161 - #FOTOGRAFIA - PLAZA DE TOROS + #PHOTOGRAPHY - BULLRING

 

La Puerta,  y el Circo de la Vida y la Muerte

Triste y solitaria se alza esta puerta, un umbral apenas transitado o, quizás, reservado exclusivamente para el propósito de estos recintos: ser el acceso del aficionado a la plaza de toros, a ese campo de juego donde se libra una batalla a muerte.

En su interior, dos sensaciones abismalmente opuestas convergen. Por un lado, la desesperación cruda de un toro que se aferra a la vida con cada embestida; por otro, la algarabía desenfrenada del ser humano en la que eufemísticamente llamamos fiesta de la lidia. Son dos mundos, dos sentimientos encontrados, confluyendo en un único espacio circular. Aquí, el deseo voluntario de presenciar el sufrimiento animal se entrelaza con la imperativa lucha por la subsistencia.

Es una dualidad sobrecogedora, casi una confrontación entre el bien y el mal. Abajo, en el coso, la sangre mancha el albero: el riesgo consciente del torero se funde con la inocente lucha del animal, mezclando sangre humana y animal en un único reguero. Mientras tanto, arriba, en el tendido, la fiesta estalla en un torbellino de colores, y el único líquido que fluye libremente es el vino, fiel confidente de nuestros secretos más íntimos.

¿Acaso este escenario podría, de alguna manera, evocar una versión terrenal del infierno de Dante?

The Gate, and the Circus of Life and Death

Sad and solitary, this gate stands, a threshold barely crossed or, perhaps, reserved exclusively for the purpose of these venues: to be the aficionado's access to the bullring, to that field of play where a battle to the death is waged.

Inside, two starkly opposing sensations converge. On one side, the raw desperation of a bull clinging to life with every charge; on the other, the unbridled revelry of the human being in what is euphemistically called the bullfighting festival. These are two worlds, two conflicting sentiments, converging in a single circular space. Here, the voluntary desire to witness animal suffering intertwines with the imperative struggle for survival.

It's an overwhelming duality, almost a confrontation between good and evil. Below, in the arena, blood stains the sand: the bullfighter's conscious risk merges with the animal's innocent struggle, mixing human and animal blood in a single trail. Meanwhile, above, in the stands, the fiesta explodes in a whirlwind of colors, and the only liquid flowing freely is wine, the faithful confidant of our most intimate secrets.

Could this scenario, in some way, evoke an earthly version of Dante's Inferno?

Dosmilcien

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#ARQUITECTURA - Ludwig Mies van der Rohe / La hipnótica danza de la modernidad + #ARCHITECTURE - Ludwig Mies van der Rohe / The Hypnotic Dance of Modernity

 

Esta fotografía no solo me cautiva; también me transporta, me envuelve por completo sin necesidad de moverme. Es un impacto visual del progreso, de la modernidad, del implacable avance científico-técnico y de ese vertiginoso salto hacía adelante del capital que, paradójicamente, a veces nos arrastra hacia lo máximo, incluso hacia la destrucción. Y aun así, es sorprendente.

Pero más allá de esa reflexión, contemplo estos edificios imponentes y luminosos en la penumbra de una noche que apenas comienza. Me invita a caminar entre lo que parecen ser los nuevos molinos de viento que modelan el skyline de nuestras ciudades. Son las Torres de Babel del siglo XXI, donde ciudadanos de todo el mundo convergen en el frenético y audaz mundo financiero.

El genio que dio vida a esta arquitectura casi de la nada se llama Ludwig Mies van der Rohe. Un nombre que evoca no solo al arquitecto, sino también al padre del diseño contemporáneo del siglo XX y del interiorismo más vanguardista.

Este "alfarero" de materiales innovadores, como el acero y el cristal, concibe y erige colosos que parecen dominar la tierra. Y yo, absorto ante su magnitud, solo puedo observarlos en silencio, hipnotizado por la perfecta armonía de sus líneas y ángulos rectos. Un orden tan matemático que, paradójicamente, me inunda de una profunda placidez.

This photograph doesn't just captivate me; it transports me, enveloping me completely without needing to move. It's a visual impact of progress, of modernity, of the relentless scientific-technical advancement and that dizzying leap forward of capital that, paradoxically, sometimes pulls us towards the extreme, even towards destruction. And yet, it's astonishing.

But beyond that reflection, I gaze upon these imposing, luminous buildings in the twilight of a night that's just beginning. They invite me to walk among what seem to be the new windmills shaping the skyline of our cities. They are the 21st-century Towers of Babel, where citizens from all over the world converge in the frenetic and audacious financial world.

The genius who brought this architecture to life almost from nothing is named Ludwig Mies van der Rohe. A name that evokes not only the architect but also the father of 20th-century contemporary design and the most cutting-edge interior design.

This "potter" of innovative materials, like steel and glass, conceives and erects colossuses that seem to dominate the earth. And I, absorbed by their magnitude, can only observe them in silence, mesmerized by the perfect harmony of their straight lines and right angles. An order so mathematical that, paradoxically, it fills me with a profound serenity.

dosmilcien

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160 - #FOTOGRAFIA / LA PIEL DEL TIEMPO + #PHOTOGRAPHY / THE SKIN OF TIME

 

Un viaje mental: ¿En el tiempo o por el tiempo?

Hoy te propongo un juego con nuestros pensamientos. Quiero que juntos exploremos una distinción crucial: la diferencia entre viajar en el tiempo y viajar por el tiempo. Intentaremos conectar con lo más profundo de nuestra imaginación, embarcándonos en viajes oníricos que, aunque no nos lleven a un destino físico, sin duda nos invitarán a la reflexión.

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La tentación y el rechazo del "viajar en el tiempo"

Personalmente, el concepto de viajar en el tiempo —ya sea a un pasado distante o a un futuro incierto— no me atrae en absoluto. Volver al pasado podría traer consigo el dolor de los seres queridos que ya no están, o enfrentar un futuro donde su ausencia nos amargaría la existencia. Hay algo en la idea de alterar o revisitar lo ya vivido que no me seduce.

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La fascinación de "viajar por el tiempo"

Sin embargo, la idea de viajar por el tiempo, de adentrarse en sus entrañas, en las profundidades de la física misma, eso sí que me cautiva. Imagina observar su textura, percibir sus movimientos, sentir sus brisas, si es que existen, y dejarse llevar por los intensos remolinos que lo mueven en todas direcciones. Esto debe ser una experiencia comparable a la de surfear una ola gigantesca, quizás la ola definitiva.

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Una analogía visual: el tiempo como paisaje

Este tipo de viaje a través del tiempo bien podría asemejarse a la fotografía que encabeza este texto. Un paisaje quizás dominado por distintas tonalidades de gris, con giros inesperados y zonas oscuras tan enigmáticas que nadie se atrevería a explorarlas. ¿Quién sabe si, visto desde arriba, parecería una única dimensión, para luego, una vez inmersos en su "piel", revelar niveles y capas que cambian incesantemente, moldeados por las caprichosas leyes de la física?

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El poder transformador de soñar

Hoy, simplemente he intentado soñar con esta imagen. Soñar es una necesidad vital; sin sueños, nuestra existencia sería demasiado plana, carente de vida. Es en esos espacios de imaginación donde encontramos la verdadera profundidad.

Y si esta fotografía tuviera una banda sonora, sin duda alguna sería la música que te muestro a continuación.

A Mental Journey: In Time or Through Time?

Today, I propose a game with our thoughts. I want us to jointly explore a crucial distinction: the difference between traveling in time and traveling through time. We'll try to connect with the deepest parts of our imagination, embarking on dreamlike journeys that, while not leading us to a physical destination, will undoubtedly invite us to reflect.

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The Temptation and Rejection of "Traveling In Time"

Personally, the concept of traveling in time—whether to a distant past or an uncertain future—doesn't appeal to me at all. Going back to the past could bring the pain of loved ones who are no longer with us, or facing a future where their absence would embitter our existence. There's something about the idea of altering or revisiting what has already been lived that doesn't entice me.

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The Fascination of "Traveling Through Time"

However, the idea of traveling through time, of delving into its core, into the very depths of physics, that truly captivates me. Imagine observing its texture, perceiving its movements, feeling its breezes, if they exist, and letting yourself be carried by the intense eddies that move it in all directions. This must be an experience comparable to surfing a gigantic wave, perhaps the ultimate wave.

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A Visual Analogy: Time as a Landscape

This kind of journey through time could well resemble the photograph at the top of this text. A landscape perhaps dominated by different shades of gray, with unexpected twists and dark areas so enigmatic that no one would dare explore them. Who knows if, viewed from above, it would appear as a single dimension, only to then, once immersed in its "skin," reveal levels and layers that constantly change, shaped by the whimsical laws of physics?

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The Transformative Power of Dreaming

Today, I've simply tried to dream with this image. Dreaming is a vital necessity; without dreams, our existence would be too flat, devoid of life. It's in these spaces of imagination that we find true depth.

And if this photograph had a soundtrack, it would undoubtedly be the music I'm about to show you.

dosmilcien

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159 - #FOTOGRAFÍA - VAIVÉN + #PHOTOGRAPHY - SWAY

 

La Danza Inquietante del Viento

En esa fotografía, la quietud es una quimera. Lo que realmente se percibe es un vaivén incesante, el resultado del viento furioso que eriza la piel. Es un balanceo solitario que produce escalofríos, como la antesala de un momento cumbre en una película de terror.

Stanley Kubrick, en su magistral "El Resplandor", domina el arte de los silencios, utilizándolos para esculpir el terror y la tensión a su antojo. No es casualidad: la soledad es intrínsecamente angustiosa. En ella anida una tensión, sí, pero una que se prolonga, infinita, con la que se llega a convivir, casi como con una mascota.

Ese telesilla, zarandeado por el viento, es el epicentro de la inquietud. El aire ulula entre sus listones metálicos, creando un sonido que muta: a veces aflautado, otras ronco. El ir y venir de ese vaivén infernal se vuelve hipnótico, capaz de arrancarte los secretos más íntimos e inconfesables. En esa escena, solo existes tú y el vasto vacío montañoso, que parece ofrecerte el último abrazo de tu último aliento, de tu último día.

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La Magia del Vaivén

Curiosamente, la propia definición de la palabra vaivén en la RAE encierra esa hipnótica sensación a la que aludía antes, una que posee una brutal armonía: "Movimiento alternativo de un cuerpo que después de recorrer una línea vuelve a describirla en sentido contrario". ¿Acaso no es eso pura magia?

The Disquieting Dance of the Wind

In that photograph, stillness is a chimera. What's truly perceived is an incessant swaying, the result of furious wind raising goosebumps. It's a solitary sway that sends shivers down your spine, like the prelude to a climactic moment in a horror film.

Stanley Kubrick, in his masterful "The Shining," dominates the art of silence, using it to sculpt terror and tension at will. It's no coincidence: solitude is intrinsically agonizing. Within it nests a tension, yes, but one that prolongs itself, infinitely, almost like a pet you learn to live with.

That chairlift, buffeted by the wind, is the epicenter of unease. The air howls through its metal slats, creating a sound that mutates: sometimes reedy, other times hoarse. The back and forth of that infernal swaying becomes hypnotic, capable of extracting your most intimate, unconfessable secrets. In that scene, only you and the vast mountainous void exist, seeming to offer you the last embrace of your final breath, of your last day.

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The Magic of the Sway

Curiously, the very definition of the word "vaivén" (swaying/oscillation) in the RAE (Royal Spanish Academy) dictionary encapsulates that hypnotic sensation I mentioned earlier, one that possesses a brutal harmony: "Alternative movement of a body that, after traversing a line, describes it again in the opposite direction." Isn't that pure magic?

dosmilcien

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158 - #FOTOGRAFÍA - DICOTOMÍA LUMÍNICA + #PHOTOGRAPHY - LUMINOUS DICHTOMY

 

  

El Baile del Claroscuro: Luz y Sombra en la Existencia

Los claroscuros son una constante en nuestra vida, tanto en lo físico como en lo espiritual. Esta imagen captura la lucha eterna entre la luz y la oscuridad, donde el contraste halla su punto de equilibrio.

Podría haber profundizado en la batalla entre el bien y el mal, una dualidad inherente a la existencia humana desde el amanecer de los tiempos. Sin embargo, no lo haré, a pesar de mi predilección por hablar de Dios. Hoy, mi intención es que percibas esta contienda desde una perspectiva puramente artística.

En este preciso instante, me encuentro inmerso en ese contraste: entre las sombras que danzan en esta fotografía y la luz que, con su optimismo, todo lo inunda. Sé que a muchos os atrae la oscuridad por el misterio que encierra; ella nos oculta, es la antítesis de la luz. Sin embargo, yo prefiero que la luz lo inunde todo, haciendo que las máscaras de cada uno se desvanezcan. Bajo la luz, somos quienes realmente somos; no nos escondemos, o al menos, esconderse resulta mucho más difícil.

En el arte, el enfrentamiento entre luces y sombras es un duelo perpetuo, una lucha interna para cada artista. Y es precisamente esta batalla la que se representa aquí, casi al cincuenta por ciento, dejando en el aire la incógnita de la victoria. Hay incertidumbre, sí, pero también un equilibrio que, quizás, sea el cimiento que sostiene el orden en el cosmos.

The Dance of Chiaroscuro: Light and Shadow in Existence

Chiaroscuro is a constant in our lives, both physically and spiritually. This image captures the eternal struggle between light and darkness, where contrast finds its point of balance.

I could have delved into the battle between good and evil, a duality inherent to human existence since the dawn of time. However, I won't, despite my fondness for discussing God. Today, my intention is for you to perceive this struggle from a purely artistic perspective.

At this very moment, I find myself immersed in that contrast: between the shadows dancing in this photograph and the light that, with its optimism, floods everything. I know many of you are drawn to darkness for the mystery it holds; it conceals us, it's the antithesis of light. Yet, I prefer light to flood everything, causing everyone's masks to vanish. In the light, we are who we truly are; we don't hide, or at least, hiding becomes much harder.

In art, the confrontation between light and shadow is a perpetual duel, an internal struggle for every artist. And it is precisely this battle that is represented here, almost fifty-fifty, leaving the outcome of victory uncertain. There's uncertainty, yes, but also a balance that, perhaps, is the foundation sustaining order in the cosmos.

dosmilcien

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157 - #FOTOGRAFÍA - ECOS DE UN PASADO ,LEJANO, PERO QUE MUY LEJANO + #PHOTOGRAPHY - ECHOES OF A DISTANT, A VERY DISTANT PAST

 

Un Viaje a los Confines del Todo

Nos movemos en la frontera misma de la razón, o de la enajenación mental, buscando comprender qué nos revela esta imagen, o qué interpretamos de ella.

De pronto, la mente se inclina a una idea, si es que hay que pensar algo: me veo viajando a un pasado remoto, un tiempo tan lejano que roza los confines del Big Bang. Allí, las leyes físicas se desvanecen, y la realidad misma se disuelve en una ilusión. En la noche eterna y el frío absoluto, distingo una nebulosa difusa, una luz tenue, vestigio probable de la primera explosión cósmica. Es el eco primigenio, un ruido sutil de fotones, tan difícil de percibir como el primer aliento del universo.

Este eco luminoso, casi imperceptible, contiene las claves de nuestra existencia. Esa luz primordial, la gran arquitecta, construyó todo lo que nos rodea, incluso a nosotros mismos y nuestra inmensa capacidad de crear.

El origen del todo reside en esos antiguos "papeles" que aún no hemos logrado descifrar. Solo en ellos descubriremos si la humanidad logrará la salvación o si sucumbirá ante el implacable impulso de la destrucción.

A Journey to the Edges of Everything

We move on the very border of reason, or of mental alienation, seeking to understand what this image reveals to us, or what we interpret from it.

Suddenly, the mind leans towards an idea, if indeed there's anything to think: I find myself traveling to a remote past, a time so distant it brushes against the confines of the Big Bang. There, physical laws vanish, and reality itself dissolves into an illusion. In the eternal night and absolute cold, I discern a diffuse nebula, a faint light, likely a vestige of the first cosmic explosion. It's the primordial echo, a subtle hum of photons, as difficult to perceive as the universe's first breath.

This luminous, almost imperceptible echo holds the keys to our existence. That primordial light, the great architect, constructed everything around us, including ourselves and our immense capacity for creation.

The origin of everything lies in those ancient "papers" we haven't yet managed to decipher. Only within them will we discover if humanity will achieve salvation or succumb to the unrelenting impulse of destruction.

dosmilcien

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#FOTOGRAFÍA - Guante y zapato de Irving Penn + #PHOTOGRAPHY - Glove and Shoe by Irving Penn

 

 

La Maestría de Irving Penn: Minimalismo, Luz y Seducción Visual

Los grandes fotógrafos, especialmente en el mundo de la moda, poseen una visión única. Captan el mundo desde ángulos novedosos que a menudo escapan a la percepción común, e Irving Penn es un claro ejemplo de esta habilidad excepcional.

Su obra se define por un minimalismo impecable, donde cada elemento es deliberado. No hay espacio para lo superfluo; solo lo esencial permanece. Esta depuración se complementa con un manejo de la luz magistralmente controlado. La luz en sus manos no es un mero haz luminoso, sino un acento que subraya la importancia de los detalles transformando las imágenes ante nuestros ojos. 

La fotografía que hoy os traigo es pura honestidad visual, sin artificios. Un brazo femenino enguantado sostiene con elegancia un zapato de tacón. Esta simple composición tiene el poder de evocar una respuesta visceral en el observador, transformándose en una chispa de excitación o deseo. El efecto se intensifica al ver estos objetos tan cargados de simbolismo en manos de una mujer.

El blanco y negro en esta imagen es una herramienta de seducción formidable. No solo crea una atmósfera hipnótica y nostálgica que nos envuelve, sino que también nos sumerge en una pulsión casi cinematográfica. Nos impulsa a anticipar un fotograma que no existe, pero que nuestra mente crea porque pensamos linealmente. Esa tensión, en este caso de índole sexual, nos cautiva y nos esclaviza casi sin darnos cuenta. 

The Mastery of Irving Penn: Minimalism, Light, and Visual Seduction

Great photographers, especially in the fashion world, possess a unique vision. They capture the world from novel angles that often escape common perception, and Irving Penn is a clear example of this exceptional ability.

His work is defined by impeccable minimalism, where every element is deliberate. There's no room for the superfluous; only the essential remains. This refinement is complemented by a masterfully controlled handling of light. In his hands, light isn't merely a beam, but an accent that underscores the importance of details, transforming the images before our eyes.

The photograph I bring you today is pure visual honesty, devoid of artifice. A gloved female arm elegantly holds a high-heeled shoe. This simple composition has the power to evoke a visceral response in the observer, transforming into a spark of excitement or desire. The effect intensifies when these highly symbolic objects are seen in a woman's hands.

The black and white in this image is a formidable tool of seduction. It not only creates a hypnotic and nostalgic atmosphere that envelops us but also immerses us in an almost cinematic drive. It compels us to anticipate a frame that doesn't exist, but which our minds create because we think linearly. That tension, in this case of a sexual nature, captivates and enslaves us almost without us realizing it.

dosmilcien

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156 - #FOTOGRAFÍA - SATURNO + #PHOTOGRAPHY - SATURN

 

Saturno y su reflejo terrestre: un baile cósmico en metal

Saturno, ese colosal gigante gaseoso, compuesto principalmente por helio e hidrógeno, nos asombra con sus icónicos anillos de hielo y rocas, visibles incluso con un telescopio modesto desde la Tierra. Si bien este planeta se alza majestuoso en el cosmos, hoy os presento un concepto que, aunque mucho más modesto, se sitúa en su antítesis física: una esfera terrestre, formada por metales de nuestro propio planeta. ¿Será esta una proyección diminuta del verdadero Saturno? Es posible, y precisamente por esa curiosidad fue fotografiado.

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La fotografía como espejo de la percepción

En el mundo de la fotografía, a menudo exploramos las proyecciones de elementos físicos tangibles. Esta imagen, si bien no es una proyección en su sentido literal, bien podría serlo en el constante juego del arte y la percepción. Sin buscar el onírico mundo de las sombras, podemos intuir en ella un eco, una reinterpretación de algo grandioso a través de lo simple.

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El centro de la imagen: gravedad, equilibrio y destrucción creadora

Lo verdaderamente impactante de la fotografía reside en su centro nítido, el epicentro de una gravedad que orquesta el equilibrio de todos los círculos que lo rodean. Estos, a su vez, lo oprimen hasta su inevitable destrucción. Es un eco de la ley cósmica: en el universo, como en la vida, todo tiene un principio y un fin. Todo nace y todo muere, en un ciclo de destrucción creadora, tal como Schumpeter describió la economía capitalista, donde lo viejo debe perecer para que lo nuevo emerja.

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Este es el cosmos, esta es la vida: un movimiento perpetuo que, al igual que el arte, nunca se detiene. El día que lo haga, será nuestro propio fin.

Saturn and its Earthly Reflection: A Cosmic Dance in Metal

Saturn, that colossal gas giant primarily composed of helium and hydrogen, astonishes us with its iconic rings of ice and rock, visible even with a modest telescope from Earth. While this planet rises majestically in the cosmos, today I present a concept that, though far more modest, stands as its physical antithesis: an earthly sphere, formed from metals of our own planet. Could this be a miniature projection of the true Saturn? It's possible, and it was precisely this curiosity that led to its being photographed.

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Photography as a Mirror of Perception

In the world of photography, we often explore the projections of tangible physical elements. This image, while not a literal projection, could very well be one in the constant interplay of art and perception. Without seeking the dreamlike world of shadows, we can sense an echo within it, a reinterpretation of something grand through simplicity.

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The Image's Center: Gravity, Balance, and Creative Destruction

The truly striking aspect of the photograph lies in its sharp center, the epicenter of a gravity that orchestrates the balance of all the surrounding circles. These, in turn, press upon it until its inevitable destruction. It's an echo of cosmic law: in the universe, as in life, everything has a beginning and an end. Everything is born and everything dies, in a cycle of creative destruction, just as Schumpeter described the capitalist economy, where the old must perish for the new to emerge.

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This is the cosmos, this is life: a perpetual movement that, like art, never stops. The day it does, will be our own end.

dosmilcien

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155 - #FOTOGRAFÍA - 1000 PUERTAS + #PHOTOGRAPHY - 1000 DOORS

Las Llaves: Un Vínculo entre Percepción e Ilusión

Esta imagen nos invita a una reflexión que trasciende el clásico "vaso medio lleno o medio vacío". Transformamos la pregunta: ¿Para qué sirven estas llaves? ¿Para abrir puertas o para cerrarlas?

Si tu mente se inclina hacia el cierre, tal vez seas una persona introvertida, un guardián de tus propios espacios internos. Pero si tu pensamiento se lanza a la apertura, es probable que tu espíritu sea el de un extrovertido, anhelante de explorar y conectar.

Más allá de este juego de interpretaciones, las llaves, desde mi perspectiva, son catalizadoras. Abren el apetito por la vida, desbloquean pensamientos y nos transportan a ese vasto mundo de la ilusión. Sin ilusión, la existencia se desvanece; sin ella, nada de lo que nos rodea tiene sentido, ni siquiera la promesa de un futuro diferente.

Cada llave en ese manojo encierra la posibilidad de innumerables aperturas. Basta con elegir la correcta para desvelar aquello que, como ser humano, te interpela. ¿Debemos probarlas todas? Absolutamente. No hay otra opción si anhelas que este viaje continúe.

The Keys: A Link Between Perception and Illusion

This image invites us to a reflection that transcends the classic "glass half full or half empty." We transform the question: What are these keys for? To open doors or to close them?

If your mind leans towards closing, perhaps you're an introverted person, a guardian of your own inner spaces. But if your thought launches into opening, it's likely your spirit is that of an extrovert, eager to explore and connect.

Beyond this game of interpretations, keys, from my perspective, are catalysts. They open an appetite for life, unlock thoughts, and transport us to that vast world of illusion I've already alluded to. Without illusion, existence fades; without it, nothing around us makes sense, not even the promise of a different future.

Each key in that bunch holds the possibility of countless openings. You just need to choose the right one to unveil what, as a human being, speaks to you. Should we try them all? Absolutely. There's no other option if you long for this journey to continue.

Dosmilcien

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154 - #FOTOGRAFÍA - EL AUSENTE + #PHOTOGRAPHY - THE ABSENT ONE

 

Alguien, no sé muy bien quién, no llegó a dejar ni la sombra a la hora de ocupar ese trono. Por no quedar, no queda ni su esencia; no ha aportado nada a este mundo, ha pasado por él como alma que lleva el diablo, y lo mismo es eso, un simple y pequeño diablo, los cuales no dejan huellas físicas, pero sí dejan huellas espirituales cuando se dedican a corromper almas. Por eso queda la sombra de algo físico proyectado por nuestra estrella más importante, el Sol, ese Sol que incomoda a los mismísimos diablos por su luz, como también huyen de la luz divina del Creador.

En esa silla tal vez ha estado sentado, esperando su próxima víctima, si es que el diablo existe, aunque dicen las malas lenguas que su mayor obra es hacernos creer que no .

Objeto o persona física y su proyección en el mundo de las sombras; de la primera carece el diablo y de la segunda va sobrado.

Someone, I'm not quite sure who, didn't even leave a shadow when they occupied that throne. There's nothing left, not even their essence; they contributed nothing to this world. They passed through it like a soul possessed by the devil, and perhaps that's what it was: a simple, small devil. These don't leave physical marks, but they do leave spiritual imprints when they set about corrupting souls. That's why only the shadow of something physical remains, projected by our most important star, the Sun. That Sun, whose light bothers even the devils themselves, just as they flee from the divine light of the Creator.

Perhaps he's been sitting in that chair, waiting for his next victim—if the devil truly exists, that is. Though, as the saying goes, his greatest trick is making us believe he doesn't.

The devil lacks a physical presence, but he certainly has an abundance of projection in the world of shadows.

Dosmilcien

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#PINTURA - Las escuelas de Murnau 1908 de Gabriele Münter + #PAINTING - The Schools, Murnau 1908 by Gabriele Münter

 

La inocencia en el arte expresionista: Una reflexión sobre Gabriele Münter

"Esto no es una idea propia, pero lo leí en alguna parte: el arte moderno se nutre de la pureza de las tribus ancestrales, la visión desinhibida de los dementes y la espontaneidad de los niños. Al contemplar esta pintura, no puedo evitar sentir que fue creada por la mano de un infante, una cualidad que lejos de restarle valor, la enaltece.

Gabriele Münter, una figura central del expresionismo alemán y miembro destacado de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), ejemplifica esta conexión. En la obra que nos ocupa, su trazo es grueso y enérgico, confiriéndole una presencia imponente. Los contornos, firmemente marcados, delimitan elementos que coexisten de manera independiente, pero que se unen en una composición coral que evoca una sinfonía, donde cada "instrumento" (cada forma, cada color) tiene su voz propia. La utilización del color, libre y audaz, es un sello distintivo del expresionismo, y aquí, captura la esencia misma de la vida y el puro deseo de vivir.

Esta representación del paisaje urbano no es una mera observación; es una mirada profundamente optimista que atrapa la alegría efímera del momento. Es como una instantánea perfecta, congelada en un tiempo exacto, donde la plenitud del "ahora" cautiva la sensibilidad de Gabriele Münter, quien, a través de su arte, nos invita a compartir esa misma admiración.

The Innocence in Expressionist Art: A Reflection on Gabriele Münter

"This isn't my own idea, but I read it somewhere: modern art draws nourishment from the purity of ancient tribes, the uninhibited vision of the mentally ill, and the spontaneity of children. Upon contemplating this painting, I can't help but feel it was created by the hand of an infant—a quality that, far from diminishing its value, enhances it.

Gabriele Münter, a central figure in German Expressionism and a prominent member of Der Blaue Reiter, exemplifies this connection. In the work at hand, her bold and energetic brushwork lends the painting an imposing presence. The firmly marked contours delineate elements that coexist independently but unite in a choral composition that evokes a symphony, where each 'instrument' (each shape, each color) has its own voice. The free and audacious use of color is a distinctive hallmark of Expressionism, and here, it captures the very essence of life and the pure desire to live.

This representation of the urban landscape isn't mere observation; it's a profoundly optimistic gaze that captures the ephemeral joy of the moment. It's like a perfect snapshot, frozen in an exact time, where the fullness of 'now' captivates Gabriele Münter's sensibility, and through her art, she invites us to share that same admiration.

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#FOTOGRAFÍA - Sign It! por Lidia Vives + #PHOTOGRAPHY - Sign It! by Lidia Vives

  

El Cuerpo como Arte: La Visión de Lídia Vives

¿Son sus autorretratos una crítica a la insatisfacción con nuestro cuerpo, o acaso lo usa como un puro lienzo? Cualquiera de estas lecturas resuena profundamente para definir la obra de Lídia Vives. Es muy probable que su propia intención sea otra, que esta interpretación nazca de mi propia psique, pero lo que es innegable es que Lídia Vives es, sin lugar a dudas, una artistaza mayúscula.

Podemos considerar el cuerpo humano como una creación divina, entregado para nuestro uso con la más absoluta libertad. Nacemos con la autonomía de elegir nuestros caminos, y Lídia explota esa libertad de forma magistral para sus poses artísticas, en el sentido más amplio y poderoso de la palabra.

Me atrevería a decir, sin miedo a cometer una herejía, que estamos ante una nueva Virgen contemporánea. La veneramos con una devoción casi militante en esta nueva religión que es el arte de nuestro tiempo.

Yendo más allá, esta nueva Virgen coronada no funda religiones, no reparte castigos ni premios, ni siquiera imparte discursos morales. Simplemente se ha manifestado a la humanidad para ser contemplada en todo su esplendor, transitando desde la sexualidad más lasciva hasta una castidad asfixiante obligándonos a nosotros, sus "fieles", a caminar en la delgada línea roja que separa la condena de la salvación.

The Body as Art: Lídia Vives' Vision

Are her self-portraits a critique of our body dissatisfaction, or does she simply use the body as a pure canvas? Either of these interpretations deeply resonates when defining the work of Lídia Vives. It's highly probable her own intention is different, that this reading stems from my own psyche, but what's undeniable is that Lídia Vives is, without a doubt, a colossal artist.

We can consider the human body a divine creation, given for our use with the most absolute freedom. We are born with the autonomy to choose our paths, and Lídia masterfully exploits that freedom for her artistic poses, in the broadest and most powerful sense of the word.

I would venture to say, without fear of committing heresy, that we stand before a new contemporary Virgin. We revere her with an almost militant devotion in this new religion that is the art of our time.

Going further, this new crowned Virgin doesn't establish religions, doesn't dispense punishments or rewards, nor does she even deliver moral discourses. She has simply manifested to humanity to be contemplated in all her splendor, traversing from the most lascivious sexuality to an suffocating chastity, compelling us, her "faithful," to walk the thin red line that separates condemnation from salvation.

Dosmilcien

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ARTES GRÁFICAS - Pio Baroja por Ricardo Baroja + GRAPHIC ARTS - Pío Baroja by Ricardo Baroja

 

Ricardo Baroja: Un Artista Polifacético y Crítico de la España de la época

Ricardo Baroja, hermano del célebre Pío Baroja, fue un artista multidisciplinar cuya huella más profunda se marcó en las artes gráficas, destacando en grabados y aguafuertes. No solo eso, también  en la escritura, mostrando una faceta menos conocida pero igualmente interesante. Su cercanía a la Generación del 98, impulsada por su hermano Pío, un miembro activo, marcó sin duda su visión artística.

Un Paseo por el Costumbrismo Madrileño en su Obra

La obra que hoy nos ocupa es un fiel reflejo del costumbrismo español, una corriente de la que Baroja fue un militante activo, si bien siempre desde una perspectiva crítica. En ella, Pío Baroja cobra vida mientras recorre Madrid en sus largas caminatas, buscando incansablemente los escenarios que darían forma a sus inolvidables novelas.

La Soledad y el Movimiento en la Pintura de Baroja

Lo que realmente cautiva de esta pieza es la poderosa sensación de movimiento que irradia el protagonista. Lo vemos vagar por esos "andurriales de Dios", sumergido en la búsqueda de la inspiración necesaria para su escritura. La figura de Pío Baroja se dibuja enjuta, taciturna, quizá ya rozando la vejez, y la profunda soledad que esta etapa de la vida conlleva. La obra, con su paleta grisácea —tan similar al cielo invernal de Madrid que muchos hemos conocido—, transmite una atmósfera melancólica. Como curiosa anécdota, rescato un dicho popular de la época, de autor desconocido que dice: "El aire de Madrid es tan sutil que mata a una persona y no mueve un candil".

Ricardo Baroja: A Multifaceted Artist and Critic of His Time in Spain

Ricardo Baroja, brother of the renowned Pío Baroja, was a multidisciplinary artist whose deepest mark was left on the graphic arts, excelling in engravings and etchings. Not only that, he also ventured into writing, revealing a lesser-known but equally interesting facet. His close ties to the Generation of '98, propelled by his brother Pío, an active member, undoubtedly shaped his artistic vision.

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A Stroll Through Madrid's Costumbrismo in His Work

The work we're focusing on today is a faithful reflection of Spanish costumbrismo (a literary and artistic movement focused on customs and manners), a trend of which Baroja was an active proponent, though always from a critical perspective. In it, Pío Baroja comes to life as he traverses Madrid on his long walks, tirelessly searching for the settings that would shape his unforgettable novels.

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Solitude and Movement in Baroja's Painting

What truly captivates about this piece is the powerful sense of movement exuded by the protagonist. We see him wandering through those "God-forsaken paths," immersed in the quest for the inspiration needed for his writing. Pío Baroja's figure is depicted as lean, taciturn, perhaps already nearing old age, and the profound solitude that this stage of life entails. The work, with its grayish palette—so similar to the wintry Madrid sky many of us have known—conveys a melancholic atmosphere. As a curious anecdote, I recall a popular saying from that era, by an unknown author, that goes: "The air of Madrid is so subtle that it kills a person and doesn't move a candle."

Dosmilcien

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153 - #FOTOGRAFÍA - DETALLE + #PHOTOGRAPHY - DETAIL

 

El verdadero valor de una obra de arte, o quizás la obra de arte en sí, podría residir en el detalle. Esta fotografía es un claro ejemplo de ello: un pequeño elemento que, como un acento, altera el significado o, como una coma, reconfigura el sentido de una frase.

Sobre un fondo que podríamos llamar grisáceo y nuboso, irrumpe un destello de luz. Este toque de color aviva los  nubarrones que dominan la composición. Es el acento de la obra, que emerge discretamente por un lateral, como una señal que apunta a una trayectoria inconclusa. 

Pero este detalle le da un valor a la fotografía que quizás, solo quizás, no lleguemos a comprender.

The true value of a work of art, or perhaps the artwork itself, might lie in the detail. This photograph is a clear example: a small element that, like an accent, alters the meaning or, like a comma, reconfigures the sense of a sentence.

Against a background we could call grayish and cloudy, a flash of light bursts forth. This touch of color enlivens the flat storm clouds that dominate the composition. It's the accent of the piece, emerging subtly from one side, like a signal pointing to an unfinished trajectory.

But this detail gives the photograph a value that perhaps, just perhaps, we may never fully grasp.

Dosmilcien

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152 - #FOTOGRAFÍA - AGUJERO DE GUSANO EN UNA SUPERFICIE LECHOSA MIENTRAS EL TIEMPO SE ARRUGA A SU ALREDEDOR + #PHOTOGRAPHY - WORMHOLE ON A MILKY SURFACE AS TIME WRINKLES AROUND IT

 

He utilizado la física teórica para encontrar un título para esta imagen, que más que una idea cosmológica, parece nacida de un sueño.

Agujeros por doquier, todos del mismo diámetro, donde la gravedad es tan intensa que el tiempo se pliega a su alrededor, de forma similar a cómo nuestro tiempo biológico se arruga con el paso de los años. Pero la pregunta que resuena es: ¿qué hay al otro lado? Esta incógnita es tan profunda como el incierto futuro que nos espera, no solo como especie, sino también individualmente. Podemos fantasear, al estilo de la película Contact, con un viaje hacia el futuro que nos revele nuestro pasado; o quizás con expediciones interestelares a otras dimensiones o universos (algunos teorizan que hay hasta cinco), buscando aquello que aún desconocemos.

Lo innegable de esta imagen es la presencia de múltiples agujeros idénticos, distribuidos sobre una superficie blanca y un fondo oscuro. Y es precisamente en esa oscuridad donde tu mente puede volar, donde la imaginación (o un sueño) toma el control.

I've delved into theoretical physics to find a title for this image, which looks more like something born from a dream than a cosmological concept.

Holes everywhere, all the same diameter, where gravity is so intense that time folds around them, similar to how our biological time wrinkles with the passing years. But the question that echoes is: what's on the other side? This unknown is as profound as the uncertain future that awaits us, not just as a species, but individually too. We can fantasize, in the style of the movie Contact, about a journey to the future that reveals our past; or perhaps about interstellar expeditions to other dimensions or universes (some theorize there are up to five), searching for what we still don't know.

What's undeniable about this image is the presence of multiple identical holes, distributed over a white surface and a dark background. And it's precisely in that darkness where your mind can soar, where imagination (or a dream) takes control.

Dosmilcien

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POP ART CRÍTICO - La antesala por el Equipo Crónica + POP ART CRÍTICO - The Anteroom by Equipo Crónica

 

 Cosas que me llaman la atención: la reinterpretación del arte clásico en el arte contemporáneo, como bien hizo el Equipo Crónica con la reinterpretación de El caballero de la mano en el pecho de El Greco (para mí, una de las mejores obras que hay en el Museo del Prado), que recicla y reutiliza (lo que hoy, de forma snob, se conoce como la economía circular) lo anterior para traerlo a nuestro presente y, con maestría, realizar una sutil crítica de carácter político-social. 

¿Y qué nos encontramos ante esta obra? Pues un funcionario de la dictadura franquista vestido de negro y con semblante serio detrás de un mostrador de cualquier ministerio de la época, con un poder casi omnímodo. Evidentemente, es una crítica a la rectitud, casi de rigor mortis, de los trabajadores públicos al servicio del Régimen, donde el ciudadano era pisoteado hasta la saciedad por el "corpus administrativus" (de ahí ese puño americano encima de la mesa). 

El arte al servicio de la crítica, arte asimilable para la mayoría social, utilizando o rodeando el cómic, el arte publicitario e incluso el Arte Pop, tan en boga en aquellos años.

Things that catch my attention: the reinterpretation of classical art in contemporary art, as expertly done by Equipo Crónica with their reinterpretation of El Greco's 'The Nobleman with his Hand on his Chest' (for me, one of the best works at the Prado Museum). They recycle and reuse (what's snobbishly known today as the circular economy) what came before, bringing it into our present and masterfully delivering a subtle sociopolitical critique.

And what do we find in this work? A Francoist dictatorship official dressed in black with a serious demeanor, behind a counter in some ministry of the era, wielding almost omnipotent power. Evidently, it's a critique of the rigid, almost rigor mortis-like, attitude of civil servants serving the Regime, where citizens were endlessly trampled by the 'corpus administrativus' (hence the brass knuckles on the table).

Art at the service of critique, art that's relatable to the majority of society, using or embracing comic art, advertising art, and even Pop Art, which was so in vogue in those years.

Dosmilcien

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#PINTURA - #LuisColucci / Luis Colucci

  

Luis Colucci, un genuino hombre del Renacimiento que abarca la pintura, la composición y la escritura, nos presenta su fascinante universo. Sus obras son un crisol de arte moderno, fusionando el minimalismo con paisajes urbanos y la pintura geométrica.

Su propuesta es audaz: encontrar la belleza en lo aparentemente más mundano. Tomemos un túnel, esa arteria urbana saturada de hollín y el estruendo del tráfico, un lugar que de por sí evoca lo desagradable. Colucci lo metamorfosea en una experiencia visualmente agradable. La velocidad cobra vida en esas estelas de luces amarillas que desafían nuestra percepción. Así son nuestras ciudades: densas, impersonales, donde la conexión humana a menudo se diluye. Sin embargo, este túnel se revela bello e hipnótico, ya sea por la maestría en el uso del color o por esa paradójica atracción que nos impulsa a desear salir de este Averno mitológico para regresar al infierno ya conocido.

Luis Colucci, a genuine Renaissance man who encompasses painting, composition, and writing, presents his fascinating universe to us. His works are a melting pot of modern art, fusing minimalism with urban landscapes and geometric painting.

His proposal is bold: to find beauty in what is seemingly most mundane. Let's take a tunnel, that urban artery saturated with soot and the roar of traffic—a place that in itself evokes unpleasantness. Colucci transforms it into a visually pleasing experience. Speed comes to life in those streaks of yellow lights that challenge our perception. This is how our cities are: dense, impersonal, where human connection often gets diluted. However, this tunnel reveals itself to be both beautiful and hypnotic, whether due to his mastery in the use of color or that paradoxical attraction that compels us to want to escape this mythological Averno only to return to the hell we already know.

Dosmilcien

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151 - #FOTOGRAFÍA - LUNAS CON OLOR A GASOLINA + #PHOTOGRAPHY - MOONS SMELLING OF GASOLINE

Lunas en todas sus fases, pero eclipsadas por la sombra de nuestra propia indiferencia. Lunas teñidas de gris, asfixiadas por la insoportable polución que el planeta ya no aguanta. Pronto, lunas artificiales construidas  por manos humanas, porque la vista de nuestro satélite natural se convertirá en un recuerdo lejano. Y lo peor, lunas de catálogo, elegidas a capricho, donde un gurú de nuevo cuño nos dictará el color  que supuestamente nos traerá la suerte o  mostrará nuestra personalidad  al mundo. Urge un Jesucristo que expulse  del templo de este mundo inhóspito y conformista,  a los mercaderes y charlatanes que lo profanan.

Esta imagen será la única  luna que podrás comprar...

Moons in all their phases, but eclipsed by the shadow of our own indifference. Moons stained gray, suffocated by the unbearable pollution that the planet can no longer withstand. Soon, artificial moons built by human hands, because the sight of our natural satellite will become a distant memory. And what's worse, catalog moons, chosen on a whim, where a new-age guru will dictate the color that supposedly brings us luck or reveals our personality to the world. A Jesus Christ is urgently needed to expel the merchants and charlatans who profane the temple of this inhospitable and conformist world.

This image will be the only moon you'll be able to buy...

Dosmilcien

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150 - #FOTOGRAFIA - ROJOS SOBRE FONDOS GRANULADOS Y LISOS + #PHOTOGRAPHY - REDS ON GRANULATED AND SMOOTH BACKGROUNDS

Me muevo entre las fronteras del color, donde la textura también se une al juego de rojos que se resisten a mezclarse. Cada elemento encuentra su lugar, su propio espacio en el mundo, un mundo contenido en el recuadro de esta fotografía. Aquí, la línea del horizonte se difumina, sin conducir a ninguna parte, diluyendo incluso la esperanza que los horizontes suelen prometer.

Como los marinos que siempre miraron más allá de la proa de sus navíos, buscando no solo la aventura, sino también la promesa de un mundo mejor o la posibilidad de crearlo. Esa esperanza los impulsaba a seguir adelante, a desafiar los  peligros . Para ellos, el presente era ¡el mar, y el futuro, la lejanía inexplorada, lo que los mantenía firmes en su propósito.

Hoy, estos rojos  son un mar en calma, con un horizonte indefinido. Un espacio donde todo se contiene, incluso la emoción.

I move among the borders of color, where texture also joins the play of reds that resist mixing. Each element finds its place, its own space in the world, a world contained within the frame of this photograph. Here, the horizon line blurs, leading nowhere, even diluting the hope that horizons usually promise.

Like the sailors who always looked beyond the bow of their ships, seeking not only adventure but also the promise of a better world or the possibility of creating one. That hope spurred them to move forward, to defy the dangers. For them, the present was the sea, and the future, the unexplored distance—what kept them firm in their purpose.

Today, these reds are a calm sea, with an undefined horizon. A space where everything is contained, even emotion.

Dosmilcien

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149 - #ARQUITECTURA - REAL CASA DE LA MONEDA DE MADRID (1964) + ARCHITECTURE - ROYAL MINT OF MADRID (1964)

  En el corazón de Madrid se alza la actual Real Casa de la Moneda, un edificio que cautiva por su belleza funcional y la rotunda sencillez de sus líneas. Es un arquetipo de la arquitectura industrial, una especie en extinción en el paisaje urbano de la capital, que cede terreno ante un futuro aún por definir. 

Fruto del trabajo de varios arquitectos, su razón de ser es tan crucial como su estética: la acuñación de monedas y billetes de curso legal, además de la invaluable tarea de preservar antiguas colecciones numismáticas. Su estilo, anclado en el racionalismo, abraza la funcionalidad por encima de todo. Cada elemento, básico y sin adornos, revela una armonía intrínseca, donde la ornamentación carece de sentido. Este es un edificio donde la precisión se manifiesta en cada rincón, y su presencia susurra una melodía monocorde de propósito y diseño.

In the heart of Madrid stands the current Royal Mint (Real Casa de la Moneda), a building that captivates with its functional beauty and the striking simplicity of its lines. It's an archetype of industrial architecture, a vanishing species in the capital's urban landscape, yielding ground to a future yet to be defined.

The result of the work of several architects, its purpose is as crucial as its aesthetics: the minting of legal tender coins and banknotes, in addition to the invaluable task of preserving ancient numismatic collections. Its style, rooted in rationalism, embraces functionality above all else. Every element, basic and unadorned, reveals an intrinsic harmony where ornamentation is meaningless. This is a building where precision is evident in every corner, and its presence whispers a single-toned melody of purpose and design.

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