#CARTELES - Hoteles en la antigua Yugoslavia + #POSTERS - Hotels in the former Yugoslavia

  

Me atrae profundamente la estética de estas etiquetas y carteles de hotel, concebidos como publicidad directa para las maletas o para ser expuestos en las agencias de viaje. Evocan una era de viajes más romántica y audaz, un periodo en el que soñar con el mundo era la esencia misma del trayecto. El uso de colores primarios y atrayentes es característico y fundamental para reflejar el optimismo y el espíritu vacacional de la época. Estilísticamente, nos remiten claramente a las artes decorativas, y más concretamente, al Art Decó. Si bien su autoría a menudo se pierde en el tiempo, su calidad artística atestigua la maestría de sus diseñadores en el ámbito de la publicidad gráfica.

I am deeply drawn to the aesthetic of these hotel labels and posters, originally conceived as direct advertising for luggage or for display in travel agencies. They evoke an era of travel that was more romantic and bold, a period in which dreaming of the world was the very essence of the journey. The use of primary, alluring colors is characteristic and fundamental, reflecting the optimism and holiday spirit of the time. Stylistically, they clearly reference the decorative arts and, more specifically, Art Deco. While their authorship is often lost to time, their artistic quality attests to the mastery of their designers in the field of graphic advertising.

Dosmilcien

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#PINTURA - El minimalismo de Miguel Ángel Rodríguez Silva + #PAINTING - The Minimalism of Miguel Ángel Rodríguez Silva

 Miguel Ángel Rodríguez Silva se erige como un fervoroso militante del minimalismo más esencial y combativo. Su compromiso no es otro que una defensa rigurosa de esta corriente como vía para alcanzar la máxima capacidad plástica con el mínimo de recursos materiales, lo cual incluye, de manera crucial, la contención en el uso del color.

La obra de Rodríguez Silva se presenta desnuda de artificios; es lo que el espectador ve, libre de fuegos artificiales o cualquier tipo de barroquismo. Esta austeridad lo sitúa, legítimamente, en la estela del suprematismo y de los pioneros de la abstracción geométrica.

Al contemplar estas dos piezas, surge la pregunta: ¿qué observamos realmente? Es, a mi juicio, el eco de una escultura de hierro llevada al lienzo en su expresión más mínima. Si bien la sencillez formal puede inducir a pensar que su ejecución es trivial, esta percepción es errónea. La aparente facilidad desmiente la necesidad de una profunda intención, un dominio técnico preciso y una clara conceptualización. El resultado es arte en estado puro, un ejercicio de contemplación que no busca narrar ni proponer una tesis explícita.

La primera pintura ejemplifica un encaje perfecto de módulos pintados, cuya precisión geométrica evoca la labor de un fresador experto en metal. La segunda, por su parte, sugiere unas ranuras o hendiduras colocadas con exactitud matemática sobre una superficie. En efecto, tanto el suprematismo como la abstracción geométrica se fundamentan en el orden, siendo un arte matemático, casi una ciencia pura.

Ambas obras convergen en su enfoque, destacando la sencillez cromática. Sus paletas, sin ser estrictamente básicas, se aproximan a la esencialidad. En esencia, estamos ante la armonía, ante un monocorde pictórico destinado al disfrute estético de la sensibilidad humana.

Miguel Ángel Rodríguez Silva stands as an ardent militant of the most essential and combative minimalism. His commitment is none other than a rigorous defense of this movement as a path to achieve the maximum plastic capacity with the minimum of material resources, which crucially includes restraint in the use of color.

Rodríguez Silva’s work is presented stripped bare of artifice; it is simply what the viewer sees, free from fireworks or any type of Baroque excess. This austerity places him, quite legitimately, in the tradition of Suprematism and the pioneers of geometric abstraction.

Upon contemplating these two pieces, the question arises: what are we truly observing? It is, in my judgment, the echo of an iron sculpture brought to the canvas in its most minimal expression. Although the formal simplicity might lead one to believe its execution is trivial, this perception is misleading. The apparent ease belies the need for a profound intention, precise technical mastery, and clear conceptualization. The result is art in its purest state, an exercise in contemplation that seeks neither to narrate nor to propose an explicit thesis.

The first painting exemplifies a perfect interlocking of painted modules, whose geometric precision evokes the work of an expert metal miller. The second, for its part, suggests grooves or indentations placed with mathematical exactitude upon a surface. Indeed, both Suprematism and geometric abstraction are fundamentally based on order, being a mathematical art, almost a pure science.

Both works converge in their approach, highlighting the chromatic simplicity. Their palettes, while not strictly basic, approach essentiality. In essence, we are before harmony, before a pictorial monochord intended for the aesthetic enjoyment of human sensibility.

Dosmilcien

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187 - #FOTOGRAFÍA - Campo de gules de Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Field of Gules by Dosmilcien

  

La obra es un duelo cromático de rojos y negros, donde solo una diminuta esquina acoge el resplandor de una ventana imaginaria insinuando el inicio de una narración. Sus texturas, elevadas al nivel de un campo de gules heráldico, nos hablan de nobleza y de un linaje pictórico. Pero esta visión es inherentemente contemporánea: rompe con el pasado para anclarnos en el presente. Es el color y su danza, llevándonos sin rumbo fijo, convirtiendo cada instante de la mirada en una nueva y vibrante aventura.

The work is a chromatic duel of reds and blacks, where only a tiny corner hosts the glow of an imaginary window, hinting at the start of a narrative. Its textures, elevated to the level of a heraldic field of gules, speak to us of nobility and a pictorial lineage. But this vision is inherently contemporary: it breaks with the past to anchor us in the present. It is the color and its dance, leading us without fixed direction, turning every instant of viewing into a new and vibrant adventure.

Dosmicien

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186 - #FOTOGRAFÍA - De bodegón a naturaleza muerta en un mundo inexistente por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - From Bodegón to Still Life in a Non-Existent World by Dosmilcien

 

El tránsito del bodegón a la naturaleza muerta es un viaje ilusorio, una geografía que solo existe en el efímero mundo de mis sueños. Me enfrento a un negativo espectral, más inerte que la propia 'naturaleza muerta', teñido de un color que se niega a existir, que evade toda definición. Solo hallamos siluetas subjetivas, perfiles difusos donde nuestra imaginación, como siempre, nos obliga a completar el cuadro. No hay precisión ni viveza; solo la extensión de un lienzo plano, una fría proyección, la pura materia del sueño.

The transition from the 'bodegón' to the 'nature morte' (still life) is an illusory journey, a geography that exists only in the ephemeral world of my dreams. I am confronted with a spectral negative, more inert than the 'still life' itself, tinged with a color that refuses to exist, one that evades all definition. We only find subjective silhouettes, diffused profiles where our imagination, as always, compels us to complete the picture. There is no precision or vividness; only the extension of a flat canvas, a cold projection, the pure matter of the dream.

Dosmilcien

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185 - #FOTOGRAFÍA - Ajustes imposibles por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Impossible Adjustments by Dosmilcien

Líneas infinitas y paralelas que jamás convergen en un punto común. Planos que oscilan, avanzando por senderos distintos, pero siempre paralelos. Olas organizadas que baten el mismo lugar, una y otra vez, casi sin variación. Una carta de ajuste imposiblemente "desajustada" en una televisión con la imagen congelada.

Hay que parar, reajustar, romper esta hipnosis que nos absorbe sin descanso en su sinfín de pensamientos.

Infinite and parallel lines that never converge on a common point. Planes that oscillate, advancing along distinct, yet always parallel, paths. Organized waves that strike the same spot, again and again, with almost no variation. An impossibly "out-of-sync" test pattern on a television with a frozen image.

We must stop, readjust, and break this hypnosis that relentlessly absorbs us into its endless stream of thoughts.

Dosmicien

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#FOTOGRAFÍA - Anjelica Huston y Manolo Blahnik de David Bailey para la revista Vogue (1973) + #PHOTOGRAPHY - Anjelica Huston and Manolo Blahnik by David Bailey for Vogue Magazine (1973)

 

Quienes me conocen saben bien lo que opino del mundo de la moda, y por ende, reconocerán el carácter vanguardista de este "arte" cuando se propone avanzar. Esta fotografía, en particular, es un testimonio de esa visión: la moda en su efervescente evolución durante la década de los setenta.

La imagen, capturada por David Bailey para la revista Vogue, nos presenta una escena estudiadamente artificial. Una mujer de gran belleza observa a través de una suerte de catalejo, escrutando un punto fuera del encuadre, mientras que un hombre, ataviado con un marcado estilo francés, permanece absorto, ajeno a su presencia. El entorno es puramente natural, capturado en un día de luz tenue, evocando sin duda el ambiente de la Costa Azul Francesa, un enclave siempre en boga.

Podría afirmarse que, más allá de la inherente sofisticación de la moda, la composición de Bailey resulta sorprendentemente sencilla. Se vale de elementos comunes, fácilmente hallables en cualquier paisaje marítimo, despojando a la escena de cualquier artificio innecesario.

En esencia, mi aprecio por esta fotografía reside precisamente en esa sencillez profunda y en la calidez que me infunde. Es una imagen que se siente incompleta —que ni inicia ni concluye una narrativa—, sino que permanece congelada, atemporal, en un instante capturado. Una ambigüedad narrativa que, lejos de causarme conflicto, me resulta profundamente fascinante.

Those who know me are well aware of my opinion on the world of fashion, and therefore, they will recognize the avant-garde nature of this "art" when it aims to move forward. This particular photograph is a testament to that vision: fashion in its effervescent evolution during the seventies.

The image, captured by David Bailey for Vogue magazine, presents us with a deliberately artificial scene. A strikingly beautiful woman looks through a type of spyglass, scrutinizing a point outside the frame, while a man, dressed in a distinctive French style, remains absorbed, oblivious to her presence. The setting is purely natural, captured on a day of faint light, undoubtedly evoking the ambiance of the French Riviera (or "French Coast"), an ever-fashionable enclave.

It could be argued that, beyond the inherent sophistication of fashion, Bailey’s composition is surprisingly simple. He uses common elements, easily found in any seaside landscape, stripping the scene of any unnecessary artifice.

In essence, my appreciation for this photograph lies precisely in that profound simplicity and in the warmth it instills in me. It is an image that feels incomplete—one that neither begins nor concludes a narrative—but rather remains frozen, timeless, in a captured instant. A narrative ambiguity that, far from causing me conflict, I find deeply fascinating.

Dosmilcien

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