#CARTELES - Hoteles en la antigua Yugoslavia + #POSTERS - Hotels in the former Yugoslavia

  

Me atrae profundamente la estética de estas etiquetas y carteles de hotel, concebidos como publicidad directa para las maletas o para ser expuestos en las agencias de viaje. Evocan una era de viajes más romántica y audaz, un periodo en el que soñar con el mundo era la esencia misma del trayecto. El uso de colores primarios y atrayentes es característico y fundamental para reflejar el optimismo y el espíritu vacacional de la época. Estilísticamente, nos remiten claramente a las artes decorativas, y más concretamente, al Art Decó. Si bien su autoría a menudo se pierde en el tiempo, su calidad artística atestigua la maestría de sus diseñadores en el ámbito de la publicidad gráfica.

I am deeply drawn to the aesthetic of these hotel labels and posters, originally conceived as direct advertising for luggage or for display in travel agencies. They evoke an era of travel that was more romantic and bold, a period in which dreaming of the world was the very essence of the journey. The use of primary, alluring colors is characteristic and fundamental, reflecting the optimism and holiday spirit of the time. Stylistically, they clearly reference the decorative arts and, more specifically, Art Deco. While their authorship is often lost to time, their artistic quality attests to the mastery of their designers in the field of graphic advertising.

Dosmilcien

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#PINTURA - El minimalismo de Miguel Ángel Rodríguez Silva + #PAINTING - The Minimalism of Miguel Ángel Rodríguez Silva

 Miguel Ángel Rodríguez Silva se erige como un fervoroso militante del minimalismo más esencial y combativo. Su compromiso no es otro que una defensa rigurosa de esta corriente como vía para alcanzar la máxima capacidad plástica con el mínimo de recursos materiales, lo cual incluye, de manera crucial, la contención en el uso del color.

La obra de Rodríguez Silva se presenta desnuda de artificios; es lo que el espectador ve, libre de fuegos artificiales o cualquier tipo de barroquismo. Esta austeridad lo sitúa, legítimamente, en la estela del suprematismo y de los pioneros de la abstracción geométrica.

Al contemplar estas dos piezas, surge la pregunta: ¿qué observamos realmente? Es, a mi juicio, el eco de una escultura de hierro llevada al lienzo en su expresión más mínima. Si bien la sencillez formal puede inducir a pensar que su ejecución es trivial, esta percepción es errónea. La aparente facilidad desmiente la necesidad de una profunda intención, un dominio técnico preciso y una clara conceptualización. El resultado es arte en estado puro, un ejercicio de contemplación que no busca narrar ni proponer una tesis explícita.

La primera pintura ejemplifica un encaje perfecto de módulos pintados, cuya precisión geométrica evoca la labor de un fresador experto en metal. La segunda, por su parte, sugiere unas ranuras o hendiduras colocadas con exactitud matemática sobre una superficie. En efecto, tanto el suprematismo como la abstracción geométrica se fundamentan en el orden, siendo un arte matemático, casi una ciencia pura.

Ambas obras convergen en su enfoque, destacando la sencillez cromática. Sus paletas, sin ser estrictamente básicas, se aproximan a la esencialidad. En esencia, estamos ante la armonía, ante un monocorde pictórico destinado al disfrute estético de la sensibilidad humana.

Miguel Ángel Rodríguez Silva stands as an ardent militant of the most essential and combative minimalism. His commitment is none other than a rigorous defense of this movement as a path to achieve the maximum plastic capacity with the minimum of material resources, which crucially includes restraint in the use of color.

Rodríguez Silva’s work is presented stripped bare of artifice; it is simply what the viewer sees, free from fireworks or any type of Baroque excess. This austerity places him, quite legitimately, in the tradition of Suprematism and the pioneers of geometric abstraction.

Upon contemplating these two pieces, the question arises: what are we truly observing? It is, in my judgment, the echo of an iron sculpture brought to the canvas in its most minimal expression. Although the formal simplicity might lead one to believe its execution is trivial, this perception is misleading. The apparent ease belies the need for a profound intention, precise technical mastery, and clear conceptualization. The result is art in its purest state, an exercise in contemplation that seeks neither to narrate nor to propose an explicit thesis.

The first painting exemplifies a perfect interlocking of painted modules, whose geometric precision evokes the work of an expert metal miller. The second, for its part, suggests grooves or indentations placed with mathematical exactitude upon a surface. Indeed, both Suprematism and geometric abstraction are fundamentally based on order, being a mathematical art, almost a pure science.

Both works converge in their approach, highlighting the chromatic simplicity. Their palettes, while not strictly basic, approach essentiality. In essence, we are before harmony, before a pictorial monochord intended for the aesthetic enjoyment of human sensibility.

Dosmilcien

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187 - #FOTOGRAFÍA - Campo de gules de Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Field of Gules by Dosmilcien

  

La obra es un duelo cromático de rojos y negros, donde solo una diminuta esquina acoge el resplandor de una ventana imaginaria insinuando el inicio de una narración. Sus texturas, elevadas al nivel de un campo de gules heráldico, nos hablan de nobleza y de un linaje pictórico. Pero esta visión es inherentemente contemporánea: rompe con el pasado para anclarnos en el presente. Es el color y su danza, llevándonos sin rumbo fijo, convirtiendo cada instante de la mirada en una nueva y vibrante aventura.

The work is a chromatic duel of reds and blacks, where only a tiny corner hosts the glow of an imaginary window, hinting at the start of a narrative. Its textures, elevated to the level of a heraldic field of gules, speak to us of nobility and a pictorial lineage. But this vision is inherently contemporary: it breaks with the past to anchor us in the present. It is the color and its dance, leading us without fixed direction, turning every instant of viewing into a new and vibrant adventure.

Dosmicien

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186 - #FOTOGRAFÍA - De bodegón a naturaleza muerta en un mundo inexistente por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - From Bodegón to Still Life in a Non-Existent World by Dosmilcien

 

El tránsito del bodegón a la naturaleza muerta es un viaje ilusorio, una geografía que solo existe en el efímero mundo de mis sueños. Me enfrento a un negativo espectral, más inerte que la propia 'naturaleza muerta', teñido de un color que se niega a existir, que evade toda definición. Solo hallamos siluetas subjetivas, perfiles difusos donde nuestra imaginación, como siempre, nos obliga a completar el cuadro. No hay precisión ni viveza; solo la extensión de un lienzo plano, una fría proyección, la pura materia del sueño.

The transition from the 'bodegón' to the 'nature morte' (still life) is an illusory journey, a geography that exists only in the ephemeral world of my dreams. I am confronted with a spectral negative, more inert than the 'still life' itself, tinged with a color that refuses to exist, one that evades all definition. We only find subjective silhouettes, diffused profiles where our imagination, as always, compels us to complete the picture. There is no precision or vividness; only the extension of a flat canvas, a cold projection, the pure matter of the dream.

Dosmilcien

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185 - #FOTOGRAFÍA - Ajustes imposibles por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Impossible Adjustments by Dosmilcien

Líneas infinitas y paralelas que jamás convergen en un punto común. Planos que oscilan, avanzando por senderos distintos, pero siempre paralelos. Olas organizadas que baten el mismo lugar, una y otra vez, casi sin variación. Una carta de ajuste imposiblemente "desajustada" en una televisión con la imagen congelada.

Hay que parar, reajustar, romper esta hipnosis que nos absorbe sin descanso en su sinfín de pensamientos.

Infinite and parallel lines that never converge on a common point. Planes that oscillate, advancing along distinct, yet always parallel, paths. Organized waves that strike the same spot, again and again, with almost no variation. An impossibly "out-of-sync" test pattern on a television with a frozen image.

We must stop, readjust, and break this hypnosis that relentlessly absorbs us into its endless stream of thoughts.

Dosmicien

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#FOTOGRAFÍA - Anjelica Huston y Manolo Blahnik de David Bailey para la revista Vogue (1973) + #PHOTOGRAPHY - Anjelica Huston and Manolo Blahnik by David Bailey for Vogue Magazine (1973)

 

Quienes me conocen saben bien lo que opino del mundo de la moda, y por ende, reconocerán el carácter vanguardista de este "arte" cuando se propone avanzar. Esta fotografía, en particular, es un testimonio de esa visión: la moda en su efervescente evolución durante la década de los setenta.

La imagen, capturada por David Bailey para la revista Vogue, nos presenta una escena estudiadamente artificial. Una mujer de gran belleza observa a través de una suerte de catalejo, escrutando un punto fuera del encuadre, mientras que un hombre, ataviado con un marcado estilo francés, permanece absorto, ajeno a su presencia. El entorno es puramente natural, capturado en un día de luz tenue, evocando sin duda el ambiente de la Costa Azul Francesa, un enclave siempre en boga.

Podría afirmarse que, más allá de la inherente sofisticación de la moda, la composición de Bailey resulta sorprendentemente sencilla. Se vale de elementos comunes, fácilmente hallables en cualquier paisaje marítimo, despojando a la escena de cualquier artificio innecesario.

En esencia, mi aprecio por esta fotografía reside precisamente en esa sencillez profunda y en la calidez que me infunde. Es una imagen que se siente incompleta —que ni inicia ni concluye una narrativa—, sino que permanece congelada, atemporal, en un instante capturado. Una ambigüedad narrativa que, lejos de causarme conflicto, me resulta profundamente fascinante.

Those who know me are well aware of my opinion on the world of fashion, and therefore, they will recognize the avant-garde nature of this "art" when it aims to move forward. This particular photograph is a testament to that vision: fashion in its effervescent evolution during the seventies.

The image, captured by David Bailey for Vogue magazine, presents us with a deliberately artificial scene. A strikingly beautiful woman looks through a type of spyglass, scrutinizing a point outside the frame, while a man, dressed in a distinctive French style, remains absorbed, oblivious to her presence. The setting is purely natural, captured on a day of faint light, undoubtedly evoking the ambiance of the French Riviera (or "French Coast"), an ever-fashionable enclave.

It could be argued that, beyond the inherent sophistication of fashion, Bailey’s composition is surprisingly simple. He uses common elements, easily found in any seaside landscape, stripping the scene of any unnecessary artifice.

In essence, my appreciation for this photograph lies precisely in that profound simplicity and in the warmth it instills in me. It is an image that feels incomplete—one that neither begins nor concludes a narrative—but rather remains frozen, timeless, in a captured instant. A narrative ambiguity that, far from causing me conflict, I find deeply fascinating.

Dosmilcien

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ARTE URBANO - Educación para la ciudadanía por ESCIF + URBAN ART - Education for Citizenship by ESCIF

 

Los muros se transforman en lienzos en blanco para los artistas urbanos, quienes nos narran historias, a menudo de índole social. Es la voz de la contracultura, la expresión de quienes carecen de todo.

Este es un arte gratuito y popular, una galería a cielo abierto que detona la reflexión. Es, en esencia, una forma alternativa de escritura.

Este mural que contempláis aquí rebosa la maestría de ESCIF. Esta destreza no es fortuita: es licenciado en Bellas Artes, lo que valida su profundo conocimiento. Pertenece al colectivo valenciano XLF, cuya impronta ha marcado la ciudad de Valencia.

Frente a nosotros se despliega el eterno miedo del poder al conocimiento. Y contra él, el poder esgrime su brazo armado: las fuerzas represoras de la burguesía (como las denominan los movimientos anarquistas). Estos agentes aporrean sin piedad un libro, el símbolo inequívoco de la instrucción de las masas.

Son policías sin rostro, figuras anónimas, una identidad que se forja al enfundarse el casco antes de la carga. Este anonimato representa al colectivo en su totalidad, pues aunque sea un solo agente el que reprime, es el sistema el que orquesta la acción coercitiva.

El arte urbano es, por tanto, un cómic condensado en una sola viñeta, una potente acción visual que resume su mensaje.

 

The walls are transformed into blank canvases for urban artists, who narrate stories to us, often of a social nature. It is the voice of the counterculture, the expression of those who lack everything.

This is a free and popular art, an open-air gallery that triggers reflection. It is, in essence, an alternative form of writing.

This mural you contemplate here overflows with the mastery of ESCIF. This skill is not fortuitous: he holds a degree in Fine Arts, which validates his deep knowledge. He belongs to the Valencian collective XLF, whose mark has defined the city of Valencia.

Before us, the eternal fear of power is displayed: the fear of knowledge. And against it, power wields its armed wing: the repressive forces of the bourgeoisie (as the anarchist movements call them). These agents mercilessly batter a book, the unequivocal symbol of mass instruction.

They are faceless police, anonymous figures, an identity forged when they put on their helmets before a charge. This anonymity represents the collective in its entirety, because even if it is only a single agent who represses, it is the system that orchestrates the coercive action.

Urban art is, therefore, a comic condensed into a single panel, a powerful visual action that summarizes its message.

Dosmilcien

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184 - #FOTOGRAFÍA - Más allá por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - the beyond by Dosmilcien

 

La pregunta fundamental sobre qué esconde el más allá ha sido el eco constante de la humanidad, impulsada por el atávico miedo a la muerte. ¿Es acaso un reino etéreo y nebuloso? La respuesta permanece oculta, pero podemos aventurar una visión más audaz.

Podríamos imaginar el más allá como un salto cualitativo hacia el origen mismo de la existencia. La escena que evoca esta fotografía melancólica bien podría situarse en el instante previo a la Gran Explosión, el Big Bang, donde la materia aún no era definida, sino una sopa energética primordial. Quizás nuestras almas, despojadas de la biología, se reintegren en ese plasma original, actuando como una fuerza creadora o polinizadora de nuevos universos. En ese futuro imaginable, el carbono, nuestros pensamientos y la esencia sin definir, podrían fecundar de nuevo el cosmos dentro de millones de años.

Esta fotografía es el retrato de un día grisáceo de otoño: el viento azota las nubes y el ambiente nos envuelve en una pena sutil, pero profunda. Es el escenario perfecto para que la conciencia se afane en reflexionar sobre estos misterios que trascienden nuestra vida. Hemos optado por la escala de grises, despojando la escena de cualquier color, a pesar de ser un férreo defensor de este. El color nos estorba porque aquí no hay cabida para la alegría, solo para una espera paciente ante lo desconocido.

The fundamental question of what the afterlife conceals has been humanity's constant echo, driven by the primal fear of death. Is it perhaps an ethereal and nebulous realm? The answer remains hidden, but we can venture a bolder vision.

We could imagine the afterlife as a qualitative leap towards the very origin of existence. The scene evoked by this melancholic photograph could well be situated in the instant prior to the Great Explosion, the Big Bang, where matter was not yet defined, but rather a primordial energetic soup. Perhaps our souls, stripped of their biology, reintegrate into that original plasma, acting as a creative or pollinating force for new universes. In that unimaginable future, carbon, our thoughts, and the undefined essence could once again fertilize the cosmos millions of years from now.

This image is the portrait of a grayish autumn day: the wind lashes the clouds, and the atmosphere envelops us in a subtle, yet profound sorrow. It is the perfect setting for consciousness to strive to reflect on these mysteries that transcend our lives. We have opted for the grayscale, stripping the scene of all color, despite being a staunch defender of it. Color hinders us because there is no room for joy here, only for a patient wait for the unknown.

Dosmilcien

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#PINTURA - El Sermón de los Pájaros de Andrea Büttner + #PAINTING - The Sermon to the Birds by Andrea Büttner

 

La obra de Andrea Büttner presenta una profunda reinterpretación del icónico "Sermón de los Pájaros" de San Francisco de Asís. Este pasaje, que simboliza la humildad radical del santo y su respeto por todas las criaturas como obra de Dios, es utilizado por Büttner como un vehículo para su propio posicionamiento ético y militante. La artista rescata y plasma la humildad y la pobreza —valores centrales de los textos sagrados— como una postura  en el arte contemporáneo.

Desde una perspectiva visual, la obra se presenta como un arte puramente sacro filtrado por una sensibilidad contemporánea. El estilo se caracteriza por la contención y la austeridad. El uso de un colorido escaso y monótono, dispuesto en un plano simple, subraya la ideología de la autora. Esta elección cromática está deliberadamente impregnada de oscuridad, fomentando una atmósfera de recogimiento. La oscuridad sugiere que la religión y su comprensión son experiencias profundamente personales e internas. La variedad de las especies de pájaros se distingue sutilmente, casi exclusivamente por el  color, reforzando la simplicidad formal del conjunto.

Un punto crucial de la lectura de esta obra es la posible alusión a la Santísima Trinidad. Los tres personajes centrales —San Francisco y sus dos acompañantes—, se funden en el color negro, sugiriendo visualmente una unidad que podría evocar el concepto teológico de Dios como uno y trino. Más que una crítica o herejía, esta fusión parece funcionar como un mensaje hermenéutico transmitido a través del lienzo. Al fundir las figuras casi en una sola persona, Büttner convierte la imagen en un símbolo de unidad divina y un acto de fe.

En conclusión, la pieza no solo es una hermosa pintura, sino un poderoso ejercicio de xilografía conceptual. Su formalidad sobria y su peso simbólico le permitirían integrarse perfectamente en el ambiente de cualquier templo cristiano, a la vez que ofrece una meditación contemporánea sobre la ética, la humildad, y el poder perdurable de la iconografía religiosa.

The work of Andrea Büttner presents a profound reinterpretation of the iconic "Sermon to the Birds" by Saint Francis of Assisi. This passage, which symbolizes the saint's radical humility and his respect for all creatures as God's creation, is used by Büttner as a vehicle for her own ethical and militant stance. The artist revives and embodies humility and poverty—central values of sacred texts—as a position in contemporary art.

From a visual perspective, the work is presented as purely sacred art filtered through a contemporary sensibility. The style is characterized by restraint and austerity. The use of a scant and monotonous color palette, arranged on a simple plane, underscores the author's ideology. This chromatic choice is deliberately imbued with darkness, fostering an atmosphere of introspection and devotion (recogimiento). The darkness suggests that religion and its comprehension are profoundly personal and internal experiences. The variety of bird species is subtly distinguished, almost exclusively by the color used for them, reinforcing the formal simplicity of the ensemble.

A crucial point in the reading of this work is the possible allusion to the Holy Trinity. The three central figures—Saint Francis and his two companions—merge into the color black, visually suggesting a unity that could evoke the theological concept of God as one and three (Trine). More than a critique or heresy, this fusion seems to function as a hermeneutic message transmitted through the canvas. By merging the figures almost into a single person, Büttner transforms the image into a symbol of divine unity and an act of faith.

In conclusion, the piece is not only a beautiful painting but a powerful exercise in conceptual woodcut (xilografía). Its sober formality and symbolic weight would allow it to integrate perfectly into the environment of any Christian temple, while simultaneously offering a contemporary meditation on ethics, humility, and the enduring power of religious iconography.

Dosmilcien

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183 - #FOTOGRAFÍA - Nieblas persistentes y artificiales por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Persistent and Artificial Fogs by Dosmilcien

 

La supuesta naturalidad de la imagen resulta irrelevante, pues esta niebla —o inversión térmica, como la llamarían los meteorólogos— es, de hecho, artificial.

Solo una porción de la fotografía cautiva el interés; el resto, aquello de lo que podríamos prescindir, posee una belleza vacía y, por ende, monótona. Es un espacio donde la oscuridad avanza, implacable, engullendo el paisaje como si se tratara del mismísimo Averno.

¿Hablamos de belleza segmentada? Quizás. Pero la imagen es, ante todo, un conjunto indivisible con una poderosa narrativa. Una que se extiende desde la radiante promesa de una vida sonriente, hasta su inevitable y paulatina extinción biológica.

The supposed naturalness of the image is irrelevant, since this fog—or thermal inversion, as meteorologists would call it—is, in fact, artificial.

Only a portion of the photograph captures interest; the rest, that which we could dismiss, possesses an empty and, thus, monotonous beauty. It is a space where darkness advances, relentlessly engulfing the landscape as if it were Avernus itself.

Are we speaking of segmented beauty? Perhaps. But the image is, above all, an indivisible whole with a powerful narrative. One that stretches from the radiant promise of a smiling life, to its inevitable and gradual biological extinction.

Dosmilcien

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