195 - #FOTOGRAFÍA - Menú del día por Dosmilcien + #PHOTOGRAPHY - Daily Menu by Dosmilcien + #PHOTOGRAPHIE - Menu du jour par Dosmilcien + #摄影 - 今日菜单 | Dosmilcien 作品

 

El arte consiste en jugar con los volúmenes: someterlos a tensión, casi dictar su comportamiento mediante una programación visual. Mi obra actual habita en esa frontera donde el minimalismo se funde con el rigor geométrico, articulando un discurso de colores vibrantes que emergen sobre una base de tonos pastel.

Más que un ejercicio estético, se trata de una composición conceptual. En ella, busco interferir en el diálogo entre la naturaleza virgen y la intervención humana, planteando una cuestión ancestral: ¿qué nació primero, el hambre o la herramienta?

Quizás —solo quizás— mi pincel retrocede hasta los primeros homínidos, cuando el nomadismo era la única respuesta al mundo. En aquel entonces no existía la agricultura, y la "Madre Tierra" proveía el sustento vital de forma orgánica. Sin embargo, con el tiempo llegó el sedentarismo, la domesticación y la ocupación del espacio y el nacimiento de la técnica: esas primeras herramientas diseñadas para arañar la tierra y arrancar de ella el fruto del esfuerzo.

Hoy, me pregunto: ¿estamos ante el neopaleolítico del siglo XXI? Es muy posible. Mi obra es ese rastro, esa nueva herramienta que intenta descifrar nuestra relación con lo que nos rodea.

Art is about playing with volumes: subjecting them to tension, almost dictating their behavior through visual programming. My current work inhabits that frontier where minimalism merges with geometric rigor, articulating a discourse of vibrant colors that emerge from a base of pastel tones.

More than an aesthetic exercise, it is a conceptual composition. In it, I seek to interfere in the dialogue between virgin nature and human intervention, raising an ancestral question: which came first, hunger or the tool?

Perhaps —just perhaps— my brush retreats to the first hominids, when nomadism was the only response to the world. Back then, agriculture did not exist, and "Mother Earth" provided vital sustenance organically. However, over time came sedentary lifestyles, the domestication and occupation of space, and the birth of technique: those first tools designed to scratch the earth and tear from it the fruit of hard labor.

Today, I wonder: Are we facing the Neo-Paleolithic of the 21st century? It is very possible. My work is that trace, that new tool trying to decipher our relationship with everything that surrounds us.

L'art consiste à jouer avec les volumes : les soumettre à une tension, presque dicter leur comportement à travers une programmation visuelle. Mon œuvre actuelle habite cette frontière où le minimalisme se fond dans la rigueur géométrique, articulant un discours de couleurs vibrantes qui émergent sur une base de tons pastel.

Plus qu'un exercice esthétique, il s'agit d'une composition conceptuelle. À travers elle, je cherche à interférer dans le dialogue entre la nature vierge et l'intervention humaine, en posant une question ancestrale : qui est né en premier, la faim ou l'outil ?

Peut-être —seulement peut-être— mon pinceau remonte-t-il aux premiers hominidés, quand le nomadisme était la seule réponse au monde. À cette époque, l'agriculture n'existait pas et la « Terre Mère » fournissait la subsistance vitale de manière organique. Cependant, avec le temps est venu le sédentarisme, la domestication et l'occupation de l'espace, ainsi que la naissance de la technique : ces premiers outils conçus pour gratter la terre et en arracher le fruit de l'effort.

Aujourd'hui, je me demande : sommes-nous face au Néo-paléolithique du XXIe siècle ? C'est fort possible. Mon œuvre est cette trace, ce nouvel outil qui tente de déchiffrer notre relation avec ce qui nous entoure.

艺术在于对体积的博弈： 赋予其张力，甚至通过视觉程序来设定其行为。我目前的作品存在于极简主义与几何严谨性融合的边界，在淡雅的色调之上，通过鲜艳的色彩表达出一种对话。

这不仅是一次审美练习，更是一次概念性的构图。在此，我试图干预原始自然与人类干预之间的对话，提出一个古老的问题：是先有饥饿，还是先有工具？

或许——仅仅是或许——我的画笔追溯到了早期的人类，那时游牧是生存的唯一方式。当时还没有农业，“大地母亲”以有机的方式提供生命所需的所有养分。然而，随着时间的推移，定居生活、对空间的驯化与占领以及技术的诞生随之而来：那些最初的工具被设计用来抓挠土地，从中攫取劳动的果实。

今天，我不禁自问：我们是否正面临21世纪的新旧石器时代？ 很有可能。我的作品就是那道痕迹，是试图破译我们与周围世界关系的新工具。

Dosmilcien

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ARTE DIGITAL - Esquema de los estudios de futuros por Leonard Zinovyev + DIGITAL ART - Outline of Futures Studies by Leonard Zinovyev + ART NUMÉRIQUE - Esquisse des études de futurs par Leonard Zinovyev +数字艺术 - 列昂纳德·齐诺维耶夫的未来学研究大纲

 

 

El arte digital posee esa capacidad de conmovernos: nos atrapa y nos sumerge en un estado de profunda introspección. Esta imagen, en particular, me resulta fantasmagórica; posee un misterio intrínseco que parece desvelar la cara oculta de nuestra condición humana. Es algo que se intuye pero no se termina de comprender, algo tan etéreo como el alma misma. Esa falta de nitidez, sumada a los colores electrónicos en un entorno que oscila entre lo familiar y lo desconocido, genera una perturbación fascinante.

Leonard Zinovyev se erige como un maestro indiscutible de esta disciplina. Su innovación es tal que proyecta un arte que se siente infinito. Al adentrarnos en su fotografía experimental, desciframos los enigmas de este campo: mensajes ultracontemporáneos y universos oníricos que nos exigen, casi por obligación, una interpretación activa.

Si la Mona Lisa nos remitía a la teatralidad —con esa sonrisa que bascula entre la tragedia y la comedia—, la obra de Zinovyev nos sitúa en un umbral similar, pero definido por la tensión entre el movimiento y la quietud. Su minimalismo, lejos de simplificar, alimenta un halo de misterio que nos confunde y nos atrae a partes iguales.

Digital art possesses that capacity to move us: it captures us and plunges us into a state of profound introspection. This image, in particular, strikes me as phantasmagorical; it possesses an intrinsic mystery that seems to reveal the hidden side of our human condition. It is something sensed but not fully understood, something as ethereal as the soul itself. That lack of sharpness, combined with electronic colors in an environment that oscillates between the familiar and the unknown, creates a fascinating perturbation.

Leonard Zinovyev stands as an indisputable master of this discipline. His innovation is such that he projects an art that feels infinite. As we delve into his experimental photography, we decipher the enigmas of this field: ultra-contemporary messages and dreamlike universes that demand, almost by obligation, an active interpretation.

If the Mona Lisa referred us to theatricality—with that smile that teeters between tragedy and comedy—Zinovyev's work places us on a similar threshold, but one defined by the tension between movement and stillness. His minimalism, far from simplifying, feeds a halo of mystery that both confuses and attracts us in equal measure.

L’art numérique possède cette capacité de nous émouvoir : il nous captive et nous plonge dans un état de profonde introspection. Cette image, en particulier, me semble fantasmagorique ; elle possède un mystère intrinsèque qui semble révéler la face cachée de notre condition humaine. C’est quelque chose que l’on pressent mais que l’on ne finit pas de comprendre, quelque chose d’aussi éthéré que l’âme elle-même. Ce manque de netteté, ajouté aux couleurs électroniques dans un environnement qui oscille entre le familier et l’inconnu, génère une perturbation fascinante.

Leonard Zinovyev s'impose comme un maître incontesté de cette discipline. Son innovation est telle qu'il projette un art qui semble infini. En nous immergeant dans sa photographie expérimentale, nous décryptons les énigmes de ce domaine : des messages ultra-contemporains et des univers oniriques qui nous imposent, presque par obligation, une interprétation active.

Si la Joconde nous renvoyait à la théâtralité — avec ce sourire qui bascule entre la tragédie et la comédie —, l'œuvre de Zinovyev nous place sur un seuil similaire, mais défini par la tension entre le mouvement et l'immobilisme. Son minimalisme, loin de simplifier, nourrit un halo de mystère qui nous déroute et nous attire à parts égales.

数字艺术拥有动人心魄的力量：它捕捉我们的思绪，让我们陷入深沉的反思。特别是这张图像，带给我一种如梦似幻的感觉；它蕴含着一种内在的神秘感，似乎揭示了人类境况中隐藏的一面。这是一种可以直觉感受到却无法完全理解的存在，如同灵魂一般飘渺。这种模糊感，结合在熟悉与陌生之间摆动的电子色彩，产生了一种令人着迷的扰动。

列昂纳德·齐诺维耶夫 (Leonard Zinovyev) 是这一领域公认的大师。他的创新如此之深，以至于他所展现的艺术让人感到永无止境。当我们深入研究他的实验摄影时，我们解读了这一领域的谜团：超当代的讯息和梦幻般的宇宙，几乎在强迫我们进行主动的解读。

如果说《蒙娜丽莎》通过那抹游走于悲剧与喜剧之间的微笑将我们引向戏剧感，那么齐诺维耶夫的作品则将我们置于类似的门槛上，但这种感觉是由动与静之间的张力所定义的。他的极简主义非但没有简化一切，反而滋养了一层神秘的光环，让我们在困惑与被吸引之间流连忘返。

Texto de Dosmilcien / @dosmicien.bsky.social

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#PINTURA - El minimalismo de Miguel Ángel Rodríguez Silva + #PAINTING - The Minimalism of Miguel Ángel Rodríguez Silva

 Miguel Ángel Rodríguez Silva se erige como un fervoroso militante del minimalismo más esencial y combativo. Su compromiso no es otro que una defensa rigurosa de esta corriente como vía para alcanzar la máxima capacidad plástica con el mínimo de recursos materiales, lo cual incluye, de manera crucial, la contención en el uso del color.

La obra de Rodríguez Silva se presenta desnuda de artificios; es lo que el espectador ve, libre de fuegos artificiales o cualquier tipo de barroquismo. Esta austeridad lo sitúa, legítimamente, en la estela del suprematismo y de los pioneros de la abstracción geométrica.

Al contemplar estas dos piezas, surge la pregunta: ¿qué observamos realmente? Es, a mi juicio, el eco de una escultura de hierro llevada al lienzo en su expresión más mínima. Si bien la sencillez formal puede inducir a pensar que su ejecución es trivial, esta percepción es errónea. La aparente facilidad desmiente la necesidad de una profunda intención, un dominio técnico preciso y una clara conceptualización. El resultado es arte en estado puro, un ejercicio de contemplación que no busca narrar ni proponer una tesis explícita.

La primera pintura ejemplifica un encaje perfecto de módulos pintados, cuya precisión geométrica evoca la labor de un fresador experto en metal. La segunda, por su parte, sugiere unas ranuras o hendiduras colocadas con exactitud matemática sobre una superficie. En efecto, tanto el suprematismo como la abstracción geométrica se fundamentan en el orden, siendo un arte matemático, casi una ciencia pura.

Ambas obras convergen en su enfoque, destacando la sencillez cromática. Sus paletas, sin ser estrictamente básicas, se aproximan a la esencialidad. En esencia, estamos ante la armonía, ante un monocorde pictórico destinado al disfrute estético de la sensibilidad humana.

Miguel Ángel Rodríguez Silva stands as an ardent militant of the most essential and combative minimalism. His commitment is none other than a rigorous defense of this movement as a path to achieve the maximum plastic capacity with the minimum of material resources, which crucially includes restraint in the use of color.

Rodríguez Silva’s work is presented stripped bare of artifice; it is simply what the viewer sees, free from fireworks or any type of Baroque excess. This austerity places him, quite legitimately, in the tradition of Suprematism and the pioneers of geometric abstraction.

Upon contemplating these two pieces, the question arises: what are we truly observing? It is, in my judgment, the echo of an iron sculpture brought to the canvas in its most minimal expression. Although the formal simplicity might lead one to believe its execution is trivial, this perception is misleading. The apparent ease belies the need for a profound intention, precise technical mastery, and clear conceptualization. The result is art in its purest state, an exercise in contemplation that seeks neither to narrate nor to propose an explicit thesis.

The first painting exemplifies a perfect interlocking of painted modules, whose geometric precision evokes the work of an expert metal miller. The second, for its part, suggests grooves or indentations placed with mathematical exactitude upon a surface. Indeed, both Suprematism and geometric abstraction are fundamentally based on order, being a mathematical art, almost a pure science.

Both works converge in their approach, highlighting the chromatic simplicity. Their palettes, while not strictly basic, approach essentiality. In essence, we are before harmony, before a pictorial monochord intended for the aesthetic enjoyment of human sensibility.

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171 - #FOTOGRAFÍA - CUADRO LUMINISCENTE + #PHOTOGRAPH - LUMINESCENT PAINTING:

Los cuerpos que emiten luz propia se les conoce como luminiscentes, y esta imagen hace lo mismo, emite luz en una escala de grises. Esta mirada es al interior de cada uno de nosotros. Los seres humanos somos capaces de emitir luz, una luz que no se ve, o no la quieren ver, y que transmite lo que somos interiormente cada uno de nosotros.

Este rectángulo vertical está en un amplio marco de madera que hace que su luz sobresalga de su oscuridad de forma tímida; por eso la escala de grises, es, simple y llanamente, eso: una imagen minimalista, porque creo que en la sencillez se encuentran encerrados todos los secretos, incluso los más inconfesables. Miramos, nos absorbe, nos lleva a mundos que nuestra imaginación es capaz de crear, por lo tanto son momentos placenteros, mientras nos aísla del mundanal ruido, subyugados a su voluntad, mientras el tiempo pasa despacio o deprisa por nuestra mente en ese gran viaje de nuestras vidas.

Bodies that emit their own light are known as luminescent, and this image does the same, emitting light in a spectrum of grays in, let's say, an incipient way. This is a calm gaze into the depths of each of us. We, as human beings, are capable of emitting light—a light that can't be seen, or that people don't want to see, and that conveys who each of us truly is.

This vertical rectangle is set in a large wooden frame that causes its light to shyly emerge from the darkness. That's why the gray scale is, simply and plainly, just that: a minimalist image. I believe that all secrets, even the most unconfessable ones, are contained within simplicity. We look at it, and it absorbs us, taking us to worlds our imagination is capable of creating. They are, therefore, pleasant moments, as it isolates us from the madding crowd, subjugated to its will, while time passes slowly or quickly through our minds on this great journey of our lives.

Dosmilcien

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#PINTURA - #LuisColucci / Luis Colucci

  

Luis Colucci, un genuino hombre del Renacimiento que abarca la pintura, la composición y la escritura, nos presenta su fascinante universo. Sus obras son un crisol de arte moderno, fusionando el minimalismo con paisajes urbanos y la pintura geométrica.

Su propuesta es audaz: encontrar la belleza en lo aparentemente más mundano. Tomemos un túnel, esa arteria urbana saturada de hollín y el estruendo del tráfico, un lugar que de por sí evoca lo desagradable. Colucci lo metamorfosea en una experiencia visualmente agradable. La velocidad cobra vida en esas estelas de luces amarillas que desafían nuestra percepción. Así son nuestras ciudades: densas, impersonales, donde la conexión humana a menudo se diluye. Sin embargo, este túnel se revela bello e hipnótico, ya sea por la maestría en el uso del color o por esa paradójica atracción que nos impulsa a desear salir de este Averno mitológico para regresar al infierno ya conocido.

Luis Colucci, a genuine Renaissance man who encompasses painting, composition, and writing, presents his fascinating universe to us. His works are a melting pot of modern art, fusing minimalism with urban landscapes and geometric painting.

His proposal is bold: to find beauty in what is seemingly most mundane. Let's take a tunnel, that urban artery saturated with soot and the roar of traffic—a place that in itself evokes unpleasantness. Colucci transforms it into a visually pleasing experience. Speed comes to life in those streaks of yellow lights that challenge our perception. This is how our cities are: dense, impersonal, where human connection often gets diluted. However, this tunnel reveals itself to be both beautiful and hypnotic, whether due to his mastery in the use of color or that paradoxical attraction that compels us to want to escape this mythological Averno only to return to the hell we already know.

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