#DESIGN - The Dark Side of the Moon

 This is the ultimate expression. Against a background of absolute darkness, a prism decomposes white light into the chromatic spectrum that surrounds us. There is no concept purer or more basic to illustrate Pink Floyd's musical genius in The Dark Side of the Moon.

When I saw this cover for the first time, it was impossible for me not to buy the album. Just as its design conveyed to me, the music made me think, dream, feel moved, and, above all, project an idyllic future. The creator of such a masterpiece was the illustrator George Hardie, under the direction of the legendary graphic design collective Hipgnosis. The result is a work that is simple, direct, reflective, striking, and hypnotic; in short, a true direct hit to the waterline of our senses.

There was a time, now a bit distant, when designing vinyl record covers was an art reserved only for a chosen few. Through the cover, the listener could sense the sonic universe hidden inside the vinyl. It was a massive advertising challenge: the designer had to sell something conceptual, a purely auditory and emotional experience that could not be touched or quantified. Making music enter through the eyes... now that was the true art of design.

Dosmilcien

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#DISEÑO - La cara oculta de la luna

 

Esto es el no va más. Sobre un fondo de oscuridad absoluta, un prisma descompone la luz blanca en el espectro cromático que nos rodea. No existe un concepto más puro ni más básico para ilustrar la genialidad musical de Pink Floyd en The Dark Side of the Moon (La cara oculta de la luna).

Cuando vi esta portada por primera vez, me resultó imposible no comprar el álbum. Tal como me lo transmitía su diseño, la música me hizo pensar, soñar, emocionarme y, sobre todo, proyectar un futuro idílico. El creador de semejante obra de arte fue el ilustrador George Hardie, bajo la dirección del legendario colectivo de diseño gráfico Hipgnosis. El resultado es un trabajo sencillo, directo, reflexivo, llamativo e hipnótico; en definitiva, una auténtica bomba a la línea de flotación de nuestros sentidos.

Hubo un tiempo, que ya nos queda un poco lejano, en el que diseñar las carátulas de los discos de vinilo era un arte reservado solo para unos pocos elegidos. A través de la portada, el oyente intuía el universo sonoro que se escondía en el interior del vinilo. Era un reto publicitario descomunal: el diseñador tenía que vender algo conceptual, una experiencia puramente auditiva y emocional que no se podía tocar ni cuantificar. Lograr que la música entrara por los ojos... eso sí que era el verdadero arte del diseño.

Texto de: Dosmilcien, "!==, MMC, 2100 

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210 - #PHOTOGRAPHY - Lines by Dosmilcien

 Lines and angles in the sky and on the ground. Geometries that surround us and coexist with us like a silent creative act. I have said it many times: we live under the subtle imposition of the right angle, a structure that offers little—or perhaps too much—to our imagination.

In this photograph, however, everything is harmony. Aside from the straight line (that monotonous element which, paradoxically, relaxes), the image contrasts with nature. A nature untouched by human intervention, inhabiting a spontaneous yet mathematical world, free from the artificial harmony we have had to invent to design and build our things.

I do not see it as a confrontation; there are no rules of engagement here. It is a complement. An intimate dialogue between God and human beings, where nature, from time to time, becomes revolutionary to reclaim what is hers.

In the end, we only occupy a borrowed space that we alter for our own comfort. A beautiful and constant struggle for survival.

Dosmilcien

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210 - #FOTOGRAFÍA - Líneas por Dosmilcien

 Líneas y ángulos en el cielo y en el suelo. Geometrías que nos rodean y conviven con nosotros como un acto creativo silencioso. Lo he dicho muchas veces: vivimos bajo la sutil imposición del ángulo recto, una estructura que ofrece poco —o quizás demasiado— a nuestra imaginación.

Aparte de la línea recta (ese elemento monótono que, paradójicamente, relaja), la imagen contrasta con la naturaleza. Una naturaleza ajena a la intervención humana, que habita un mundo espontáneo pero matemático, libre de la armonía artificial que hemos tenido que inventar para diseñar y construir nuestras cosas.

No lo veo como un enfrentamiento; no hay reglas de combate aquí. Es un complemento. Un diálogo íntimo entre Dios y el ser humano, donde la naturaleza, de vez en cuando, se vuelve revolucionaria para reclamar lo que es suyo. 

Al final, solo ocupamos un espacio prestado que alteramos para nuestro propio confort. Una hermosa y constante lucha por la supervivencia. esta fotografía, sin embargo, todo es armonía. 

Dosmilcien, "!==, 2100, MMC

@iarte2

#PINTURA - Fuego en la luna por Paul Klee

Ya conocemos a Paul Klee, el maestro que convirtió el color y la línea en pura geometría. Pero más allá de su técnica, Klee fue un pintor de transiciones: un capturador de ocasos, de amaneceres y, como en este caso, de noches magnéticas. Aquí, la naturaleza se somete al orden y a la armonía de la geometría para darnos una lección de equilibrio ancestral.

En Fuego en la luna, nos enfrentamos a un duelo de titanes lumínicos. Por un lado, una luna llena —propia de leyendas, lobos, partos y noches de misterio— inunda el lienzo; por el otro, una hoguera terrenal compite en protagonismo con el satélite. Es una escena que evoca inevitablemente  una noche de brujas, donde los elementos desvelan secretos ocultos.

A través de sus tonos oscuros, Klee nos traslada a una noche gélida de invierno. Un escenario estático, sin canto de pájaros, donde el silencio absoluto solo se ve interrumpido por el ulular de un viento helador del norte. Una obra de recogimiento, misticismo y el lienzo perfecto para invocar a esos otros mundos que se nos escapan.

Texto de: Dosmilcien, "!==, 2100, MMC

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#PAINTING - Fire in the Moon by Paul Klee

 We already know Paul Klee, the master who transformed color and line into pure geometry. But beyond his technique, Klee was a painter of transitions: a capturer of sunsets, dawns, and, as in this case, magnetic nights. Here, nature submits to the order and harmony of geometry to give us a lesson in ancestral balance.

In Fire in the Moon, we face a duel of luminous titans. On one side, a full moon—the kind associated with legends, wolves, births, and nights of mystery—floods the canvas; on the other, an earthly bonfire competes with the satellite for center stage. It is a scene that inevitably evokes a witches' night, where the elements unveil hidden secrets.

Through his dark tones, Klee transports us to a freezing winter night. A static setting, devoid of birdsong, where the absolute silence is only interrupted by the howling of a freezing north wind. A work of contemplation, mysticism, and the perfect canvas to invoke those other worlds that elude us.

Dosmilcien

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209 - #PHOTOGRAPHY - Diagonal Planets by Dosmilcien

 

Life on a diagonal, reading on a diagonal, planets on a diagonal... What begins as a wordplay transforms into a logical evolution that carries me away on a dreamlike journey. I visualize aligned worlds, interconnected within the universe's grand frame by that dark matter dwelling in the most distant firmaments; planets situated right at the final frontier, as the great Carl Sagan would say. In art and photography, the diagonal breaks monotony, brings dynamism, and generates tension. In the cosmos, it seems to hold the stars in a perfect balance. It is a sacred geometry proving that, as Albert Einstein beautifully put it, "God does not play dice." In the universe, just as in a great work of art, everything is arranged with intention and under a perfect composition. And it is within that constant search for order inside chaos where I choose to stay.

Dosmilcien

209 - #FOTOGRAFÍA - Planetas diagonales de Dosmilcien

 

La vida en diagonal, lecturas en diagonal, planetas en diagonal... Lo que empieza como un juego de palabras se convierte en una evolución lógica que me transporta a un viaje onírico. Visualizo mundos alineados, interconectados en el gran encuadre del universo por esa materia oscura que habita en los firmamentos más lejanos; planetas situados justo en la última frontera, como diría el gran Carl Sagan.

En el arte y la fotografía, la diagonal rompe la monotonía, aporta dinamismo y genera tensión. En el cosmos, parece sostener a los astros en un equilibrio perfecto. Es una geometría sagrada que nos demuestra que, como bien decía Albert Einstein, "Dios no juega a los dados". En el universo, como en una buena obra, todo está dispuesto con una intención y bajo una composición perfecta.

Y es en esa constante búsqueda del orden dentro del caos es donde decido quedarme.

Dosmilcien, "!==, 2100, MMC

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#FOTOGRAFÍA #ARQUITECTURA - Edificio en Procida, Napoles 1968, por Paolo Monti

 

En el artículo de hoy nos sumergiremos en esa delgada línea donde la fotografía y la arquitectura se funden en una sola disciplina artística. En primer lugar, debemos hablar del gran maestro de la luz y el volumen: Paolo Monti. Este excepcional fotógrafo italiano avanzó de la mano de su cámara al mismo ritmo que el Movimiento Moderno transformaba las ciudades. Su mirada era tan precisa y estratégica que el propio gobierno italiano lo contrató para documentar los edificios más singulares del país, convirtiéndose además en un colaborador habitual de las revistas de arquitectura más influyentes de la época. Por esta entrega absoluta a su disciplina, el presidente de la república, Sandro Pertini, le otorgó en 1980 el prestigioso premio nacional Umberto Zanotti Bianco.

Y ahora, detengámonos en la joya que ilustra estas líneas. Al observar este singular edificio de la isla de Procida, descubrimos una realidad fascinante: no ha sido diseñado por ningún gran estudio de arquitectura, ni responde a los planos de un arquitecto académico. Lo que vemos es obra del pueblo. Es una estructura moldeada de forma orgánica durante décadas; una suma de estratos donde los habitantes añadían pisos y más pisos a medida que crecían sus necesidades de espacio. Estamos ante un diseño caótico, completamente ajeno a las reglas simétricas, lineales o abstractas de la arquitectura más ortodoxa. Yo lo catalogo como un "edificio termita". Curiosamente, por sus formas sinuosas y su plasticidad, bien podría haber sido imaginado por el mismísimo Antoni Gaudí en aquella efervescente Barcelona de 1920. Sin embargo, las etiquetas académicas definen este estilo anárquico de construir como arquitectura espontánea o vernácula. Una suerte de caverna vertical y primitiva donde cada nivel se sostiene gracias al esfuerzo estructural del piso de abajo.

Cuando observo detenidamente la fuerza de esta fotografía de Monti, es inevitable que mi mente viaje de inmediato a Barcelona. Me conecta directamente con un edificio icónico de la ciudad condal que, por alguna misteriosa razón visual o espiritual, resuena con la misma energía de la imagen que os comparto hoy. ¿A vosotros también os despierta esa misma conexión?

In today's article, we will dive into that thin line where photography and architecture merge into a single artistic discipline. First, we must talk about the great master of light and volume: Paolo Monti. This exceptional Italian photographer advanced hand in hand with his camera at the same pace as the Modern Movement transformed cities. His gaze was so precise and strategic that the Italian government itself hired him to document the country's most unique buildings, and he also became a regular contributor to the most influential architecture magazines of the time. For this absolute dedication to his discipline, the president of the republic, Sandro Pertini, awarded him the prestigious Umberto Zanotti Bianco national prize in 1980.

And now, let’s pause at the gem that illustrates these lines. When observing this unique building on the island of Procida, we discover a fascinating reality: it was not designed by any major architecture firm, nor does it follow the blueprints of an academic architect. What we see is the work of the people. It is a structure organically molded over decades; a sum of layers where the inhabitants added floors and more floors as their space requirements grew. We are looking at a chaotic design, completely alien to the symmetrical, linear, or abstract rules of the most orthodox architecture. I catalog it as a "termite building." Interestingly, due to its sinuous shapes and plasticity, it could well have been imagined by Antoni Gaudí himself in that effervescent Barcelona of 1920. However, academic labels define this anarchic style of building as spontaneous or vernacular architecture. A sort of vertical and primitive cavern where each level is supported thanks to the structural effort of the floor below.

When I carefully observe the power of this photograph by Monti, it is inevitable for my mind to ionammediately travel to Barcelona. It connects me directly with an iconic building in the city that, for some mysterious visual or spiritual reason, resonates with the same energy as the image I am sharing with you today. Does it awaken that same connection in you as well?

在今天的文章中，我们将一同探寻摄影与建筑融为一体的那条微妙界线。首先，我们必须谈谈光影与空间体积的大师——保罗·蒙蒂（Paolo Monti）。这位杰出的意大利摄影师用他的镜头，紧紧跟随现代主义运动改造城市的步伐。他的视角如此精准且具战略性，以至于意大利政府亲自聘请他来记录该国最独特的建筑，他也因此成为当时最具影响力的建筑杂志的资深合作者。由于对这一领域的绝对奉献，共和国总统桑德罗·佩尔蒂尼于1980年授予他著名的“温贝托·扎诺蒂·比安科”（Umberto Zanotti Bianco）国家奖。

现在，让我们把目光投向为本文配图的那件瑰宝。当观察普罗奇达岛（Procida）上这座独特的建筑时，我们发现了一个迷人的现实：它并非出自任何大型建筑事务所之手，也不符合学院派建筑师的蓝图。我们所看到的，是人民的杰作。这是一个在数十年间有机塑造的结构，是层层堆叠的产物，居民们随着对空间需求的增长而不断加盖楼层。这是一个混乱的设计，完全脱离了最正统建筑的对称、线性或抽象规则。我把它归类为“白蚁式建筑”。有趣的是，由于其蜿蜒的形状和可塑性，它完全可能由安东尼·高迪（Antoni Gaudí）本人在1920年那座生机勃勃的巴塞罗那所构思。然而，学术界将这种无政府主义式的建造风格定义为“自发性建筑”或“乡土建筑”。这就像是一种垂直而原始的洞穴，每一层都依靠下一层的结构支撑来维持。

当我仔细审视蒙蒂这幅摄影作品的力量时，我的思绪不禁立刻飞到了巴塞罗那。它直接将我与这座城市的一座地标性建筑联系在一起，由于某种神秘的视觉或心灵原因，那座建筑与我今天与大家分享的画面散发着相同的共鸣。它是否也唤起了你们心中同样的共鸣呢？

Dans l'article d'aujourd'hui, nous allons plonger dans cette frontière ténue où la photographie et l'architecture se fondent en une seule et même discipline artistique. En premier lieu, nous devons parler du grand maître de la lumière et du volume : Paolo Monti. Cet exceptionnel photographe italien a évolué, boîtier à la main, au même rythme que le Mouvement Moderne transformait les villes. Son regard était si précis et stratégique que le gouvernement italien lui-même l'a engagé pour documenter les édifices les plus singuliers du pays, faisant de lui un collaborateur régulier des revues d'architecture les plus influentes de l'époque. Pour ce dévouement absolu à sa discipline, le président de la République, Sandro Pertini, lui a décerné en 1980 le prestigieux prix national Umberto Zanotti Bianco.

Et maintenant, arrêtons-nous sur le joyau qui illustre ces lignes. En observant ce singulier édifice de l'île de Procida, on découvre une réalité fascinante : il n'a été conçu par aucun grand cabinet d'architecture, et ne répond pas non plus aux plans d'un architecte académique. Ce que nous voyons est l'œuvre du peuple. C'est une structure façonnée de manière organique au fil des décennies ; une somme de strates où les habitants ajoutaient des étages et encore des étages au fur et à mesure que leurs besoins d'espace grandissaient. Nous sommes face à un design chaotique, complètement étranger aux règles symétriques, linéaires ou abstraites de l'architecture la plus orthodoxe. Je le qualifie d'« immeuble-termitière ». Curieusement, par ses formes sinueuses et sa plasticité, il aurait très bien pu être imaginé par Antoni Gaudí lui-même dans cette Barcelone effervescente de 1920. Cependant, les étiquettes académiques définissent ce style de construction anarchique comme de l'architecture spontanée ou vernaculaire. Une sorte de caverne verticale et primitive où chaque niveau se soutient grâce à l'effort structurel de l'étage inférieur.

Lorsque j'observe attentivement la force de cette photographie de Monti, il est inévitable que mon esprit voyage immédiatement à Barcelone. Elle me connecte directement à un bâtiment emblématique de la ville qui, pour une mystérieuse raison visuelle ou spirituelle, résonne avec la même énergie que l'image que je partage avec vous aujourd'hui. Cette même connexion s'éveille-t-elle aussi en vous ?

Texto de: Dosmilcien. "!==, 2100, MMC

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#FOTOGRAFÍA - Morante por Víctor Rodríguez para el diario ABC

 

Hoy me ha dado por traer aquí algo que es inusual en esta página de arte y de, de todo un poco. Esta maravillosa portada para el diario español ABC está realizada por Víctor Rodríguez y, en cuanto la vi, sabía que debía destacarse de algún modo en este humilde blog.

Ella misma lo dice todo. Es una captura que defiende el mundo de la tauromaquia sin decir absolutamente una palabra. La gran pose de Morente, ese torero que levanta pasiones y contradicciones, me dice, me transmite, que ha nacido para el bello arte de la imagen y de las puestas en escena magistrales.

Morente mira a no se sabe muy bien qué, concentrado en la próxima faena que está por empezar, y que, entre devoción y nervios, predispone al diestro a enfrentarse a la muerte sin olvidar que también  hay algo de superchería milenaria . La luz natural es la justa y las sombras que existen las produce el sombrero cordobés que cubre su cabeza como única protección de lo que está por venir. Le da señorío, le da altivez, le da algo de lejanía, le da algo de ser una especie de dios que encarna lo ancestral de este mal llamado arte.

Es una fotografía con alma, con alma taurina, que respira españolidad por sus cuatro costados, en donde el torero encarna la magia que tienen las tradiciones imbricadas todas ellas en la cultura en la que muchos de nosotros hemos estado sumergidos durante décadas como lo único y bello que hay en este mundo.

Today, I’ve decided to bring something here that is unusual for this page about art and, well, a bit of everything. This wonderful cover for the Spanish newspaper ABC was created by Víctor Rodríguez and, the moment I saw it, I knew it had to be featured somehow on this humble blog.

It speaks for itself. It is a shot that defends the world of bullfighting without uttering a single word. The grand pose of Morente—a bullfighter who arouses both passion and contradiction—tells me, conveys to me, that he was born for the beautiful art of imagery and masterful staging.

Morente gazes at something unknown, deeply focused on the upcoming faena that is about to begin. Amid devotion and nerves, this predisposes the diestro to face death, without forgetting that there is also a touch of ancient superstition involved. The natural light is just right, and the existing shadows are cast by the cordobés hat covering his head, his sole protection against what is to come. It lends him majesty, haughtiness, a certain aloofness; it makes him look somewhat like a god embodying the ancestral nature of this wrongly named art.

It is a photograph with a soul—a bullfighting soul—that exudes Spanishness from every angle, where the bullfighter embodies the magic of traditions deeply woven into a culture in which many of us have been immersed for decades, viewing it as the only beautiful thing in this world.

今天，我想在这里分享一些对于这个聊聊艺术、聊聊生活杂感的小天地来说颇为罕见的内容。这张为西班牙《ABC》报设计的绝美封面出自维克多·罗德里格斯（Víctor Rodríguez）之手。当我看到它的第一眼，就知道它必须以某种方式在这个卑微的博客中占有一席之地。

画面本身胜过千言万语。这张抓拍未着一字，却有力地捍卫了斗牛的世界。莫伦特（Morente）——这位既让人狂热崇拜又饱受争议的斗牛士——他的绝佳姿态向我诉说并传达着：他仿佛天生就是为了影像的优美艺术和大师级的舞台调度而生的。

莫伦特的目光凝聚在虚空中的某处，全神贯注于即将开始的下一场下场表演（faena）。在虔诚与紧张交织的情绪中，这种状态让这位“右利手”（diestro，对斗牛士的尊称）在直面死亡的同时，也未曾忘记其中夹杂着的一丝千年来流传的迷信色彩。自然光线恰到好处，仅有的阴影由他头戴的科尔多瓦帽（sombrero cordobés）投下，这也是他面对未知前路的唯一防护。这顶帽子赋予了他高贵、傲岸与一丝疏离感，让他宛如神明，化身为这项被误称为“艺术”的古老传统的缩影。

这是一张有灵魂的照片，一张拥有斗牛之魂的照片。它从每一个角落都散发着纯正的西班牙风情。在这里，斗牛士化身为了传统的魔力本身，而这些传统早已深深交织在文化之中——数十年来，我们之中的许多人都浸淫在这种文化里，将其视作这个世界上独一无二的美好存在。

ujourd'hui, j'ai eu envie d'apporter ici quelque chose d'inhabituel pour cette page dédiée à l'art et, enfin, à un peu de tout. Cette magnifique couverture pour le journal espagnol ABC a été réalisée par Víctor Rodríguez et, dès que je l'ai vue, j'ai su qu'elle devait être mise en valeur d'une manière ou d'une autre sur ce humble blog.

Elle se suffit à elle-même. C'est un cliché qui défend le monde de la tauromachie sans dire absolument un mot. La superbe posture de Morente, ce torero qui suscite autant de passions que de contradictions, me dit, me transmet qu'il est né pour l'art de l'image et des mises en scène magistrales.

Morente regarde on ne sait trop quoi, concentré sur la prochaine faena qui est sur le point de commencer, et qui, entre dévotion et nervosité, prédispose le diestro à affronter la mort sans oublier qu'il y a là aussi une part de superstition millénaire. La lumière naturelle est juste ce qu'il faut, et les ombres existantes sont produites par le chapeau cordouan qui couvre sa tête comme unique protection face à ce qui est à venir. Cela lui donne de la prestance, de la hauteur, une certaine distance ; cela lui donne l'air d'une sorte de dieu qui incarne le caractère ancestral de ce mal nommé art.

C'est une photographie avec une âme, une âme taurine, qui respire l'espagnolité par tous ses pores, où le torero incarne la magie de traditions imbriquées dans cette culture au sein de laquelle beaucoup d'entre nous ont été immergés pendant des décennies, comme la seule chose unique et belle qui existe en ce monde.

Texto de Dosmilcien, "!==, MMC, 2100

@iarte.bsky.social

208 #FOTOGRAFÍA - Aparentemente no es nada por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Apparently, it is nothing by Dosmilcien + #摄影 - 《表面上看，这似乎微不足道》—— Dosmilcien 著 +#PHOTOGRAPHIE - Apparemment, ce n'est rien par Dosmilcien

 

Aparentemente no es nada: una naturaleza muerta, unas sombras chinescas proyectadas en este paisaje visual; un jarrón, una vela y poco más. Sin embargo, la majestuosidad del espejo nos devuelve, desde uno de sus rincones, el origen de esa luz natural que dota de color y brillo a la fotografía.

Es un bodegón extraño, desprovisto de fruta. En su lugar, reposa un ramo de flores secas, vestigio de algún regalo o celebración familiar. El escenario de esta composición es una mesa que ha sido testigo de encuentros entrañables entre amigos y seres queridos; un espacio donde el buen comer y la risa franca siempre logran expiar los pesares del mundanal ruido.

Este es mi rincón —nuestro sitio—, el lugar donde ahora pacen, plácidos, esos objetos inanimados con los que hoy, desde la pausa y el silencio, he intentado hacer algo de arte.

Apparently, it is nothing: a still life, shadow puppets projected onto this visual landscape; a vase, a candle, and little else. However, the majesty of the mirror returns to us, from one of its corners, the origin of that natural light that endows the photograph with color and brilliance.

It is an strange still life, devoid of fruit. In its place rests a bouquet of dried flowers, the vestige of some gift or family celebration. The setting for this composition is a table that has witnessed intimate gatherings among friends and loved ones; a space where good food and heartfelt laughter always manage to expiate the sorrows of the madding crowd.

This is my corner —our place—, the spot where those inanimate objects now placidly graze, and with which today, from a place of pause and silence, I have tried to create a piece of art.

表面上看，这似乎微不足道：一幅静物画，投射在这片视觉风景中的皮影残影；一个花瓶，一支蜡烛，仅此而已。然而，镜子的壮丽感从其一角折射出那道自然光的源头，正是它赋予了这张照片色彩与光芒。

这是一个奇特的静物组合，没有水果。取而代之的是一束枯萎的花，那是某份礼物或某次家庭庆典留下的痕迹。这幅构图的舞台是一张承载了朋友与至亲间温馨相聚的桌子；在这个空间里，美食与爽朗的笑声总能洗涤尘世喧嚣带来的忧伤。

这是我的角落——我们的天地。此时此刻，那些静止的物件正安详地伫立在这里。今天，在这份停顿与静谧中，我试图用它们创造出些许艺术。

Apparemment, ce n'est rien : une nature morte, des ombres chinoises projetées sur ce paysage visuel ; un vase, une bougie et un peu plus. Pourtant, la majesté du miroir nous renvoie, depuis l'un de ses coins, l'origine de cette lumière naturelle qui donne à la photographie sa couleur et son éclat.

C'est une nature morte étrange, dépourvue de fruits. À leur place repose un bouquet de fleurs séchées, vestige d'un cadeau ou d'une célébration familiale. Le décor de cette composition est une table qui a été le témoin de rencontres chaleureuses entre amis et proches ; un espace où la bonne chère et le rire franc parviennent toujours à expier les peines du bruit de ce monde.

C'est mon coin —notre endroit—, le lieu où paissent désormais, paisibles, ces objets inanimés avec lesquels aujourd'hui, depuis la pause et le silence, j'ai tenté de faire un peu d'art.

Dosmilcien, "!==, 2100, MMC

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