sitúa a nosotros mismos como protagonistas de una cinta cinematográfica que no necesita proyectarse en una pantalla; es una película estática y latente que espera a que cada cual interprete lo que su sensibilidad le permita sentir. 

Si tuviera que catalogar esta pieza en una vanguardia específica, me inclinaría sin duda por el Arte Povera. Tàpies posee la capacidad de elevar materiales humildes —objetos que cualquiera encontraría tirados en un contenedor de trastos viejos— para otorgarles una dignidad metafísica. Al final, su mensaje es una bofetada de realidad: el arte no necesita de materiales preciosos para hablar de lo más profundo y sagrado del alma humana.

Don’t tell me stories: contemporary art is an explosive force, unique and, above all, universal. Often, those who limit themselves to a superficial gaze—those incapable of seeing past the end of their noses—fail to connect with the true magnitude of Antoni Tàpies' work. For most, what stands before them is simply an old door with "X" shaped graffiti, a mute and worn-out object; but for those who know how to look, it is a threshold that connects us directly with another universe.

It is true that a violin rests next to the door, and one could say the artist might as well have placed a lettuce there instead, but in Tàpies' art, nothing is left to chance. We are facing a masterful piece, and I don't say this because of the prestige of his signature, but because of the visceral communication established between the material and the viewer. This work functions as a mirror of the human being, a map of our lights and shadows, our strengths and our weaknesses. The door symbolizes our capacity for resistance, the wall we build, and our firm positioning before society; meanwhile, an old violin represents the beauty, mathematics, and harmony that accompany us from birth—that original purity which, over time, ends up molded by our fears and external influences.

Recalling that mythical phrase from one of the Indiana Jones movies, "X marks the spot," the same happens here. In this work, the X marks the emphasis and indicates where the truly important lies. It places us as protagonists of a cinematographic film that doesn’t need to be projected on a screen; it is a static and latent movie waiting for each person to interpret what their sensitivity allows them to feel. If I had to categorize this piece within a specific avant-garde, I would undoubtedly lean towards Arte Povera. Tàpies possesses the ability to elevate humble materials—objects anyone would find thrown in a bin of old junk—to grant them a metaphysical dignity. In the end, his message is a slap of reality: art does not need precious materials to speak of the deepest and most sacred parts of the human soul.

Qu'on ne me raconte pas d'histoires : l'art contemporain est une force explosive, unique et, par-dessus tout, universelle. Souvent, ceux qui se limitent à un regard superficiel — ceux qui sont incapables de voir plus loin que le bout de leur nez — ne parviennent pas à saisir la véritable ampleur de l'œuvre d'Antoni Tàpies. Pour la majorité, ce qu'ils ont devant eux n'est qu'une vieille porte avec un graffiti en forme de « X », un objet muet et usé ; mais pour ceux qui savent regarder, c'est un seuil qui nous connecte directement à un autre univers.

Il est vrai qu'un violon repose à côté de la porte, et l'on pourrait dire que l'artiste aurait tout aussi bien pu y placer une laitue, mais dans l'art de Tàpies, rien n'est le fruit du hasard. Nous sommes devant une pièce magistrale, et je ne dis pas cela pour le prestige de sa signature, mais pour la communication viscérale qui s'établit entre la matière et le spectateur. Cette œuvre fonctionne comme un miroir de l'être humain, une carte de nos lumières et de nos ombres, de nos forces et de nos faiblesses. La porte symbolise notre capacité de résistance, le mur que nous érigeons et notre position ferme face à la société ; tandis qu'un vieux violon représente la beauté, la mathématique et l'harmonie qui nous accompagnent depuis la naissance, cette pureté originelle qui, avec le temps, finit par être modelée par nos peurs et les influences extérieures.

En rappelant cette phrase mythique de l'un des films d'Indiana Jones, « la croix marque l'emplacement », il en va de même ici. Dans cette œuvre, le X marque l'accent et nous indique où réside ce qui est vraiment important. Il nous place en tant que protagonistes d'une pellicule cinématographique qui n'a pas besoin d'être projetée sur un écran ; c'est un film statique et latent qui attend que chacun interprète ce que sa sensibilité lui permet de ressentir. Si je devais classer cette pièce dans une avant-garde spécifique, je pencherais sans aucun doute pour l'Arte Povera. Tàpies possède la capacité d'élever des matériaux humbles — des objets que n'importe qui trouverait dans une benne de vieux débris — pour leur conférer une dignité métaphysique. Au final, son message est une gifle de réalité : l'art n'a pas besoin de matériaux précieux pour parler de ce qu'il y a de plus profond et de plus sacré dans l'âme humaine.

别跟我编故事了：当代艺术是一种爆炸性的力量，独特且凌驾于一切之上，具有普世性。通常，那些仅限于表面观察的人——那些目光短浅的人——无法感受到安东尼·塔皮埃斯（Antoni Tàpies）作品的真正伟大之处。对于大多数人来说，眼前的不过是一扇带有“X”形涂鸦的旧门，一个沉默而破旧的物体；但对于懂得观察的人来说，它是一个直接通往另一个宇宙的门槛。

的确，门边放着一把小提琴，有人可能会说艺术家也可以放一颗生菜，但在塔皮埃斯的艺术中，没有什么是偶然的。我们面对的是一件杰作，我这么说并非因为他名字的名气，而是因为材料与观众之间建立的那种发自肺腑的交流。这件作品就像人类的一面镜子，一幅关于我们光影、强项与弱点的地图。门象征着我们的抵抗能力、我们筑起的围墙以及我们在社会面前的坚定立场；与此同时，一把旧小提琴代表了自出生起就伴随我们的美感、数学和和谐，那种原始的纯洁随着时间的流逝，最终被我们的恐惧和外界的影响所塑造。

回想起印第安纳·琼斯系列电影中那句经典台词，“X 标记了位置”，这里的情况亦是如此。在这件作品中，X 起到了强调的作用，并向我们指明了真正重要之所在。它将我们置于一部不需要投射在银幕上的电影主角地位；这是一部静止且潜伏的电影，等待着每个人根据自己的感悟去解读。如果必须将这件作品归类于某种特定的先锋艺术，我无疑会倾向于贫穷艺术（Arte Povera）。塔皮埃斯拥有升华卑微材料的能力——那些任何人都可能在旧杂物箱里发现的物品——并赋予它们形而上学的尊严。最终，他的信息是对现实的一记耳光：艺术不需要珍贵的材料，就能诉说人类灵魂最深处、最神圣的部分。

Texto de Dosmicien, @dosmilcien.bsky.social

@iarte.bsky.social

#PINTURA - Camino por Jordi Díaz Almà + #PAINTING - Path by Jordi Díaz Alamà + #PEINTURE - Chemin par Jordi Díaz Alamà + #绘画 - 路径 | Jordi Díaz Alamà 作品

 

Al contemplar esta obra de Jordi Díaz Alamà, resulta evidente la vigencia del antropocentrismo: el ser humano como eje de un universo definido por sus virtudes y sus sombras. En su lienzo se materializa una idea que ha perseguido a la humanidad desde el origen de la conciencia: la imposibilidad de disociarnos de nuestra propia psique. Somos, inevitablemente, la suma de nuestros pensamientos, ya sean estos luminosos o desgarradores.

Alamà nos traslada esta premisa a través de un realismo contemporáneo crudo y vibrante, donde la narrativa se apoya magistralmente en la cromática. La paleta de colores actúa como un espejo de la psique humana:

• Las sombras y los marrones: Representan esos oscuros presagios y pensamientos negativos que nos acechan en nuestro tránsito por el mundo terrenal.

• Los tonos pastel y los ocres: Entre el efluvio de las sombras, emergen estos matices donde, quizás, residen la esperanza y el pensamiento positivo.

Esta composición nos recuerda una verdad universal: la coexistencia de opuestos. No existe la luz sin la sombra, ni la bondad sin el atisbo de la maldad.

En definitiva, la obra es una alegoría de la existencia. Es el relato visual de nuestro propio "génesis" —entendido como ese impulso creador, ya sea místico o puramente personal— y de ese camino, a veces tortuoso y otras fluido, que recorremos siempre en la inseparable compañía de nuestros pensamientos.

When contemplating this work by Jordi Díaz Alamà, the enduring relevance of anthropocentrism becomes evident: the human being as the axis of a universe defined by its virtues and its shadows. On his canvas, an idea that has haunted humanity since the dawn of consciousness is materialized: the impossibility of dissociating ourselves from our own psyche. We are, inevitably, the sum of our thoughts, whether they are luminous or harrowing.

Alamà conveys this premise through a raw and vibrant contemporary realism, where the narrative is masterfully supported by color theory. The palette acts as a mirror of the human psyche:

• Shadows and browns: They represent those dark omens and negative thoughts that haunt us in our passage through the earthly world.

• Pastel tones and ochres: Amidst the flux of shadows, these nuances emerge where, perhaps, hope and positive thought reside.

This composition reminds us of a universal truth: the coexistence of opposites. Light cannot exist without shadow, nor goodness without a hint of evil. Ultimately, the work is an allegory of existence. It is the visual story of our own "genesis"—understood as that creative impulse, whether mystical or purely personal—and of that path, sometimes tortuous and at other times fluid, that we always travel in the inseparable company of our thoughts.

En contemplant cette œuvre de Jordi Díaz Alamà, la pertinence de l'anthropocentrisme devient évidente : l'être humain comme axe d'un univers défini par ses vertus et ses ombres. Sur sa toile se matérialise une idée qui poursuit l'humanité depuis l'origine de la conscience : l'impossibilité de nous dissocier de notre propre psyché. Nous sommes, inévitablement, la somme de nos pensées, qu'elles soient lumineuses ou déchirantes.

Alamà nous transmet ce postulat à travers un réalisme contemporain brut et vibrant, où le récit s'appuie magistralement sur la chromatique. La palette de couleurs agit comme un miroir de la psyché humaine :

• Les ombres et les marrons : Ils représentent ces sombres présages et ces pensées négatives qui nous guettent lors de notre passage dans le monde terrestre.

• Les tons pastel et les ocres : Au milieu de l'effluve des ombres, émergent ces nuances où, peut-être, résident l'espoir et la pensée positive.

Cette composition nous rappelle une vérité universelle : la coexistence des opposés. La lumière n'existe pas sans l'ombre, ni la bonté sans un soupçon de méchanceté. En définitive, l'œuvre est une allégorie de l'existence. C'est le récit visuel de notre propre « genèse » — comprise comme cette impulsion créatrice, qu'elle soit mystique ou purement personnelle — et de ce chemin, tantôt tortueux, tantôt fluide, que nous parcourons toujours dans l'inséparable compagnie de nos pensées.

凝视 Jordi Díaz Alamà 的这幅作品，人类中心主义的现实意义显而易见：人类是这个由美德与阴影定义的宇宙之轴心。他的画布具象化了一个自意识诞生以来便一直困扰着人类的理念：我们无法与自己的内心世界分离。不可避免地，我们是自身思想的总和，无论这些思想是明亮的还是令人心碎的。

Alamà 通过一种粗犷而充满活力的现代现实主义传达了这一前提，其叙事巧妙地依托于色彩运用。调色板仿佛是人类心灵的镜子：

• 阴影与棕色调： 代表了我们在尘世旅途中潜伏着的那些阴郁预兆和负面想法。

• 柔和色调与赭石色： 在阴影的弥漫中，这些色调脱颖而出，也许那里便寓居着希望与积极的思想。

这幅构图提醒我们一个普世的真理：对立面的共存。没有阴影就没有光亮，没有一丝邪恶也就没有善良。总之，这件作品是生命的寓言。它是关于我们自身“创世纪”的视觉叙事——这里的“创世纪”被理解为一种创造冲动，无论是神圣的还是个人的——以及那条有时坎坷、有时顺遂的道路，而我们在这一旅程中，始终与自己的思想形影不离。

Texto de Dosmilcien 

@dosmilcien.bsky.social

@iarte.bsky.social

192 - #FOTOGRAFÍA - Abstracción lumínica número 1 por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Luminous Abstraction No. 1 by Dosmilcien

 

  

 No hay nada como el bokeh —ese desenfoque artístico de la luz— para sumergirnos en interpretaciones abstractas y emocionales. Aquí lo encontramos en su estado más puro.

Habrá quien se pregunte: «¿Qué necesidad tengo de reflexionar ante una obra así?». Muchos dirían que ninguna. Sin embargo, al detener la mirada, resulta imposible que esta fotografía no nos interpele, forzándonos a descifrar un significado o por lo menos a intuir que intenciones tiene  su autor.

Bien podría representar la visión de la luz que filtran sus hojas mientras descanso a la sombra de un árbol, absorto en mis pensamientos o intentando, por qué no, dar forma a cualquier poesía. Es un instante preciso de mi propia historia, moldeado por el influjo de mi estado de ánimo. Es la misma pulsión que debió sentir Franco Battiato en uno de sus versos más luminosos: «Los eucaliptos crecen muy bien este año. Frutos y tamarindos dan luz a mis ávidas pupilas. Me preparan un lecho de hierbas para nuevos sueños» (vuelvo a utilizar este recurso otra vez). Sus palabras capturan a la perfección esas epifanías que, de vez en cuando, nos asaltan a los seres humanos.

Ese lecho de hierbas y esa estampa que se despliega sobre mí en una calurosa tarde de verano son, al igual que para el maestro italiano, un momento de éxtasis creativo. Una experiencia nacida de mi forma de estar en el mundo y de ese estado de ánimo concreto que hoy me conmueve. 

There is nothing quite like bokeh—that artistic blurring of light—to immerse us in abstract and emotional interpretations. Here, we find it in its purest form.

Some might ask: "What need is there to reflect upon a work like this?" Many would say none at all. However, as we pause to look, it becomes impossible for this photograph not to challenge us, forcing us to decipher a meaning or, at the very least, to sense the author’s intentions.

It could well represent the vision of light filtering through leaves while I rest in the shade of a tree, lost in thought or attempting, why not, to give shape to a poem. It is a precise moment in my own history, molded by the influence of my state of mind. It is the same impulse that Franco Battiato must have felt in one of his most luminous verses: "The eucalyptus trees are growing well this year. Fruits and tamarinds bring light to my eager pupils. They prepare a bed of grass for me for new dreams." His words perfectly capture those epiphanies that, from time to time, overtake us as human beings.

That bed of grass and the scene unfolding above me on a warm summer afternoon are, just as they were for the Italian maestro, a moment of unprecedented creative ecstasy. It is an experience born of my way of being in the world and of that specific state of mind that dwells within me today.

Dosmilcien

@dosmilcien.bsky.social

@iarte.bsky.social