184 - #FOTOGRAFÍA - Más allá por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - the beyond by Dosmilcien

 

La pregunta fundamental sobre qué esconde el más allá ha sido el eco constante de la humanidad, impulsada por el atávico miedo a la muerte. ¿Es acaso un reino etéreo y nebuloso? La respuesta permanece oculta, pero podemos aventurar una visión más audaz.

Podríamos imaginar el más allá como un salto cualitativo hacia el origen mismo de la existencia. La escena que evoca esta fotografía melancólica bien podría situarse en el instante previo a la Gran Explosión, el Big Bang, donde la materia aún no era definida, sino una sopa energética primordial. Quizás nuestras almas, despojadas de la biología, se reintegren en ese plasma original, actuando como una fuerza creadora o polinizadora de nuevos universos. En ese futuro imaginable, el carbono, nuestros pensamientos y la esencia sin definir, podrían fecundar de nuevo el cosmos dentro de millones de años.

Esta fotografía es el retrato de un día grisáceo de otoño: el viento azota las nubes y el ambiente nos envuelve en una pena sutil, pero profunda. Es el escenario perfecto para que la conciencia se afane en reflexionar sobre estos misterios que trascienden nuestra vida. Hemos optado por la escala de grises, despojando la escena de cualquier color, a pesar de ser un férreo defensor de este. El color nos estorba porque aquí no hay cabida para la alegría, solo para una espera paciente ante lo desconocido.

The fundamental question of what the afterlife conceals has been humanity's constant echo, driven by the primal fear of death. Is it perhaps an ethereal and nebulous realm? The answer remains hidden, but we can venture a bolder vision.

We could imagine the afterlife as a qualitative leap towards the very origin of existence. The scene evoked by this melancholic photograph could well be situated in the instant prior to the Great Explosion, the Big Bang, where matter was not yet defined, but rather a primordial energetic soup. Perhaps our souls, stripped of their biology, reintegrate into that original plasma, acting as a creative or pollinating force for new universes. In that unimaginable future, carbon, our thoughts, and the undefined essence could once again fertilize the cosmos millions of years from now.

This image is the portrait of a grayish autumn day: the wind lashes the clouds, and the atmosphere envelops us in a subtle, yet profound sorrow. It is the perfect setting for consciousness to strive to reflect on these mysteries that transcend our lives. We have opted for the grayscale, stripping the scene of all color, despite being a staunch defender of it. Color hinders us because there is no room for joy here, only for a patient wait for the unknown.

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#PINTURA - El Sermón de los Pájaros de Andrea Büttner + #PAINTING - The Sermon to the Birds by Andrea Büttner

 

La obra de Andrea Büttner presenta una profunda reinterpretación del icónico "Sermón de los Pájaros" de San Francisco de Asís. Este pasaje, que simboliza la humildad radical del santo y su respeto por todas las criaturas como obra de Dios, es utilizado por Büttner como un vehículo para su propio posicionamiento ético y militante. La artista rescata y plasma la humildad y la pobreza —valores centrales de los textos sagrados— como una postura  en el arte contemporáneo.

Desde una perspectiva visual, la obra se presenta como un arte puramente sacro filtrado por una sensibilidad contemporánea. El estilo se caracteriza por la contención y la austeridad. El uso de un colorido escaso y monótono, dispuesto en un plano simple, subraya la ideología de la autora. Esta elección cromática está deliberadamente impregnada de oscuridad, fomentando una atmósfera de recogimiento. La oscuridad sugiere que la religión y su comprensión son experiencias profundamente personales e internas. La variedad de las especies de pájaros se distingue sutilmente, casi exclusivamente por el  color, reforzando la simplicidad formal del conjunto.

Un punto crucial de la lectura de esta obra es la posible alusión a la Santísima Trinidad. Los tres personajes centrales —San Francisco y sus dos acompañantes—, se funden en el color negro, sugiriendo visualmente una unidad que podría evocar el concepto teológico de Dios como uno y trino. Más que una crítica o herejía, esta fusión parece funcionar como un mensaje hermenéutico transmitido a través del lienzo. Al fundir las figuras casi en una sola persona, Büttner convierte la imagen en un símbolo de unidad divina y un acto de fe.

En conclusión, la pieza no solo es una hermosa pintura, sino un poderoso ejercicio de xilografía conceptual. Su formalidad sobria y su peso simbólico le permitirían integrarse perfectamente en el ambiente de cualquier templo cristiano, a la vez que ofrece una meditación contemporánea sobre la ética, la humildad, y el poder perdurable de la iconografía religiosa.

The work of Andrea Büttner presents a profound reinterpretation of the iconic "Sermon to the Birds" by Saint Francis of Assisi. This passage, which symbolizes the saint's radical humility and his respect for all creatures as God's creation, is used by Büttner as a vehicle for her own ethical and militant stance. The artist revives and embodies humility and poverty—central values of sacred texts—as a position in contemporary art.

From a visual perspective, the work is presented as purely sacred art filtered through a contemporary sensibility. The style is characterized by restraint and austerity. The use of a scant and monotonous color palette, arranged on a simple plane, underscores the author's ideology. This chromatic choice is deliberately imbued with darkness, fostering an atmosphere of introspection and devotion (recogimiento). The darkness suggests that religion and its comprehension are profoundly personal and internal experiences. The variety of bird species is subtly distinguished, almost exclusively by the color used for them, reinforcing the formal simplicity of the ensemble.

A crucial point in the reading of this work is the possible allusion to the Holy Trinity. The three central figures—Saint Francis and his two companions—merge into the color black, visually suggesting a unity that could evoke the theological concept of God as one and three (Trine). More than a critique or heresy, this fusion seems to function as a hermeneutic message transmitted through the canvas. By merging the figures almost into a single person, Büttner transforms the image into a symbol of divine unity and an act of faith.

In conclusion, the piece is not only a beautiful painting but a powerful exercise in conceptual woodcut (xilografía). Its sober formality and symbolic weight would allow it to integrate perfectly into the environment of any Christian temple, while simultaneously offering a contemporary meditation on ethics, humility, and the enduring power of religious iconography.

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183 - #FOTOGRAFÍA - Nieblas persistentes y artificiales por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Persistent and Artificial Fogs by Dosmilcien

 

La supuesta naturalidad de la imagen resulta irrelevante, pues esta niebla —o inversión térmica, como la llamarían los meteorólogos— es, de hecho, artificial.

Solo una porción de la fotografía cautiva el interés; el resto, aquello de lo que podríamos prescindir, posee una belleza vacía y, por ende, monótona. Es un espacio donde la oscuridad avanza, implacable, engullendo el paisaje como si se tratara del mismísimo Averno.

¿Hablamos de belleza segmentada? Quizás. Pero la imagen es, ante todo, un conjunto indivisible con una poderosa narrativa. Una que se extiende desde la radiante promesa de una vida sonriente, hasta su inevitable y paulatina extinción biológica.

The supposed naturalness of the image is irrelevant, since this fog—or thermal inversion, as meteorologists would call it—is, in fact, artificial.

Only a portion of the photograph captures interest; the rest, that which we could dismiss, possesses an empty and, thus, monotonous beauty. It is a space where darkness advances, relentlessly engulfing the landscape as if it were Avernus itself.

Are we speaking of segmented beauty? Perhaps. But the image is, above all, an indivisible whole with a powerful narrative. One that stretches from the radiant promise of a smiling life, to its inevitable and gradual biological extinction.

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182 - #FOTOGRAFÍA - Japón por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Japan by Dosmilcien

 

 

Esta bandera, que evoca la de Japón, se presenta desde una perspectiva deliberadamente oficiosa. En realidad, constituye una interpretación libre que oscila entre el pabellón imperial utilizado durante la Segunda Guerra Mundial y el actual, fusionando así el espíritu del País del Sol Naciente con toda su complejidad, sus miserias y sus logros.

He llegado a considerar que esta imagen podría ser la representación más certera de la moda nipona, casi como un revelado en negativo. No se trata de una crítica o un juicio concreto (al hablar de "negativo"), sino de la sensación que transmite su fondo de un gris profundo, cuya intención, aunque no sea manifiesta, carga la atmósfera.

A pesar de su sencillez visual, la fotografía encierra un mensaje tan enigmático y cautivador como los secretos insondables de Japón.

This flag, which evokes that of Japan, is presented from a deliberately unofficial perspective. In reality, it constitutes a free interpretation that oscillates between the imperial ensign used during the Second World War and the current one, thus fusing the spirit of the Land of the Rising Sun with all its complexity—its hardships and its achievements.

I have come to consider that this image could be the most accurate representation of Japanese fashion, almost like a negative development (or "negative print"). It is not intended as a specific criticism or judgment (in speaking of "negative"), but rather the feeling conveyed by its deep gray background, whose intention, though not explicit, charges the atmosphere.

Despite its visual simplicity, the photograph holds a message as enigmatic and captivating as the unfathomable secrets of Japan.

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#PINTURA - La Verbena de Maruja Mallo + #PAINTING - La Verbena by Maruja Mallo

 

Hablar de Maruja Mallo es referirse a una figura fundamental de la Generación del 27, una artista cuya trayectoria abrazó tanto el realismo mágico como el surrealismo. Su legado impone un profundo respeto, no solo por su talento, sino por su activa participación en las vanguardias artísticas españolas. Fue, además, una firme defensora del feminismo y la libertad en un contexto europeo polarizado por modelos sociales antagónicos.

Para contextualizar la obra a la que hacemos referencia —identificada como La verbena (1927)—, es necesario señalar que representa una animada fiesta popular en Madrid. En ella se despliega una pléyade de personajes que deambulan inmersos en la algarabía de la celebración. Este impresionante lienzo se configura como un "collage pictórico" donde se yuxtaponen figuras variopintas: desde la Guardia Civil y marineros de permiso, hasta disfraces, gigantes y cabezudos. Todos ellos están representados de forma compacta, casi como un mural destinado a ser expuesto en un espacio oficial.

El singular rigor formal de los rostros de algunos protagonistas de esta pintura me lleva, de manera interpretativa y audaz, a proponer el concepto de Neogrequismo (una denominación de mi propia creación). Este estilo se acerca al hieratismo de los iconos de la representación religiosa de la Iglesia Ortodoxa Oriental, una cualidad que recuerda directamente al tratamiento que El Greco daba a las figuras en sus lienzos. Casualmente, este rigor en los rostros que sitúo en mi Neogrequismo se reserva para las figuras que simbolizan la autoridad, como el guardia civil y un personaje que evoca a la Reina Isabel la Católica.

Nos encontramos, sin duda, ante una obra pictórica de gran calado interpretativo, cuyas posibles lecturas son tan numerosas y diversas como las personas que, con humildad y apertura, se acerquen a contemplarla.

Talking about Maruja Mallo is referring to a fundamental figure of the Generation of '27 (Generación del 27), an artist whose career embraced both magic realism and surrealism. Her legacy commands profound respect, not only for her talent but also for her active participation in the Spanish artistic avant-garde. Furthermore, she was a staunch defender of feminism and freedom in a European context polarized by antagonistic social models.

To contextualize the work to which we are referring—identified as La verbena (1927)—it is necessary to point out that it represents a lively popular festival in Madrid. A plethora of characters is displayed within it, wandering immersed in the revelry of the celebration. This impressive canvas is configured as a "pictorial collage" where motley figures are juxtaposed: ranging from the Guardia Civil and sailors on leave, to costumes, giants and big-heads (gigantes y cabezudos). All of them are compactly represented, almost like a mural intended to be exhibited in an official space.

The unique formal rigor of the faces of some protagonists in this painting leads me, in an interpretive and bold manner, to propose the concept of Neogrequismo (a denomination of my own creation). This style approaches the hieratic quality of the icons of religious representation of the Eastern Orthodox Church, a characteristic that directly recalls the treatment El Greco gave to the figures in his canvases. Coincidentally, this rigor in the faces that I place in my Neogrequismo is reserved for figures that symbolize authority, such as the civil guard (guardia civil) and a character who evokes Queen Isabella the Catholic.

We are, without a doubt, facing a pictorial work of great interpretive depth, whose possible readings are as numerous and diverse as the people who approach it with humility and open-mindedness to contemplate it.

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#ESCULTURA - Los baños de Napoleón de Juan Garaizabal, Biarritz 2025 + SCULPTURE - Napoleon's Baths by Juan Garaizabal, Biarritz 2025

 

Esta escultura me evoca inmediatamente la imagen de un edificio destruido tras una batalla. Representa los baños, hoy desaparecidos, que fueron construidos por Napoleón III y la emperatriz Eugenia de Montijo en Biarritz. Esta maravilla, obra de Juan Garaizabal, fue creada en 2025.

Si tuviera que encontrar una definición para esta pieza contemporánea, la llamaría: "Escultura efímera que no lo es". La brisa marina la acaricia, colándose entre los ladrillos inexistentes, lo que le confiere un aire etéreo y frugal.

Al autor de esta maravilla le apasiona recuperar monumentos perdidos para reinstalarlos en el espacio, buscando provocar un debate fascinante entre historia, memoria y una profunda nostalgia; una intención a la que, sin duda, me sumo.

This sculpture immediately evokes the image of a building destroyed after a battle. It represents the baths, now disappeared, that were constructed by Napoleon III and Empress Eugénie de Montijo in Biarritz. This marvel, the work of Juan Garaizabal, was created in 2025.

If I had to find a definition for this contemporary piece, I would call it: "Ephemeral sculpture that is not." The sea breeze caresses it, filtering between the non-existent bricks, which gives it an ethereal and frugal quality.

The author of this marvel is passionate about recovering lost monuments to reinstall them in space, seeking to provoke a fascinating debate between history, memory, and profound nostalgia; an intention to which, undoubtedly, I subscribe.

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181 - #FOTOGRAFÍA - EL AZOTE DE LOS VIENTOS + #PHOTOGRAPHY - THE LASH OF THE WINDS

 

El Peine del Viento de Chillida es, sin duda, una de las obras cumbres del autor; me atrevería a decir que es la más importante. Su contemplación me fascinó, me embrujó y me enamoró. Observando el diálogo entre el hierro y el mar, me quedé ensimismado, sumergido en la nada, donde solo existía la calma. ¡Era imposible querer irme de allí!

La nube, blanca como el algodón, es una metáfora perfecta de esa calma efímera, sometida al azote constante del viento y con el vaivén indomable que impone la naturaleza. No es una creación humana ni un pensamiento estructurado, sino algo puramente natural que parece impulsar a viajar a la deriva.

Históricamente, poetas y artistas han sabido capturar y entender el influjo y la poderosa soledad que una nube así, errante, es capaz de proyectar.

The Comb of the Wind (or Wind Comb) by Chillida is, undoubtedly, one of the author's masterpiece works; I would dare to say it is the most important. Its contemplation fascinated me, bewitched me, and made me fall in love. Observing the dialogue between the iron and the sea, I became lost in thought, submerged in the void where only calm existed. It was impossible to want to leave that place!

The cloud, white as cotton, is a perfect metaphor for that ephemeral calm, subjected to the constant lashing of the wind and the untamable sway imposed by nature. It is neither a human creation nor a structured thought, but something purely natural that seems to be pushed to drift. 

Historically, poets and artists have known how to capture and understand the influence and the powerful solitude that such an errant cloud is capable of projecting.

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